Las Críticas de Ocio Noticias

Malditos Bastardos

2009-09-23T18:50:00.003+02:00

En la Francia ocupada por los nazis, un grupo de soldados norteamericanos que se hacen llamar los bastardos están llevando a cabo un peligroso pero satisfactorio plan: matar nazis. Pero no serán los únicos. Shosanna, la única superviviente de una familia de judíos, pretende llevar a cabo su particular venganza y su relación con el popular soldado alemán Fredrick Zoller bien puede ayudarle.

Última película de Quentin Tarantino, destripada por un buen número de críticos de tres al cuarto, que no dieron la más mínima muestra de profesionalidad al contar el final de la película tras su pase por el Festival de cine de Cannes. Sea como fuere, al fin se estrena en España la última propuesta fílmica del realizador norteamericano, un intento de película bélica que termina siendo devorado por los incesantes diálogos y un par de escenas para recordar. Por desgracia, Malditos Bastardos dista mucho de parecerse a las grandes películas del loco director y, al menos en la humilde opinión del que suscribe, nos ofrece su peor largometraje hasta la fecha, dejando de lado la aburrida Death Proof. Quentin ha querido rodar una película tan grande que al final se ha visto desbordado, aunque es cierto que hay varios momentos dignos de mención, que salvan la película e, incluso, la posicionan como una propuesta notable.

Uno de esos grandes aciertos es el haber contado con un entregado conjunto de intérpretes europeos. Desde el premiado Christoph Waltz, que realizada una tremenda actuación en el papel del Coronel Landa, hasta Diane Kruger, que demuestra en su breve tiempo en pantalla de lo que es capaz. Curiosamente, es la gran estrella del plantel la más desubicada de todas. Brad Pitt se toma su papel a broma y lo notamos en cada fotograma. Lo mismo sucede con Eli Roth, al que esperamos no volver a ver en un filme por muy amiguete de Tarantino que sea. El resto del reparto, genial. Incluido Daniel Brühl, por mucho que algunos tachen su interpretación de "sosa".

Lógicamente, en una película del tarado Quentin lo que más llama la atención es su guión. En esta ocasión el director rellena minutos y minutos de metraje con palabras y diálogos, algunos memorables, pero que no alcanzan las cuotas de maestría vistas en otras obras del realizador. Malditos Bastardos es la menos "tarantiniana" de todas las películas de Tarantino e, incluso, por momentos no vemos ninguna de sus señas de identidad como son los planos secuencia o la violencia exagerada (que hay, pero menos de la esperada). Por supuesto, disfrutamos con algunos planos antológicos y un uso exquisito de la música, pero no llegamos a distinguir al genio de Kill Bill o Jackie Brown.

Quentin demuestra tener un conocimiento brutal sobre el cine germano rodado durante la 2ª Guerra Mundial. Hay infinidad de guiños cinéfilos, momentos salvajes, pero siempre nos quedamos con ganas de algo más. Tarantino ha tardado 10 años en rodar la película y uno espera que sea su gran obra maestra. Además, termina centrándose en otros aspectos e historia, olvidando a los bastardos, con unos personajes que, aún siendo notables, no son tan redondos como en otras ocasiones. Eso si, repito, hay grandes escenas, excelente banda sonora y buenísimas interpretaciones, pero al menos el que suscribe salió del cine con ganas de algo más.

En definitiva, una película que está gustando mucho al público pero que, no nos engañemos, no le llega ni a la suela de los zapatos a Reservoir Dogs o Pulp Fiction. El excesivo metraje y algunos diálogos alargadísimos (incluso para Tarantino) terminan pasando factura y hacen que pierda bastantes puntos. Con todo, una opción recomendable para cualquier cinéfilo que atisbará destellos de calidad en un director que esperamos vuelva a sus orígenes y se deje de tantas pajas cinematográficas. Es una película notable, pero de Quentin uno siempre espera el sobresaliente.

Nota: 7.

Distrito 9

2009-09-13T17:46:00.005+02:00

Johannesburgo, Sudáfrica. Hace 28 años que una nave extraterrestre llegó a la metrópolis y quedó aparente varada en el cielo. Tras diferentes estudios, los seres humanos decidimos que lo mejor era rescatar a las pobres criaturas y alojarlas en la Tierra, en un lugar conocido como el Distrito 9. El lugar no era más que un gueto marginal donde mantener a los "bichos" controlados y poder realizar experimentos de todo tipo con sus armas y su biotecnología. Pero, ahora, las cosas se pondrán feas cuando la MNU decida trasladar a los casi dos millones de Aliens a un nuevo Distrito.

Ha tardado, pero ha llegado. El debut en la dirección de Neill Blomkamp ya está en España y ha entrado por la puerta grande. Parece mentira que la mejor película del verano y, por qué no decirlo, del año, sea una cinta de ciencia ficción, con grandes momentos de acción pura y dura, donde no se han preocupado por el qué dirán y se ha centrado en un sólo objetivo: ofrecer espectáculo de calidad para mentes pensantes y, a la vez, al público masivo. Ahora descubrimos que la cancelación de la adaptación de Halo ha merecido la pena. Peter Jackson produce a su mejor alumno, un Blomkamp que, al igual que el director neozelandés en sus inicios, ofrece violencia salvaje, sátira y puro divertimento.

La película comienza como un documental, entrelazando declaraciones con algunas escenas de rutina burocrática. La crítica social está presente en esos primeros instantes y seguramente sea la parte que le he merecido mayores elogios. Paulatinamente, seremos testigos de algunos cambios, de como las cosas nunca salen bien cuando hay racismo (en este caso interespecies) e intolerancia en el ambiente. Los Aliens no son muy inteligentes aunque, teniendo en cuenta las armas y la tecnología que poseen, adivinamos que algunos tenían mentes privilegiadas. Uno de esos "bichos" será el que mayor protagonismo consiga, siempre acompañado por su hijo, en lo que resulta todo un acierto narrativo. Pero, el gran beneficiado de todo esto, además del propio director, es el actor Sharlto Copley. El interprete se ha ganado con una sola película el calificativo de estrella, llevando todo el peso de la producción, pasando de administrador imbécil a "badass motherfucker" capaz de hacer frente a una gran corporación.

Otro de los grandes aspectos que presenta District 9 es su trabajada presentación formal. Resulta un verdadero acierto que la historia acontezca en un lugar poco común, un lugar en el que ninguna superproducción de Hollywood se habría imaginado. Y es que, aunque no lo parezca, la película de Blomkamp ha costado 30 millones de dólares que, aun siendo una pasta, no deja de ser una presupuesto de cine independiente en el país de Obama. Y se han gastado cada maldito centavo de la mejor forma posible. Los efectos especiales resultan sencillos y humildes, lo que confiere mayor realismo. Además, el paraje y los acontecimientos durante el día no esconden a los Aliens que, siempre que es posible, aparecen en pantalla en todo su esplendor. Aquí volvemos al extraterrestre protagonista: Christopher. Para empezar, nos damos cuenta de la broma pesada que es ponerle un nombre humano a un "bicho" que, estoico, suporta todo tipo de maltratos para intentar volver a su hogar. Pero lo mejor de todo es que, aún siendo un personaje virtual, consigue emocionar en un par de escenas conmovedoras, muy bien planificadas dentro de la acción.

Porque, no nos engañemos, Distrito 9 termina siendo una película de acción a lo grande. Gracias a su limitado presupuesto, el director se permite mostrarnos cuerpos que explotan, miembros amputados y otras tantas barbaridades, al más puro estilo gore, que nos vuelve a recordar al Jackson de los comienzos. Los últimos minutos son, sencillamente, brutales. Aunque es verdad que se olvida de la crítica al ser humano y deja de lado su vertiente social, la película consigue entretener como ninguna otra obra lo ha hecho en el presente año. Aunque no es la gran película de ciencia ficción que todos anunciaban, es cuestión de tiempo que ocupe un puesto de privilegio dentro de ese elitista grupo de filmes admirados por los cinéfilos. No es una absoluta obra maestra pero es, sin duda, una de las mejores películas en lo que va de año. Digna de un sobresaliente. Y que eso lo consiga un primerizo otorga mucha satisfacción.

En definitiva, una producción atractiva, divertida, con toques de crítica social, mucha acción, un protagonista a la altura, alguna escena gamberra y un montón de puntos positivos que eclipsan a los negativos. Lo mejor del verano y, casi casi, del año.

Nota: 9.

Enemigos Públicos

2009-08-30T17:27:00.008+02:00

EEUU vive sumida en la Gran Depresión de los años 30. Mientras la gente se busca la vida como puede, John Dillinger opta por el atraco a bancos, algo que se la da realmente bien. A su caza irá el agente Melvin Purvis. A la par que la policía se acerca al delincuente, el pueblo norteamericano comienza a tratarlo como a un auténtico héroe.

Nueva película de Michael Mann, el hombre que mejor rueda las escenas de tiroteos, que en esta ocasión opta por trasladar su particular estilo de cámara digital en mano a los años 30. El director, que había perdido el rumbo tras el rodaje de la aburrida Corrupción en Miami, recupera algo de ese virtuosismo que le ha valido el elogio de la crítica y el apoyo de cierto sector del público. Aunque todavía no podemos encontrar al Mann que nos deleitó con Heat, El último mohicano o Collateral, si adivinamos su intención de volver por sus derroteros, mezclando acción y drama a partes iguales.

En esta ocasión, el director ha contando con un trío protagonista muy interesante: Johnny Depp, Christian Bale y Marion Cotillard. Resulta toda una lastima comprobar como la frialdad del realizador se ha visto reflejada en pantalla en las interpretaciones de los actores, donde ninguno resalta sobre otro, a excepción de ciertas escenas puntuales. Con todo, el plantel al completo está bastante solvente, metidos en su papel, donde hasta el desaparecido Stephen Dorff tiene un par de momentos que hacen pensar en un posible renacer.

Pero, como no podía ser de otro modo viniendo de quien viene esta película, Enemigos Públicos tiene un acabado técnico muy notable. Michael Mann rueda en los escenarios reales donde aconteció la acción, todo muy bien ambientado, a pesar del uso de la cámara digital, que en ocasiones puede descolocarnos un poco. Los vehículos clásicos, las armas antiguas y el vestuario resultan totalmente acertados y un elemento más capaz de hacernos vivir esa triste época.

Además, como era de esperar, el director no se corta a la hora de ofrecernos tiroteos variados, todos ellos de gran factura y montaje perfecto. Mención especial al que acontece en un motel de carretera, en mitad de la noche, donde los efectos de sonido nos destrozan los oídos y nos hacen creer que estamos inmersos en la acción. Desde luego, el día que Mann vuelva a conseguir mezclar drama y acción como lo hizo antaño, volveremos a disfrutar de su cine. De momento, nos queda pasar un rato agradable, que nunca está de más.

En resumen, buenas escenas de acción, interpretaciones algo gélidas, notable ambientación y cámaras digitales para una película que podría haber sido una obra maestra y que se queda en notable. Cosa muy encomiable en los tiempos que corren.

Nota: 7.

Up

2009-08-09T17:54:00.004+02:00

Carl Fredricksen, un anciano de 78 años, vive sólo en su casita, en medio de una gran ciudad. Su vida ya no es lo que era y, para colmo, un avaricioso empresario quiere comprar su propiedad para hacer un gran edificio. Un día, cansado de tanta tontería, decide anudar miles de globos a su casa y salir en busca de aventuras.

Carta de amor a Pixar:
Pixar, Pixar, Pixar. Que mal acostumbrados nos tienes. Cada año que estrenas película tienes al público en tu bolsillo, espectante, con ganas de disfrutar. Y, como por arte de magia, cada año que estrenas película haces que medio mundo disfrute como nunca en una sala de cine. Haces que los que ya no somos tan niños, volvamos a tener 10 años. Y eso que Up no es la maravilla que esperaba ver tras las miles de críticas entusiastas y emocionadas. Pero es que, hasta cuando haces una película más flojita, consigues arrancarme una sonrisa.
Pete Docter y Bob Peterson son en esta ocasión tus elegidos para la gloria en labores de dirección. Y, la verdad, siempre aciertas en tu elección. Aunque hagas una película más infantil de lo esperado, siempre eres capaz de encontrar a la persona adecuada para darle un toque adulto y de calidad a tus obras y, en esta ocasión, nos regalas unos primeros 15 minutos que nadie ha sabido mejorar en todo el año. Y, posiblemente, nadie lo consiga.

Es verdad que la película no tiene la valentía de Wall-E, ni la maestria absoluta de Los Increíbles o la maravillosa capacidad de sorprender de Buscando a Nemo, pero tú siempre sabes regalarnos planos mágicos y entrañables, como los de esa casita multicolor surcando el precioso cielo azul de Venezuela con miles de globos. O un personaje tan carismático como extraño, ese anciano cascarrabias que termina siendo un trozo de pan.
Lo único que te pido, amiga mia, es que para la próxima olvides un poco la acción y te centres más en los personajes, como llevas haciendo toda la vida (si olvidamos Cars, que posiblemente rodaste tras una noche de borrachera). Ojalá tu próximo proyecto sea igual o mejor que este. Y, ojala, sigas contando con Michael Giacchino para todas tus bandas sonoras. Porque ese hombre se merece, simplemente, que le den un premio Oscar envuelto con un lazito.

PD: diversión, protagonista excelente y ciertas secuencias mágicas hacen que olvidemos ese destello de cine infantil con mucha acción que has tenido esta vez. Con todo, digan lo que digan, lo importante es pasarlo bien en el cine y tú, Pixar, siempre haces que salgamos de la sala con una sonrisa.

Nota: 7.

¡Un Premio!

2009-07-23T13:10:00.004+02:00

El amigo Xavier Vidal ha tenido la gentileza de concederme un premio que están otorgando los bloggeros del mundo. El premio en cuestión se llama Bertuah Award y debo dar las gracias a Xavier porque, a pesar de que posteo poquísimo desde hace cosa de un mes, ha tenido el detalle.

Las reglas seguidas han sido:

- Postear el premio en el blog y Ofrecer el link de la persona que me lo entregó: http://cachecine.blogspot.com/

- Premiar con el mismo a otros blogs y avisarles del premio. Mis premiados son:
Marguis - http://moriacity.blogspot.com/
Gustavo - http://cinemaparadisouy.blogspot.com/
Capitán Spaulding y Jonh "Bluto" Blutarsky - http://lacasadeloshorrores.blogspot.com/

Espero que os haga la misma ilusión que a mi recibir estas pequeñas muestras de apoyo por parte de la comunidad bloggera. Y también espero poder actualizar con más asiduidad.

La última casa a la izquierda

2009-07-01T12:41:00.006+02:00

Los Collingwood van de vacaciones a su acogedora casa del lago sin saber que unos peligrosos asesinos andan sueltos. La hija del matrimonio, junto con una amiga, terminan en manos de los delicuentes, que las violan y dan por muertas. Cuando la familia de la joven descube que ha pasado, los asesinos se convierten en víctimas de una brutal venganza.

Remake de la primera obra de Wes Craven, este intento de película propia del Splat Pack se queda en eso, en intento. Su director, Dennis Illiadis, no consigue alcanzar los niveles de salvajismo que una historia como esta puede ofrecer. A pesar de realizar un importante esfuerzo y de conseguir un par de escenas agobiantes, todo queda en un mero quiero y no puedo. La película que debería ser una nueva Las colinas tienen ojos, se transforma en un remake más del tipo Viernes 13.

Con todo, es conveniente destacar el esfuerzo a nivel interpretativo de Tony Goldwyn y Monica Potter, sin duda, lo mejor de la cinta. Aunque en un principio no parecen más que unos meros secundarios, terminan convirtiéndose en los amos de la película, eclipsando al resto de compañeros de casting, tarea, por otra parte, nada complicada. El malo de la función, Garret Dillahunt, no pasa de ser un asesino de tres al cuarto y en ningún momento el espectador le tiene verdadero terror. El resto de criminales que le acompañan son aún más irrisorios que él.

Técnicamente, la película guarda más de un paralelismo con Las colinas tiene ojos. Como ya he comentado, esta cinta debería ser una sucesora en cuanto a narrativa y estilo de la obra maestra de Alexandre Aja, pero por una u otra razón, nunca vemos esa violencia explícita tan brutal que hizo del remake de otra obra de Craven una maravilla. Aquí, a pesar de ver situaciones desagradables, sabemos que todo va a salir como debe salir, no se crea tensión, no existe el pánico.
Resulta curioso que el cine de Wes Craven se esté convirtiendo en fuente de inspiración para el cine actual y que casi todo el que se atreve con su material, salga victorioso. Eso también sucede en esta ocasión, aunque no de manera tan sobrada como lo hizo Aja. Al menos, Illiadis tiene la inteligencia suficiente para eliminar el humor de la obra original, inapropiado para este tipo de producciones.

En definitiva, es una verdadera lástima que la película no alcanze los niveles que debiera Si uno piensa en otras películas similares, esas que deben saciar nuestra sed de sangre y violencia, aliñadas con una sana pizca de terror, La última casa a la izquierda sale perdiendo. Sin embargo, si nuestras expectativas no son muy altas, disfrutaremos de una entretenida tarde de verano.

Nota: 5.

¿Hacemos una porno?

2009-06-17T23:19:00.004+02:00

Zack y Miri viven juntos en una pequeña casa. No tienen dinero para hacer frente a las facturas y empiezan a notar las consecuencias de los impagos. Ante tal situación, Zack tiene una innovadora idea: rodar una película porno casera.

Kevin Smith quiere recuperar el tiempo perdido. Tras remontar el vuelo con la secuela de Clerks, el director norteamericano espera ocupar ese puesto de privilegio que tenía hace unos años como director de moda independiente. En esta ocasión vuelve a utilizar sus diálogos más peculiares, aunque no llega a alcanzar la grandeza de Persiguiendo a Amy o la propia Clerks. De hecho, la cinta que nos ocupa tiene ciertas similitudes con Amy, especialmente por la infinidad de diálogos relacionados con el sexo, aunque nunca alcanza los delirios y maravillas de antaño. Pero, si algo sigue siendo llamativo en los filmes de Smith, es el elenco actoral.

Junto con Seth Rogens y Elizabeth Banks, ambos notables, encontramos al habitual del director, Jason Mewes, junto con las actrices porno Traci Lords y Katie Morgan. Destacar sobre todo la labor de Banks, muy bien en su papel, que termina convirtiéndose en lo mejor de la película. Ojo a las colaboraciones con ciertos intérpretes, algunas de ellas muy divertidas.

Hablar de grandezas técnicas en ¿Hacemos una porno?, que a todo esto es un título inventado ya que la traducción literal es Zack y Miri hacen una porno, sería perder el tiempo. Smith nunca se ha caracterizado por realizar modernas puestas en escena o por ofrecer trabajadas y meditadas escenas de acción. Por el contrario, Smith si se ha caracterizado por dar al espectador (a SU espectador, se entiende) largas conversaciones, repletas de miles de referencias sexuales, escatologícas y muy, muy geeks. En esta ocasión no podría ser menos y algunos de los mejores momentos llegan gracias a bromas que toman como eje algún cómic o serie de televisión.
La secuencia en la que buscan título para la película resulta realmente divertida, sobre todo si se sabe algo sobre cine porno y se tienen conocimientos de títulos, algo que daría para una tesis doctoral. Puede decirse que, a pesar del esfuerzo que realiza Smith por volver a sus orígenes, al final todo se queda en un mero intento. Nunca consigue ser irreverente, no se arriesga con las escenas sexuales (aunque esto era lógico) y al final ofrece una historia bastante normal, que termina siendo hasta empalagosa.

En definitiva, un Kevin Smith que no es el verdaderos Kevin Smith. Algo de chispa se deja ver, pero aún no ha recuperado el tono que le convirtió en director de culto.

Nota: 6.

Terminator Salvation

2009-06-11T16:28:00.005+02:00

Año 2018. La guerra con las máquinas es una realidad y John Connor se ha convertido en el líder que la humanidad necesitaba. Por otra parte, Marcus Wright vaga solitario por el desértico paisaje, en busca de una respuesta que le ayude a comprender qué está pasando, ya que su último recuerdo se sitúa en la que fue su ejecución.

Ya está rondando por los cines la nueva película de la saga Terminator. En esta ocasión el director ha sido McG, responsable de Los ángeles de Charlie y su secuela y, dicho sea de paso, dos abominaciones contra la humanidad. En esta ocasión, el director sin nombre coge las riendas de un proyecto largamente acariciado y que, curiosamente, se convierte directamente en su mejor película. Lo cual no significa que sea buena, simplemente que es lo más serio y respetable que ha hecho. Con unos primeros minutos muy interesantes (hasta la aparición de un Transformer, perdón, un Terminator gigante) la película se convierte en una sucesión incansable y ruidosa de explosiones, efectos y escenas de acción más o menos bien pensadas, pero en ningún momento innovadoras. El hecho de que entre escena de acción y escena de acción no haya casi diálogo termina por volver loco al espectador, saturado en exceso por tanta explosión y robot asesino.

Y todo ello, a pesar del enorme esfuerzo que ponen Christian Bale y Sam Worthington. El primero realiza su trabajo con eficacia y esfuerzo, como viene siendo habitual, y nos ofrece un John Connor mucho más realista y "entrañable" que el de Nick Stahl, aunque por debajo del mítico de Edward Furlong (si no estuviera desaparecido en combate como todo buen actor infantil que se precie, podría ser el protagonista). Sobre el segundo, sólo puedo aplaudir el descubrimiento del que será, con todas luces, la próxima estrella del cine de acción y aventuras. No es una actor excelente, pero se amolda con comodidad a este tipo de papeles. También aparecen brevemente Helena Bonham Carter y el gran Michael Ironside, paseando rostro y cobrando cheque, junto a Bryce Dallas Howard que, aunque no hace nada, considero muy atractiva y por ello lo agradezco.

Técnicamente, la película es muy recomendable. Buenos efectos especiales, sin usar en exceso el ordenador y unas primeras secuencias trabajadas y bastante prometedoras. Lástima que luego el resultado final no sea el esperado tras los primeros momentos. El director de foto, Shane Urlbut (al que Bale estuvo a punto de asesinar tras meterse en mitad de plano, como todos sabréis) realiza una buena labor en las escenas diurnas, pero deja mucho que desear en las nocturnas. La música de Danny Elfman es lo único que mantiene el nivel durante todo el metraje, y eso que tampoco es la repanocha.
Puede decirse que, como película de verano, está llena de acción y buenos efectos especiales pero que, a la hora de la verdad, estos terminan saturando, agobiando, creando una sensación en el espactador poco recomendable. Con un poco de calma entre escena y escena, McG hubiera logrado una película infinitamente mejor. Es una pena que una saga como Terminator se esté convirtiendo en esto (ojo a las Motos Terminator, un insulto a la inteligencia). Porque seguro que vienen más películas. Al menos nos queda la esperanza de saber que es mejor que La rebelión de las máquinas, a la que el paso del tiempo le sienta muy mal. Bueno, eso y que el gran Schwarzenegger hace un cameo digitalizado.

En resumen, una película que recomendaría para pasar un rato, pero poco más. Si teneis oportunidad, aprovechad para ver las dos primeras partes. Eso si son películas espectáculo. Y es que, ¿dónde te metes Cameron cuando nos haces falta?

Nota: 5.

Los mundos de Coraline

2009-06-03T16:56:00.005+02:00

La joven Coraline acaba de instalarse en su nuevo hogar, el Palacio Rosa. Allí su vida sigue siendo igual de aburrida con sus padres hasta que descubre una puerta que la transporta a un mundo paralelo donde todos la tratan bien y se divierte. Pero algo extraño pasa con la madre que habita ese mundo.

Nueva película de animación del director Henry Selick, responsable de las muy notables Pesadilla antes de Navidad y James y el melocotón gigante. De nuevo, el director se sirve de la técnica de animación stop motion para ofrecer al espectador un espectáculo visual llamativo, con ese estilo entre tétrico y colorido que tan buenos resultados le dio en el pasado. En esta ocasión se basa en una historia original de Neil Gaiman, muy apropiada para el tipo de cuentos que suele narrar.
En el campo de la interpretación destacar el efectivo elenco de voces, con la niña (cada vez menos) Dakota Fanning a la cabeza, muy bien acompañada por Teri Hatcher en el rol de la madre y Keith David como el gato parlanchín. También está, de voz presente, el actor Ian McShane, interpretando a un histrionico domador de circo ruso (o similar).

Técnicamente, la película hace gala de una excelente factura, con escenas de acción muy conseguidas y hasta algún que otro pequeño susto. Al igual que sucediera con los anteriores filmes del director, el público adulto encontrará su hueco dentro de la historia y el público infantil se lo pasará en grande como siempre hace con este tipo de producciones. Quizás algunos momentos lentos o sin poca acción no la posicionen como la mejor obra de su autor, pero aún con ello sigue siendo recomendable.
Puede afirmarse que esta última película de Selick será la responsable directa de rivalizar este año con la inminente Up! de Pixar y, aunque resulta complicado levantar del trono a estos genios, Coraline consigue dibujar una sonrisa permanente en el espectador más exigente, ese que disfruta con historias que no entienden de edades.

En definitiva, una nueva película con la técnica stop motion capaz de enamorar a niños y adultos, muy bien construida e ideal para abrir boca ante la oleada de superproducciones que nos traerá el verano.

Nota: 7.

The international: dinero en la sombra

2009-05-25T13:51:00.005+02:00

Louis Salinger, agente de la Interpol, y Eleanor Whitman, fiscal del distrito de Manhattan, pretende acabar con uno de los grandes bancos del mundo, el IBBC, persiguiendo un rastro que les llevará a sospechar la implicación de la entidad con el contrabando de armas y de contratos multimillonarios.

La última película del director Tom Tykwer nos ofrece una historia de intrigas y asesinatos a la vieja usanza, aunque nunca llegue a ser una película perfecta. Tocando un género al que nunca antes se había acercado, el director alemán rueda con pulso firme y bastante efectividad un thriller serio, quizás demasiado, que aunque nunca llegue a ser un verdadero espectáculo ni a cautivar la atención del espectador si que ofrece algunos buenos destellos de lo que este director puede hacer.
Destacar, sobre todo, el protagonismo de Clive Owen, un actor cargado de carisma y de una calidad interpretativa incuestionable, que debería ser ya una de las mayores estrellas de Hollywood. Como nos tiene acostumbrados, realiza un trabajo serio, siempre capaz de adaptarse al personaje, con su saber estar tan demostrado desde hace unos añitos. Lo acompaña la siempre notable Naomi Watts, que en esta ocasión se convierte en un personaje secundario, pero importante para el devenir de los acontecimientos.

En el plano técnico, The international es una historia muy bien rodada, con cierto sabor clásico. Las escasas escenas de acción están perfectamente planificadas, bien montadas y capaces de mostrar todos los acontecimientos de manera natural, sin movimientos de cámara rebuscados ni cosas similares. Mención especial para la sobresaliente secuencia del Guggenheim, una espectacular escena de acción que se convierte, de lejos, en lo mejor de la producción.
Y, posiblemente, sea esa gran escena la culpable de que la película no sea capaz de recuperar el ritmo en lo que resta de metraje, convirtiendo todo el tramo final en un exceso tedioso y lento, a pesar de las buenas intenciones de Tykwer.

En definitiva, una película bien rodada y efectiva, pero sosa a pesar de la trama central. Eso si, recomendable para cualquier fan del señor Owen.

Nota: 5.

X-Men Orígenes: Lobezno

2009-05-14T18:29:00.005+02:00

1845. Dos jóvenes hermanos se deben dar a la fuga tras el crimen cometido por uno de ellos al usar unas misteriosas garras, fruto de algún tipo de mutación. El tiempo parece no pasar por ellos y juntos sobreviven a todas las grandes guerras del sigo XX hasta que finalmente son contratados para trabajar junto a otros seres con poderes. Incapaz de aguantar las barbaries que cometen, Logan, el otrora joven niño, decide vivir su vida. Es el comienzo de Lobezno.

Hace unas semanas que el primer gran blockbuster de la temporada llegó a nuestras carteleras y a las de medio mundo. Y lo cierto es que el festival de películas palomiteras no empieza con buen pie. La película dirigida por Gavin Hood es todo un despropósito. Ganador del Oscar a la mejor película extranjera con Totsi hace tres años, se convierte en esta ocasión en un simple pelele de los productores, incapaz de imprimir al metraje un ápice de personalidad. Las escenas de acción están cogidas con pinzas y en ningún momento el espectador siente la emoción o la espectacularidad que un buen film de palomitas debe ofrecer. Por supuesto, no voy a culpar del mal resultado al pobre Hood, ya que los productores de la película y, la antaño envidiable, Fox juegan un papel fundamental en los aspectos negativos de la película.
A pesar de todo, si algo puede destacarse de la producción, es la aceptable interpretación de Hugh Jackman y Liev Schreiber. Ambos actores se afanan en conseguir interpretaciones apropiadas para una película de acción y es de agradecer tal esfuerzo, ya que gracias a ellos la película no es un desastre total. Ambos encajan a la perfección en sus papeles y son la nota más positiva de toda la historia, lo que no quiere decir que sean dignos de alabanzas, pero si al menos de intentar satisfacer al público. Del resto de actores ni me acuerdo, y es que ni Danny Huston está especialmente inspirado.

Técnicamente, la película de Lobezno ya está obsoleta. Los efectos especiales huelen desde la distancia y en todo momento quedan mal y forzados. Las escenas de acción no tienen ritmo y caen en el error de considerar espectaculo una central nuclear que se cae a pedazos. De todo el metraje, los títulos de crédito se convierten en lo mejor, algo que ya da para pensar.
El guión de David Benioff es infumable por todos los costados y en ningún momento parece que la lógica haga acto de presencia. Es difícil imaginar como este hombre escribió La última noche. Cosas de la inspiración, supongo. Con todo lo dicho, debo señalar que ni la aparición de Gambito, ni la de algunos supuestos mutantes famosos levantan el vuelo. Y es que, aunque resulte duro, si comparamos está precuela con la tercera entrega de la saga, aquella era una obra de arte. Posiblemenre, y es una opinión personal (como toda crítica, ¿no?) el espectador de verano hubiera disfrutado mucho más con menos ruido e, indudablemente, con otra mayor pagando las promociones y escenarios.

En definitiva, una película que, si bien no es un desastre total, aunque parezca lo contrario tras leer esta reseña, si peca de falta de ideas, de efectos especiales pasados, de una mala dirección y de escenas de acción aburridas. Y así no se puede disfrutar una película millonaria.

Nota: 4.

Control

2009-04-20T16:20:00.005+02:00

Inglaterra, años 70. Un joven llamado Ian Curtis asiste a un concierto de los Sex Pistols con su esposa. Allí conoce a un grupo que busca un vocalista. Es el nacimiento del mítico grupo Joy Division.

Estrenada con 2 años de retraso respecto a su fecha de producción, al fin llegó a España la aplaudida ópera prima del realizador Anton Corbijn, responsable de algunos videoclips de bandas tan importantes como Metallica, U2 o Depeche Mode. Y para su debut ha escogido la que posiblemente sea la historia más acertada para él, un biopic nada convencional sobre el jovencísimo Ian Curtis, lider de Joy División (nombre con el que los soldados nazis hacían referencia al lugar donde estaban las mujeres judias que usaban como esclavas sexuales). Corbijn se atreve a rodar su historia en blanco y negro, lo que dota aún de más fuerza al conjunto, creando uno de los retratos más acertados vistos de un artista en muchísimo tiempo. El director se deja de ñoñerías y nos muestra la profunda depresión en la que vivía Curtis, especialmente por haberse casado tan joven y haber sido padre, además de sus ataques epilépticos.
Excelentemente interpretada por todos los actores, hay que destacar que tanto Sam Riley como el resto de componentes ficticios de la mítica banda, interpretan realmente los temas en la película, lo que consigue dotar de una fuerza musical sobresaliente al conjunto. Junto a ellos encontramos a dos grandea actrices como son Samantha Morton, excepcional como esposa de Curtis y Alexandra Maria Lara, que sigue con su particular lucha para llegar a ser toda una roba planos.

En el plano técnico, destacar de manera evidente la excepcional banda sonora y, con méritos propios, la preciosa fotografía. Alguien dijo una vez que el blanco y negro es el color del cine, y servidor no puede estar más de acuerdo. El uso de esta fotografía, sin ningún tipo de color ajeno a los mencionados, dota a la historia de una fuerza narrativa perfecta, muy en armonía con la personalidad del propio Ian Curtis.
Y es que hablar de Control es hablar de la historia de la música británica en los años 70, cuando grupos como Sex Pistols presentaban su único y sobresaliente disco o David Bowie se convertía en el rey del glam. Todo ese aroma a perfeccion musical (esto, como todo, irá sobre gustos) queda muy bien reflejado en la película, sobre todo con la figura de Tony Wilson, presentador televisivo que aupaba a los grupos a la fama y que incluso firmaba con sangre los concratos si era necesario. Y Joy Division jugó un papel importantísimo en ese aspecto, aunque sólo realizara dos álbumes de estudio, debido al suicidio de Curtis con unos escasos 23 años.

En definitiva, sólo me queda recomendar Control a todos los amantes de la buena música y de las historias complicadas. Porque, por suerte, no todos disfrutamos con la radio fórmula y esta película es un regalo para todos nosotros.

Nota: 8.

Déjame entrar

2009-04-16T16:24:00.005+02:00

Oskar es un niño de 12 años. Tímido y maltratado por los matones de su clase, conocerá a una nueva y misteriosa vecina, Eli, justo cuando unos extraños acontecimientos y un sangriento asesinato tienen lugar en la ciudad.

Al fin se estrena en España la aplaudida película sueca que triunfó en el Festival de Sitges y en el de Tribeca. Precedida por su enorme éxito en todos los festivales donde se ha proyectado, además de en su propio país, las espectativas por ver la supuesta obra maestra del nuevo cine de terror europeo (ese que tiene en Aja, Bayona o Marshall a sus principales exponentes) eran altísimas. Y, después de su visionado, sólo puedo aplaudir. El director del film, Tomas Alfredson, regala al espectador una de las más conmovedoras historias de la década, uniendo con maestría elementos dramáticos y terroríficos, siempre al estilo europeo, es decir, dando prioridad a la historia y dejando de lado el espectáculo sin sentido. La impresionante calma y serenidad con la que está narrada la historia hacen del conjunto una experiencia tan satisfactoria como las interpretaciones de los jóvenes protagonistas. Tanto Kåre Hedebrant, Oskar, como Lina Leanderson, Eli, resultan plenamente convincentes, aguantando con maestría el peso de una trama que otros intérpretes infantiles hubieran estropeado. Su capacidad de adaptación al personaje es tan perfecta, que en todo momento nos sentimos cercanos a ellos, queremos vivir su aventura y saber que va a pasar. Parece difícil, pero esta historia de amor de niños de 12 años resulta más creíble y atrayente que cualquiera de las que últimamente llegan a nuestras pantallas. Acompañados por un notable elenco de actores suecos, los niños protagonistas consiguen que la película sea aún más interesante.

Técnicamente, Déjame entrar es todo un placer. La fotografía de Hoyte Van Hoytema es excelente y la banda sonora de Johan Söderqvist un autentico regalo para los sentidos. La narrativa relajada y sin manierismos absurdos que utiliza el director consigue crear una sensación poco habitual. La seriedad con la que se trata todo el tema (no he advertido de Spoilers, pero creo que el que vea esta película sabe muy bien de qué va la cosa) resulta encomiable y da miedo pensar que podría surgir en caso de un propable remake (tengo Crepúsculo en la cabeza...¡puaj!).
La historia pasa del más íntimo de los momentos a sangrientas escenas con una naturalidad pasmosa, demostrando que el cine sueco sabe hacer las cosas bien. Pero si algo destaca por encima de todo lo demás es la capacidad de la cinta para crear sentimientos en el espectador. Asistimos, boquiabiertos, a los acontecimientos que rodean a la joven pareja, deseando vivir la historia, queriendo compartir con ellos nuestras ideas. Me atrevo a decir que el cine de terror en general, y el de vampiros en particular, tiene mucho que aprender de esta impresionante película, que posiblemente pase desapercibida para muchos, pero que es desde ya una absoluta obra de culto.

En definitiva, una muestra ejemplar de lo que el cine de terror europeo puede ofrecer. Amor y violencia dadas de la mano en una historia tan interesante como brutal, con una última secuencia que, al menos servidor, tardaremos en olvidar.

Nota: 8,5.

La clase

2009-04-11T16:07:00.005+02:00

François comienza otro nuevo curso como profesor de francés en un instituto con alumnos complicados, dentro de un barrio periférico y conflictivo. Su métodos de enseñanza se basan en la palabra y la disciplina, algo complicado de usar con alumnos difíciles y que traerá algunos problemas al profesor.

Ganadora de la Palma de oro del último Festival de Cannes y estrenada en España en enero de este año, La clase se presenta como una estimulante propuesta del cine francés, capaz de enomorar a medio mundo con productos estilo Amelie y de crear debate y estimular la conciencia social, como es el caso que nos ocupa. Su director, Laurent Cantet, se aleja de los manierismos hollywoodienses para contarnos una historia sincera y sencilla, que muestra a las claras los problemas de un sistema educativo francés agobiado por los alumnos más complicados, aquellos que viven en los barrios obreros y proceden en su mayoría de familias inmigrantes. Algo que afecta no sólo al país vecino, sino a una buena parte de los países europes, lo que convierte su premisa argumental en clave imprescindible para el visionado de la cinta.
Por su parte, François Bégaudeau, autor del libro en el que se basa, protagoniza la película con bastante solvencia, convirtiéndose irremediablemente en el intérprete perfecto. El resto de actores, todos no profesionales, logran estar a la altura y dotan al conjunto de una credibilidad y realismo más que aceptables.

Visualmente hablando, La clase se centra en los rostros de sus protagonistas, prestando especial atención a los sentimientos y palabras que salen de sus labios, haciendo que todos los personajes aporten algo a la trama y se conviertan en necesarios para el desarrollo de la acción. Pero si algo destaca sobre todo lo demás, es la sencillez de la propuesta formal, que se complementa a la perfección con la propuesta del guión.
La oportunidad de debate que presenta el film se convierte en el punto más fuerte de una cinta que, si bien no es una maravilla, si que hace imprescindible su visionado, aunque sólo sea para ver y conocer un poco más los problemas del sistema educativo francés, posiblemente similares a los que presenta el español, del que es mejor no hablar.

En definitiva, una propuesta digna y necesaria, que tiene en su capacidad para crear debate social su principal baza.

Nota: 7.

Frozen river (Río helado)

2009-04-02T17:25:00.004+02:00

Ray Eddy vive con sus hijos cerca de la frontera de Canadá y está a punto de comprar la casa que siempre ha soñado para su familia. Pero su marido se larga con todo el dinero para gastárselo en apuestas y deja a Ray sin nada con que pagar a los del alquiler. Buscándolo, conoce a Lila, una mohawk con la que terminará trabajando para conseguir dinero facil. Pasar inmigrantes por el helado río de Saint Lawrence.

Precedidad por su enorme éxito en el festival de Sundance y de alzarse con dos nominaciones al Oscar a mejor actriz (para Leo) y mejor guión, Frozen river llegó a las carteleras españolas en enero, algo de lo que ni siquiera había tenido noticia. El cine norteamericano independiente lo es tal, que cuando llegan buenas películas los espectadores ni se enteran. El caso es que la película de la directora debutante Courtney Hunt venía presentada como la nueva maravilla del indie usa y podría decirse que si y que no. Si, porque es una película perfecta en cuanto a interpretaciones y su dirección es muy notable y acertada. No, porque no llega a ser esa gran obra maestra que muchos anunciaban. La labor como guionista y directora de Hunt es encomiable, más aún teniendo en cuenta que es primeriza. Se suma, así, al grupo de realizadoras destinadas a demostrar que las mujeres tienen mucho más que decir en el cine norteamericano, con Sofia Coppola a la cabeza.
Pero si hay algo que destaca con luz propia en esta modesta producción es la interpretación de Melissa Leo. La actriz, desconocida para el gran público, aunque rostro habitual en algunas series de televisión y mujer de Benicio del Toro en 21 gramos, logra una actuación perfecta, convirtiéndose en la actriz ideal para el persanaje de Ray. La acompañan, notablemente, Misty Upham y Charlie McDermott, además de dejarse ver el siempre reconocible Mark Boone Junior, habitual del cine independiente.

Aunque Frozen river no llegue a ser la obra maestra que se anunciaba, si que se convierte en una película muy recomedable e interesante, ya que junto con lo anteriormente mencionado cabe destacar el buen libreto escrito por Hunt. Las situaciones por las que pasan las dos mujeres protagonistas se convierten en el elemento conductor de la historia, dejando de lado artificios o trucos fáciles, dando al conjunto una sensación de humildad que se da con poca frecuencia en el cine usamericano.
La descripción de los paisajes helados y el uso que su directora y guionista hace de ellos para incluirlos como un elemento más de la historia hacen que sintamos lo mismo que cualquier ciudadano de la zona. Casas aisladas, prefabricadas, remolques y tuberías que se congelan dan un detalle al contexto muy de agradecer. Incluso, se deja entrever el miedo permanente de los estadounidenses hacia la población musulmana, dando pie a la secuencia más dura de la película.

En definitiva, recomendar Frozen river a cualquiera que busque cine original y de calidad independiente. No es la mejor película del año, pero al menos nos recuerda que todavía hoy se puede hacer mucho con muy poco.

Nota: 7.

The visitor

2009-03-26T14:01:00.004+01:00

El profesor Walter Vale viaja a Nueva York para dar una conferencia. Allí conocerá a Tarek y Zainab, una pareja de inmigrantes que viven, sin saberlo, en un piso del profesor que apenas visita y con los que terminará conviviendo.

Rodada en 2007 y estrenada aquí gracias, en buena parte, a la nominación al Oscar de Richard Jenkins, la nueva película del realizador Thomas McCarthy nos ofrece una historia sencilla, llena de humanidad y con un interesante trasfondo político que se deja sentir especialmente en sus últimos minutos. Y es que, si algo caracteriza a esta película, es su sencillez y modestia formal. Todo se reduce a unos actores en estado de gracia y a un guión lleno de detalles (del mismo McCarthy), muy bien escrito y presentado. El director sabe aprovechar al máximo los recursos de los que dispone y nos regala una dirección de actores sobresaliente y en un notable conjunto donde la sonrisa y el drama se dan la mano.
Y es que, si hay algo que destaca sobre todo lo demás, eso son las grandes interpretaciones del grupo actoral. Richard Jenkins, más conocido por su labor televisiva y de secundario, borda un personaje que desde el primer fotograma cae bien al espectador y que en ningún momento deja de interesar. Pero junto a un sobresaliente Jenkins encontramos a los jóvenes Haaz Sleiman y Danai Jekesai Gurira, que interpretan a la pareja inmigrante y que en todo momento resultan creíbles y componen una pareja bastante interesante. Pero es la actriz Hiam Abbas quien supone toda una sorpresa, por la naturalidad de su interpretación y lo interesante de su personaje.

Junto con todo lo anterior, The visitor se convierte en una película de recomendable visionado por su discurso político. Aunque no se le llega a dar la importancia que quizás le hubiera dado otro realizador, McCarthy nos habla con su historia de las paranoias del sistema norteamericano tras los atentados del 11-S. El peligro que supone el ser, simplemente, un extranjero para cualquier visitante del país. Además, también se deja entrever una interesante crítica al sistema burocrático y, especialmente, a sus funcionarios.
Con su última película, el director de Nueva Jersey (al que, por cierto, hemos visto en bastantes películas como actor) ofrece una buena historia, sencillamente rodada, con una buenísima labor por parte de sus intérpretes y todo bien aliñado con una banda sonora muy pegadiza. The visitor, se podría decir, es una de esas película que, tras su visionado, dejan un excelente sabor de boca.

En definitiva, una recomendable propuesta cinematográfica, sencilla, humilde y bastante inteligente.

Nota: 7,5.

A ciegas

2009-03-19T16:31:00.005+01:00

Una epidemia de ceguera sacude a una gran urbe sin nombre. Todos sus ciudadanos pierden la capacidad de ver y son acinados en cuarentena en diferentes barracones. Pero entre todos ellos hay una mujer que aún es capaz de ver y que deberá soportar el peso de ayudar a su marido y amigos, además de observar las bajezas y miserias del ser humano.

Nueva película del director brasileño Fernando Meirelles, tras las muy notables Ciudad de Dios y El jardinero fiel. Lo cierto es que, como hago siempre, tras ver la película leo varias críticas y cual fue mi sorpresa al comprobar que la mayoría eran negativas o poco alagadoras. Y todas coincidían en lo mismo. Lo mucho que la película se aleja de la fuente original de la que bebe, el Ensayo sobre la ceguera de José Saramago. Pero yo, inculto en estas cosas, no he leído la novela original y, posiblemente por eso, disfrute la película mejor que otros. Por supuesto que es la película más floja del director, pero es innegable que tiene momentos muy buenos y que es bastante entretenida. Como película funciona perfectamente y nos muestra lo miserables que pueden llegar a ser las personas. Tiene todos los tics de su director en cuanto a planificación y uso de técnicas de iluminación o fotográficas, olvidando esta vez los saltos narrativos a los que nos tiene acostumbrados. Y todo ello se asienta en una buena labor de actores.
Desde Mark Ruffalo hasta Alice Braga, pasando por Danny Glover, el elenco actoral está muy bien dirigido, aunque es cierto que los personajes no llegan a estar a la altura de los intérpretes, concretamente ese Rey al que interpreta García Bernal. Pero si hay que aplaudir a alguien y señalarla como lo mejor de la película, ella es sin duda Julianne Moore. Esta actriz vuelve a demostrar que es una de las más solventes y eficaces, además de una de las más olvidadas en materia de premios (cuatro nominaciones al Oscar, todas de vacío).

En el plano técnico, A ciegas se parece mucho a sus hermanas mayores. Si hay un director fácil de identificar por la narrativa que utiliza o por sus planos y montajes, ese es Fernando Meirelles. En esta ocasión y gracias a la fotografía de César Charlone, el film se sustenta en el uso de fuerte blancos, ocasionalmente contrastados con largos planos en negro, pero consigue transmitir en cierta medida ese sensación de ceguera que ataca a los protagonistas. Y, como ya he mencionado, esta vez la historia se nos narra de manera lineal, algo que quizás sea mejor para la historia pero que resulta extraño en alguien como Meirelles. Sólo la voz en off resulta verdaderamente molesta, aunque para suerte del espectador sólo se escucha en brevísimos momentos.
Y, volviendo a la novela original, es cierto que la película no termina de ser el gran estudio sobre la condición humana que dicen que es el texto de Saramago, pero eso no impide que sea una película disfrutable, a pesar de algunos pasajes desagradables de ver, algo que en el libro ocupa aún más espacio y que no por ello deja de ser necesario. Hay que entender A ciegas como un antojo de su director, que sólo quería adaptar un texto interesantísimo de un escritor al que admira, además de una nuevo paso en su carrera como director, siempre trabajando en nuevos géneros.

En definitiva, una película con muy buenos momentos, que mezcla luces y sombras (lo que seguramente volverá locos a muchos) y que tiene en Julianne Moore una razón de peso para su visionado.

Nota: 7.

Watchmen

2009-03-15T15:51:00.005+01:00

EEUU, años 80. Norteamerica ha salido victoriosa de la guerra de Vietnam y Richard Nixon ha sido reelegido presidente del país tres veces consecutivas. Pero la Guerra Fría con la Unión Soviética amenaza con la destrucción de la humanidad si alguna de las superpotencias se decide a lanzar la bomba atómica. Mientras tanto, un justiciero enmascardo, El comediante, es asesinado misteriosamente, lo que provocará que Rorschach, el último Vigilante en activo, comience una ardua investigación para solucionar el misterio.

Se ha hablado muy mucho de la última película del director Zack Snyder. Primero, por ser la adaptación de la novela gráfica más elogiada de todos los tiempos, obra del guionista Alan Moore y el dibujante Dave Gibbons. Segundo, por la valentía demostrada por todos los participantes del film, conscientes del alto nivel de exigencia que debían satisfacer. Y tercero, por la enorme dificultad de adaptar a la gran pantalla una historia densa, complicada y adulta. Y lo cierto es que sólo cabe aplaudir a Snyder por su gran empeño, por su capacidad para crear verdadero espectáculo visual. Pero el bueno de Zack comete los mismos errores que ya tuvo con su anterior película comiquera, 300, copiar viñeta a viñeta un tomo de más de 400 páginas, muchas de las cuales son divagaciones en off de los protagonistas. Y eso funciona en la novela gráfica a la perfección, pero no lo hace en la película. Escuchar los pensamientos del Dr. Manhattan se hace tremendamente aburrido en la película, aunque ésto funcionase muy bien en las viñetas. A pesar de estos problemas, más de los guionistas que del propio director, Snyder sabe ofrecer imágenes con gancho y su labor con los actores sigue siendo destacable.
Como ya sucedía en el cómic original, el mejor personaje es Rorschach, aquí interpretado por Jackie Earle Haley, que demuestra su gran valía como actor en los pocos minutos que aparece con la cara al descubierto. No he tenido la ocasión de ver la película en versión original, pero todo indica que su interpretación vocal es sobresaliente. Junto a él, un fabuloso Jeffrey Dean Morgan, perfecto en la piel del Comediante. Mención especial para Patrick Wilson, que aprovecha los mejores momentos de su personaje, Búho Nocturno II, para demostrar de lo que es capaz. Quizás los más flojuchos sean Matthew Goode y Malin Akerman, que con todo cumplen con su parte. Mención especial para Carla Gugino, bastante mal maquillada (con lo impresionante que es esta mujer) y Billy Crudup, que se pasa la mayor parte del metraje digitalizado y enseñando el primer pene azul de la historia del cine.

En el apartado técnico, sólo se puede reprochar un aspecto. El maquillaje. Especialmente en el personaje de Espectro de Seda y en algunas ocasiones en Richard Nixon, ambos demasiado caracterizados. El caso de Espectro de Seda es verdaderamente preocupante, ya que lo más efectivo hubiera sido contratar a una actriz con 67 años reales, y no a Gugino, que no llega a los 40. Por todo lo demás, la película es una producción más que decente. Tiene buenos efectos especiales, buenas escenas de acción, notable fotografía y mejor banda sonora. De esto último se ha hablado bastante, sobre todo el "momento polvete" con el Hallelujah de Leonard Cohen. Y francamente, no queda tan mal. Es peor el funeral del Comediante con el Sound of silence de fondo. Pero, a pesar de que en ocasiones la música no encaje perfectamente con las imágenes, la selección musical es extraordinaria. Mención aparte para la partitura de Tyler Bates, que lleva trabajando con Snyder desde el principio y siempre lo hace muy bien, y para la sobresaliente labor de vestuario y dirección artística.
En resumidas cuentas, se podría decir que Watchmen es una película que merece ser vista, sólo por premiar el esfuerzo realizado por todo el equipo. Tiene momentos muy lentos, tediosos y hasta desesperantes, pero lo compensa con otros momentos más inspirados, como los de la cárcel y los magníficos titulos de crédito. Snyder ha querido ser tan fiel que no ha sido capaz de añadir nada de su cosecha. Sólo cambia mínimamente el final, algo bastante comprensible y que en absoluto rompe la idea del original. Si Alan Moore viera la película, no podría echarle en cara a sus responsables que no hayan sido fieles a su obra. Otra cosa es que el lenguaje del cómic sirva, tal cual, para el lenguaje del cine. Sólo cabe desear que Snyder sea capaz algún día de ofrecernos otra película como Amanecer de los muertos, donde todo conjugaba a la perfección.

En definitiva, una película que no puede defraudar a los fans más acérrimos pero que puede aburrir mucho al espectador que desconoce de donda sale la idea. Como léctor del cómic puedo decir que lo que en dibujos quedaba muy bien, voces en off incluidas, aquí termina siendo tedioso, aunque muy bien aliñado por una impresionante factura visual.

Nota: 6.

Gran Torino

2009-03-05T16:44:00.002+01:00

Walt Kowalski es veterano de la guerra de Corea, acaba de enviudar, es anticuado, racista, agrio y con muy malas pulgas. No comprende a sus hijos, detesta a sus nietos y, para colmo, el barrio en el que reside se está llenando de asiáticos. Sólo hay una cosa que Walt quiera en el mundo, su Ford Gran Torino de 1972.

Nueva película del gran Clint Eastwood, rodada con apenas margen de maniobra tras El intercambio. Este genio, al que muchos consideran un Dios del cine, lleva unos últimos años bastante enrachado, encadenando buena película tras buena película y, aunque en esta ocasión no llege al nivel de, por ejemplo, Million Dollar Baby, si que consigue regalarnos el que posiblemente sea su mejor personaje. Eastwood es considerado por muchos críticos y cinéfilos como el último exponente vivo del cine clásido de Hollywood. Y lo cierto es que se puede considerar así, tanto por su estilo fílmico como por su conocida manera de rodar. El propio Eastwood aseguró que este sería su último papel delante de las cámaras y, si esto llegara a cumplirse, sería toda una gozada.
Clint nos regala una de sus mejores interpretaciones, sino la mejor, de toda su carrera, con un personaje hecho a su medida. Eastwood nunca ha sido considerado un excelente actor, seguramente por su hieratismo y seriedad, pero pocos intérpretes tiene el carisma y el gancho que este genial maestro. Su voz (en versión original, por supuesto) sola consigue acojonar al más valiente y el hecho de que tenga 78 añazos no impide que su presencia llene toda la pantalla. Junto a él podemos ver a un grupo desconocido de actores asiáticos, donde destacan los jóvenes Bee Vang y Ahney Her. Además, y siendo el único rostro reconocible del reparto, un estupendo John Carroll Lynch que, junto con Clint y Bee, realizan la mejor escena de toda la película, una divertidisima secuencia en la barbería.

Y es que, por raro que parezca, Eastwood nos ofrece algunas escenas llenas de humor. No un humor tonto o simple, sino unos momentos cargados de ritmo, de vida, que hacen inevitable la sonrisa. A pesar de todo esto, nos encontramos con un drama y, visto en comparación con sus anteriores obras, esta es una película menor. Menor porque a pesar de la encomiable labor de su director, la película no termina de ser lo profunda que uno espera, además de tener un final excesivamente previsible, algo que como espectadores no deseamos. El posible análisis que de la sociedad contemporánea usamericana hubiera podido hacer Eastwood se queda en algo superfluo, aunque no por ello aburrido.
Las casi dos horas de duración se pasan voladas y no hay lugar para el tedio. El montaje es tremendamente sencillo pero efectivo, la banda sonora mínima y bien pensada. Como ya sabreis, Eastwood hace sus propias músicas y, en esta ocasión, se atreve incluso a cantar el tema principal de la película que, como no podía ser de otra manera se titula Gran Torino.

En definitiva, una película que es y será considerada menor (me encanta usar estos términos de crítico listillo) dentro de la filmografía de este maestro, de este genio del cine, de este caballero llamado Clint Eastwood, no tan profunda como anteriores trabajos suyos, pero con un personaje principal tan desagradable en sus formas como entrañable en su fondo.

Nota: 8.

En el nombre del rey

2009-03-01T20:53:00.005+01:00

Granjero, que así se llama el protagonista, es un humilde agricultor que vive en el reino de Ehb. Un día, los Krug invadirán sus tierras y se verá obligado a enfrentarse a los malvados invasores, muy bien acompañado por el Rey y su ejercito. En resumen, El señor de los anillos visto desde el particular prisma del genio Uwe Boll.

El proyecto número 200 millones del director alemán Uwe Boll llegó el pasado viernes 27 a nuestras carteleras, con más de un año de retraso. Pero eso no importa mucho ya que el resultado final es el mismo. Basura a montones. El genio alemán, el Ed Wood del siglo XXI, sigue dispuesto a forjar una leyenda en torno a su nombre a base de dirigir truños enormes, sin ápice de calidad. Y habrá quien se pregunte, entonces ¿para que ves una peli suya? La respuesta es sencilla: House of the dead. Este artista visionario es el responsable de la película mas descojonante que he tenido oportunidad de ver. Sólo por eso, cada nueva obra maestra suya merece un visionado. Y en esta ocasión el talentoso director se atreve con su versión del cine épico, del cine de grandes batallas y efectos especiales. Y resulta llamativo que este admirable artesano sea capaz de planificar bien las secuencias. El tío es más o menos solvente en ese aspecto, pero por alguna extraña razón sus películas terminan siendo grandes comedias inesperadas.
En esta ocasión y de nuevo rodeado de misterio, Her direktor ha conseguido un reparto llamativo, encabezado por Jason Statham, Burt Reynolds y Ron Perlman. Statham, que ya debería saber que es el próximo Bruce Willis y actuar en consecuencia, se dedica a poner cara de circunstancia, a trabajar como un obrero para ganarse el sueldo. El resto de actores están... pues eso, que están, para cobrar la nómina y luego marcharse a casa. Pero hay dos señores que merecen mi más enorme respeto. Matthew Lillard y Ray Liotta. Sobre el primero sólo puedo destacar su impresionante capacidad para hacer el imbécil en cada fotograma, con una colección de caretos digna de un teleñeco. Sobre Liotta, sólo cabe la inclinación de obediencia. Un hombre que saltó a la fama gracias a Scorsese (Dios, el bueno de Marty y Boll en un mismo texto) y que después sólo ha sido capaz de rodar mierda, en sus diferentes versiones. Ojalá Joe Carnahan vuelva a sacar lo mejor de él algún día.

Técnicamente, En el nombre del rey es cacota fina. Tiene unos efectos especiales pobres y extremadamente cantosos, una fotografía sencillísima y carente de cualquier indicio de espectacularidad. Pero el premio gordo se lo lleva la banda sonora que ocupa TODO EL MALDITO METRAJE. No hay ni un segundo sin música, lo que provocará suicidios en masa en cualquier cine que se proyecte (yo la vi en casa, para evitar sobresaltos). Con todo, si me gustaría repetir que Boll tiene la idea en su cabeza. Es decir, sabe rodar. Sabe planificar las escenas, pero falla en todo lo demás. Es incapaz de sacar algo bueno de sus actores, convierte un guión pésimo en tonteria suprema (ojo al diálogo que abre la historia: "Sabía que ibas a venir" "Claro, te lo había dicho"). Siempre me he preguntado que pasaría si Uwe Boll, la encarnación del mesías fílmico, contara con un presupuesto amplio. Si este hombre tuviera 100 millones de dólares es posible que hiciese hasta taquilla. Aunque, por desgracia, su nombre ya está asociado a lo más bajo, a la serie B pura y dura, al cine cómico que en realidad no lo es.
Lo cierto es que, siendo francos, esta es la mejor película de Uwe Boll. Es lo más parecido a algo decente de todo lo que he visto que lleva su firma. Si uno repasa su filmografía se dará cuenta de que Boll sólo es capaz de rodar "adaptaciones" de videojuegos, lo que repercute negativamente en la imagen que del sector se tiene en Hollywood y en las mentes más simplistas. Con todo, Boll consigue su particular obra maestra, sólo por debajo de House of the dead, posiblemente el mejor exponente de lo que el cine de serie Z es capaz de conseguir sin pretenderlo: crear un mito se mire por donde se mire.

En definitiva, la película más grande del maestro alemán. Un coñazo aburrido y alargado, si, pero con algunos detalles sólo al alcance de los más grandes. Ah, se me olvidaba, salen ninjas. Todos mugrientos y en una especie de época medieval, pero salen ninjas. Y los ninjas siempre son bien recibidos, como Kristanna Loken.

Nota: 3.

El luchador

2009-02-25T16:44:00.005+01:00

Randy "The ram" Robinson fue una estrella del wrestling en los años 80. En la actualidad, malvive dando espectáculos en circuitos independientes y su trayectoría profesional comienza a pasarle factura, tanto en salud como en lo emocional. Para intentar arreglar el desorden en el que vive, querrá recuperar a su hija olvidada y conseguir el amor de Cassidy, una streaper del club al que asiste a menudo.

Tras los grandes elogios conseguidos por la nueva cinta del director Darren Aronofski en el pasado Festival de Venecia, con especial mención a los comentarios alagadores del realizador Wim Wenders, llega la cinta a las carteleras de nuestro país. Y, simplemente, nos encontramos ante una gran película. Aronofski olvida sus tejemanejes visuales con los que tantos seguidores y detractores consiguió en sus anteriores films (La fuente de la vida especialmente) y hace gala de una dirección modélica, sencilla, llena de humildad y sin apenas artificios innecesarios. La naturalidad de la historia, del entorno, de los personajes y de todo lo que aparece en escena han propiciado que el director se centre unicamente en la historia, dando una notable lección como narrador y, sobre todo, como director de actores.
Que las películas de Aronoski gusten más o menos depende de eso, del gusto de cada cual, pero nadie puede negar que este señor saca lo mejor de sus intérpretes. En esta ocasión tenemos a un magnífico trío protagonista, compuesto por Mickey Rourke, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood. Lo de Rourke no tiene nombre. No actúa, da vida a Randy. Es cierto que el personaje se puede asemejar, salvando las distancias, a la propia vida del actor, pero eso sería simplificar una excelente labor por parte del intérprete, que consigue no sólo su mejor papel, si no también un personaje inmortal dentro del cine del siglo XXI. Rourke se parte la cara literalmente, muestra todas las emociones que debe mostrar y encaja a la perfección con la historia del bueno de Ram. Marisa Tomei también sale muy beneficiada en el conjunto de sus apariciones, dando siempre una excelente muestra de interpretación, desnudándose sin pudor y siendo la pareja perfecta de Rourke. La tercera en discordia es Rachel Wood, muy decente en sus apariciones y diálogos.

En el plano técnico, El luchador es una cinta bien rodada, con una fotografía y un montaje sencillos, efectivos, muy acordes con el conjunto. Mención especial para la impresionante banda sonora, repleta de canciones metaleras de los 80 y un temazo final del maestro Bruce Springsteen. Pero lo que más destaca de este film en un sentido estrictamente técnico es la perfecta planificación de los combates. Vemos secuencias terriblemente dolorosas, a Rourke cortándose con una cuchilla para que haya sangre real. Esto no es la famosa WWE que vemos los fines de semana en televisión, son peleas mucho más brutas, mucho más salvajes.
La película no llega a aburrir en ningún momento y, aunque las semejanzas con otros títulos sean inevitables, el equipo ha sabido crear una historia propia y que es difícil de olvidar. Muchos la han querido comparar con Rocky, por el parecido entre las historias de dos perdedores en busca del éxito, de salir adelante Pero mientras que en el film protagonizado por Sylvester Stallone el potro italiano busca la consecución del sueño americano (sea lo que eso sea), aquí simplemente tenemos a un hombre solitario, que lo único que sabe hacer es sentarse en la cara de otros tíos para ganarse la vida.

En resumen, una excelente película, de obligado visionado (en v.o. por supuesto) y que, al menos a mi, me ha llegado a convencer.

Nota: 8,5.

Vals con Bashir

2009-02-20T13:11:00.004+01:00

Ari esta hablando con su amigo en un bar, que le explica el sueño que tiene una y otra vez. Ambos creen que está causado por los acontecimientos que han vivido en el pasado, durante la guerra del Líbano. Pero Ari no recuerda nada de ese periodo de tiempo, salvo una recurrente ensoñación durante la matanza de palestinos en Sabra y Chatila. Decidido a recordar, buscará a amigos y conocidos para intentar reconstruir lo pasado.

Impecable película en lo referente a contenido del director israelí Ari Folman. El discurso antibelicista del que tanto se ha hablado está presente desde el primer fotograma, desde la primera línea de diáoogo. Con una puesta en escena muy llamativa e impactante, Folman nos ofrece un documental de animación lleno de momentos duros y muchos otros delirantes, con un discurso formal bastante irregular, que termina por agobiar al espectador y hacerlo desconectar de los acontecimientos. Folman une, mediante técnicas de animación simples pero efectivas, géneros tan dispares como el documental y la ficción animada.
Y, posiblemente, sea esa la gran causante de lo extraño que resulta ver ambos formatos juntos, lo que provoca aciertos pero también muchos fallos, sobre todo en lo relativo al ritmo de la cinta. Folman repite hasta en tres ocasiones la misma secuencia, siendo la primera vez que la vemos un auténtico gozo y la última un aburrimiento. A través de declaraciones de conocidos y expertos, Folman presenta un punto de vista novedoso y ofrece al ciudadano una reflexión final sin diálogo y con imágenes reales que hacen temblar al más valiente.

Una cosa está clara, la guerra es, con perdón, una puta mierda. Y ese sea, probablemente, el objetivo de Folman, mostrar lo absurdo de las guerras, hacer ver al espectador, aunque sea con técnicas arriesgadas, que ningún conflitco bélico soluciona nada, sólo crea más odio en los derrotados y termina conduciendo, tarde o temprano, a más enfrentamientos. Como israelí, el propio Folman a reconocido que no tiene el derecho ni es capaz de mostrar el verdadero sufrimiento del pueblo palestino, pero en esta cinta consigue mostrar una buena parte del sufrimiento y el sin sentido de la guerra.
Es una lastima que el discurso no termine de conjugar bien con la apuesta formal del film. Con un dibujo muy humilde pero llamativo, con el transcurso del metraje el espectador puede terminar abrumado por la animación. Si a ello se le suma la ya mencionada ocasional falta de ritmo, tenemos una película bastante irregular. A pesar de ciertos momentos de maestría, la cinta tiene sus fallos y la banda sonora, elogiada por muchos y no se por qué, resulta repetitiva en exceso.

En definitiva, una película de sobresaliente en contenido pero de suficiente en las formas. Pero, con todo, de recomendable visionado tanto por su temática como por su arriesgada unión de géneros.

Nota: 6,5.

El lector

2009-02-14T14:21:00.006+01:00

Michael Berg conoce por casualidad a una mujer que le dobla en edad y por la que sentirá una repentina atracción, Hanna Schmitz. Ambos comenzarán un apasionante idilio veraniego hasta que ella desaparece repentinamente. Años más tarde, cuando el joven es un estudiante de derecho, volverá a encontrarse con ella cuando es acusada del asesinato de más de 300 personas en los tiempos de la Segunda Guerra Mundial.

Alabado y odiado a partes iguales, el nuevo film del director Stephen Daldry llega a nuestras carteleras con la sana intención de ofrecernos un rato de buen cine. Y lo hace acompañado de un excelente reparto y un buen guión de David Hare, quien ya colaborase con el director en la bastante olvidada Las horas. En esta ocasión adaptan un texto de Bernhard Schilnk y lo hacen con resultados irregulares. La cinta comienza con una impresionante fuerza en todos los aspectos. La historia atrapa al espectador, consigue emocionarlo y logra que se involucre en la historia como si fuera suya. Pero es la segunda mitad del film lo que la aleja de convertirla en una gran película. Dejando a un lado el fallo de los promotores de anunciarnos la sorpresa del film (el pasado nazi de Hanna), en cuanto el personaje de Winslet aparece caracterizado en su edad más anciana, la película pierde toda la fuera y el ritmo que había demostrado tener. Quizás sea culpa de la historia, que una vez llegada a ese punto deja de interesar. Pero lo cierto es que el personaje adulto de Michael, interpretado por Ralph Fiennes aburre hasta la saciedad y hace que lo que en un principio parecía perfecto termine resultado tedioso y poco llamativo.
Las interpretaciones del cast están de sobresaliente. Winslet demuestra una vez más su enorme estado de gracia y el joven David Kross se presenta como una verdadera revelación. Sus escenas de cama con Winslet estan tan bien rodadas y tan bien pensadas que en ningún momento caen en el morbo fácil o la idiotez. Fiennes, por su parte, realiza su trabajo como de costumbre, pero esa cobardía de la que hace gala el personaje y lo alargado de toda la parte final consigue que olvidemos su trabajo en favor del de sus compañeros de reparto. También aparecen Bruno Ganz (inolvidable en El hundimiento) o Lena Olin, ambos con la efectividad a la que nos tienen acostumbrados.

Técnicamente, el film de Daldry está realizado con un estilo clásico en las formas y aprovechando los pequeños saltos temporales que este tipo de historias permiten. Con una más que notable banda sonora y una pefecta fotografía, Daldry se convierte en el director más capacitado para el drama contemporáneo, posiblemente por su visión más europea de las cosas. En la primera mitad del film todo marcha con perfección, todo parece encajar sin problema alguno. Pero, como ya se ha comentado, es hacia la última media hora de película cuando Daldry parece perder esa capacidad de atención del espectador.
El romance da paso a un drama judicial que, aunque tenga interesantes escenas de por medio, no termina de encajar con el tono inicial de la historia. Y, por supuesto, no puedo olvidar el horroroso maquillaje de Winslet en la etapa "anciana" de su personaje. Sin duda, lo peor de la historia. Con todo, El lector se presenta como una interesante propuesta que, muy posiblemente, gané más puntos con futuros visionados.

En definitiva, una película que comienza con una historia de amor y sexo apasionante y termina convirtiéndose en un drama judicial que pierde el ritmo del principio, muy bien acompañado, eso si, de unas interpretaciones y una banda sonora que en ningún momento pierden el norte ante el repentino tedio.

Nota: 6,5

El desafío: Frost contra Nixon

2009-02-11T17:45:00.005+01:00

1977. Tres años despues de que Richard Nixon abandonara la Casa Blanca y tras un largo silencio, decide aceptar la entrevista que le proponen junto al periodista David Frost, conocido por sus programas de entretenimiento y contra el que espera conseguir una aplastante victoria.

Última cinta del director Ron Howard tras la increiblemente aburrida y horripilante El código Da Vinci. Howard nos trae en esta ocasión su cinta más adulta, algo que no es demasiado difícil si se observa con detenimiento la filmografía del menudo pelirrojo. Director de productos rentables y entretenidos como Willow, Apolo XIII o Rescate y de tedios insufribles como Una mente maravillosa, El Grinch o EDtv, el realizador nos presenta la que posiblemente sea su historia más compleja, decidido a mostrar al público que es capaz de realizar películas serias y adultas, donde la política y el reflejo de la sociedad predominen frente al espectáculo. Y, aunque no lo consigue, si que construye su film mas serio hasta la fecha e, incluso, nos regala una enorme interpretación de Frank Langella.
Aunque sus capacidades como director no sean excepcionales, en esta ocasión si consigue un muy buen trabajo actoral de Langella, que consigue una perfecta interpretación del presidente usamericano más polémico de la historia, aunque por desgracia eso sea algo que les importa más a ellos que a cualquier otro mortal, al que la historia le pilla lejos (aunque sólo sea geográficamente). Langella se convierte con derecho propio en el elemento más destacado de toda la producción, eclipsando al resto del cast. Kevin Bacon, Sam Rockwell o Rebecca Hall (guapísima, pero con un personaje que han puesto sólo para que apareciese una chica entre tanto hombre) comparten cartel con Langella y Sheen, el otro gran protagonista de la historia. Y, aunque su interpretación sea digna y muy decente, no consigue estar a la altura de un Langella en estado de gracia (Nixon parece sacar lo mejor de todos los intérpretes).

En el plano técnico, la nueva cinta de Howard es exactamente igual que todas las cintas de Howard. Es decir, buen montaje, efectiva fotografía, música aceptable... todo es muy decente y todo tiene un error. No hay personalidad en ningún sitio. El cine de Howard se caracteriza sobre todo por su eficiente factura técnica pero siempre cae en el error de no profundizar más en los personajes, de no mostrarnos su lado oscuro o su bondad, algo que en este trabajo se intuye pero que nunca podemos ver con claridad. Además, en esta ocasión, pretende convertir la historia en una especie de documental, alternando el desarrollo de la historia con declaraciones de los actores como si fueran los personajes que interpretan, algo que queda totalmente fuera de lugar y rompe el ritmo de la historia.
Porque otra cosa es cierta, la cinta no es aburrida, se ve con mucha facilidad. Tiene un ritmo más que decente y en ningún momento nos cansamos ya que todo marcha con velocidad. Lo malo es que el día después de ver el film no recuerdas nada, no hay ningún aspecto que destaque tanto como para que se mantega en la memoria, salvando la interpretación de Langella, que por otro lado podría convertirse en una representación más de Nixon en el mundo hollywoodiense.

En definitiva, la película más adulta de Ron Howard. Lo cual no significa que sea Buenas noches y buena suerte, pero al menos nos presenta a un director algo más serio, más adulto, aunque sin olvidar que su falta de autoria fílmica esta presente en cada plano. Eso si, la interpretación de Langella, trabajadísima.

Nota: 6.

Slumdog Millionaire

2009-02-06T16:52:00.004+01:00

Jamal Malik, un joven pobre y humilde de Bombay, es acusado de fraude cuando consigue llegar a la penúltima pregunta de la versión india del programa ¿Quién quiere ser millonario?. Para demostrar que conocía las respuestas relatará su vida al inspector de policia que lleva el caso.

La última propuesta cinematográfica del director británico Danny Boyle llegará a los cines con la original premisa adapatada de la novela del escritor Vikas Swarup y arrastrando tras de sí los cientos de comentarios positivos que ha provocado allí donde se ha proyectado. Lo cierto es que, sin ser ninguna obra maestra, Boyle nos ofrece la que posiblemente sea una de sus mejores películas, junto con Trainspotting o la taquillera 28 días después (que se hace insoportable cuando salen los soldados), en un ejercicio de estilo muy similar al de Ciudad de Dios, aunque guardando las distancias en lo que a historia se refiere. Con la inestimable ayuda de la directora india Loveleen Tandan, Boyle hace un retrato muy realista de la India anterior al desarrollo que vive en la actualidad, mostrando toda la miseria y bajezas humanas, lo que ha provocado que muchos ciudadanos indios hayan mostrado su rechazo a la cinta. Lo cierto es que el director se basa en unas poderosas imágenes de miseria para ambientar la historia del honrado Jamal, que sólo busca encontrarse con el amor de su vida, Latika.
Un personaje principal, Jamal, interpretado por tres actores diferentes, todos ellos correctos y muy decentes en sus papeles. Destaca, sobre todo, Dev Patel por ser el que más tiempo aparece en pantalla, siempre con cara de mala leche, algo comprensible si se atiende al devenir de su hitoria, donde se lleva mas hostias que un perro y hasta se baña en excrementos, literalmente. El personaje de Latika también está interpretado por tres actrices y, al igual que Jamal, su versión adulta es la que más vemos en pantalla, interpretada por la guapísima Freida Pinto. Además están el hermano de Jamal, Salim, que posiblemente sea el personaje mas interesante de la historia y, por supuesto, el presentador del progama, un chulazo Anil Kapoor.

Tecnicamente, Slumdog millionaire, es muy similar en el apartado estético a otros films del director y cuenta con una banda sonora deliciosa, muy del estilo Bollywood y actualizada a los tiempos que corren. Boyle sabe sacar partido a la historia y aprovechando la gran habilidad de la codirectora, que posiblemente sea la gran responsable del dibujo que se hace de Bombay, consigue ofrecernos una visión de la India como hasta ahora no se había visto en una película llamada a atraer al público por el entusiasmo levantado entre la crítica y el boca-oreja. Y, aunque no es la gran cinta que muchos quieren vender, si es una original apuesta, bien rodada y que no llega a aburrir en ningún momento.
Respecto a las críticas y la mala prensa que han surgido en la India sólo cabe la comprensión. En muchas ocasiones vemos calles donde no hay nada salvo basura, la violencia es usada por casi todos los personajes con una facilidad pasmosa (en los primeros 20 minutos Jamal recibe un buen número de collejas y hasta palizas) y eso es algo que a nadie la gusta ver de su país. Aunque en ocasiones parezca que toda la vida de Jamal es un infierno, el espectador sabe desde el principio que la cosa va a salir bien, dejando entrever el más puro sentido fílmico de Bollywood (con baile final incluido).

En definitiva, un original historia, bien rodada y muy entretenida. No es la obra maestra que muchos aseguran, pero al menos trae frescura y algo diferente a nuestras carteleras.

Nota: 7.

Revolutionary Road

2009-01-31T13:43:00.005+01:00

La joven familia Wheeler vive en una preciosa casa en Revolutionary Road con sus dos hijos y su perfecto matrimonio. Son la envidia del vecindario y representan el perfecto estilo de vida americano de los años 50. Al menos, esa es la apariencia que sus vecinos tienen de ellos porque la realidad conyugal es bien distinta.

Cuarta película del antiguo director teatral Sam Mendes tras las excelentes American Beauty, Camino a la perdición y, las más flojucha, Jarhead. En esta ocasión el director inglés vuelve a realizar un análisis de la familia norteamericana, al igual que en su debut, pero ambientada en los años 50. Si en su primera película prevalecía un enorme sentido de la ironía y del humor negro, en esta Mendes es más directo en el drama del matrimonio Wheeler y nos vuelve a regalar unos trabajos actorales de sobresaliente, dejando ver su antigua labor teatral, en una historia madura fruto del notable guión de Justin Haythe, basado en la novela homónima de Richard Yates. Mendes ofrece una excelente muestra de dirección cinematográfica, siempre desde su particular punto de vista (que puede resultar frío en ocasiones) y muy centrado en el desarrollo de los personajes y en la perfecta factura técnica. Pero sobre todo, Mendes consigue que todos los actores de la cinta luzcan como nunca.
La pareja interpretada por Kate Winslet y Leonardo DiCaprio es sencillamente fabolusa. Winslet se come cada una de sus escenas, actuando como si fuera la última vez que el personaje está en pantalla, demostrando que es una de las mejores actrices del cine. Pero el que verdaderamente sorprende es DiCaprio (porque todos sabiamos que Winslet es genial). Un actor que empezó siendo ídolo de quinceañeras a pasado a convertirse en el actor fetiche de Martin Scorsese, a protagonizado cintas que jamás esperabamos que hiciese y, en esta ocasión, brilla con luz propia. Sus escenas con Winslet tienen una fuerza y un realismo tal que se puede decir que es su mejor trabajo hasta la fecha. Además, secundarios como Kathy Bates (Mendes ha juntado a medio Titanic) y un soberbio Michael Shannon, que se adueña de la escena de la comida con los Wheeler, redondean el magnífico trabajo actoral.

En su aspecto más técnico, la cinta es exactamente igual que las anteriores obras de Mendes. Perfecta. La fotografía de Roger Deakins nos ofrece los clarososcuros que la historia requiere (aunque siempre se notará la ausencia de Conrad L. Hall, colaborador habitual del director y uno de los mejores directores de fotografía de la historia) y el montaje es tan sencillo como efectivo, alternando un par de flashback con mucha tranquilidad. Posiblemente sea la banda sonora de Thomas Newman lo más flojo del conjunto, demasiado parecida a anteriores trabajos del compositor.
Lo peor de la cinta es, sin duda, que nos la hayan querido vender como un reencuentro de los chicos de Titanic, lo que posiblemente lleve a creer a los espectadores menos informados que van a ver una de romance meloso, cuando la historia es bien distinta. Eso y que, en realidad, Mendes siempre tiene presente la vena teatral, lo que posiblemente enfríe el dibujo o el acercamiento que hace a los personajes y a la historia. Pero sólo por las interpretaciones del reparto, merece un enorme aplauso.

En definitiva, una película que, a pesar del drama de la historia no se hace pesada de ver, tiene unas actuaciones dignas de elogio y un acabado técnico impecable, algo habitual en su director Sam Mendes. Y no podría terminar sin comentar la escena final, con el anciano marido de Bates apagando el audífono para no escuchar las palabras de su mujer, un simple gesto que resume la vida en matrimonio (o lo que quizás sea, que en eso no tengo experiencia). Al final, no queremos ni escuchar las palabras de la otra persona.

Nota: 8.

El curioso caso de Benjamin Button

2009-01-28T13:12:00.004+01:00

Benjamin Button nace en Nueva Orleans el último día de la Primera Guerra Mundial pero algo extraño sucede con el bebé. Aunque acaba de llegar al mundo, su cuerpo parece el de una persona de 80 años y con el paso del tiempo irá rejuveneciendo.

Nuevo film del genial David Fincher, que en esta ocasión parece haber dejado aparcadas sus obsesiones por mundos más oscuros (supuestamente, el director está en contra de la versión estrenada de la cinta y peleado con los productores) como los vistos en El club de la lucha o Zodiac. Partiendo de una idea tremendamente original extraida de la obra literaria de F. Scott Fitzgerald, Fincher nos ofrece su obra menos personal en lo referente a historia, aunque manteniendo el excelente nivel técnico y visual al que nos tiene acostumbrados. Pero ya desde el principio notamos que algo falla. Aunque la historia es original y es muy "bonita" de ver, en ningún momento el espectador llega a empatizar con Benjamin Button. Su vida no es nada fuera de lo normal si exceptuamos su "extraña circunstancia" y no es algo que no hayamos visto antes. Button va a un prostíbulo, se emborracha, va a la guerra y se enamora. A pesar de la distancia que las separa, la cinta de Fincher se puede asemejar con Forrest Gump, un personaje que si conseguía encandilar al público, aunque en muchas ocasiones fuese con sensiblería hollywoodiense.
En el plano actoral, todo el mundo está correcto. Correcto, pero nada más. Brad Pitt resulta muy interesante en las escenas donde aparece caracterizado como anciano (maquillaje y efectos por doquier, pero muy bien logrados), pero en cuanto lo vemos en modo guapo, su interpretación pierde todo el interés. Resulta curioso que esté recibiendo tantos reconocimientos (en forma de nominaciones) cuando en sus anteriores colaboraciones con Fincher estaba bastante mejor. El caso de Cate Blanchett es parecido, siempre sale muy bella, muy bien caracterizada y, aunque su personaje es algo más interesante que el protagonista, tampoco consigue llegar al corazón del espectador. Taraji P. Henson quizás sea la más acertada de todo el plantel, aunque el reflejo que se hace de la sociedad negra de la época y el lugar en la cinta no sea muy realista, y también aparece Julia Ormond, en un personaje que podrían haber eliminado directamente del montaje ya que cada escena donde sale leyendo el diario es una pérdida de ritmo enorme, pero realizando su trabajo con eficacia.

Técnicamente, El curioso caso de Benjamin Button es una delicia. Los efectos especiales están usados en beneficio de la historia y, visualmente, el conjunto es muy potente, sobre todo en la parte de Button anciano. La banda sonora de Alexandre Desplat conjuga perfectamente con las imágenes y la fotografía de Claudio Miranda resulta acertada. En un plano estrictamente técnico, la cinta está muy conseguida, pero no es suficiente para que la historia de amor, que es lo que es al fin y al cabo, termine llegando al espectador, al menos al que no quiere una historia sencilla.
Cuando Benjamin está rejuveneciendo, aunque creciendo en edad, es cuando la historia se vuelve de nuevo interesante, tras casi una hora con Pitt y Blanchett románticos cual Titanic, con preciosos paisajes y una cinematográfica relación. Porque otro inconveniente de la historia es su tremenda duración. Casi tres horas que se podrían haber reducido simplemente eliminando la parte del hospital, con Blanchett anciana y Ormond leyendo el diario.

En definitiva, un impecable envoltorio para una historia que, si bien original en su planteamiento, peca de excesiva normalidad en su desarrollo, con un personaje protagonista poco atrayente y una historia de amor bastante corriente si eliminamos el factor de la vida al revés de Button. Por supuesto, habrá quien la considere una joya, pero a un servidor no le ha terminado de convencer.

Nota: 6.

Milk

2009-01-24T13:41:00.004+01:00

Años 70. Los homesexuales son perseguidos y marginados por toda norteamerica. Pero algo comienza a cambiar cuando Harvey Milk accede al puesto de supervisor (concejal) en la ciudad de San Francisco, convirtiéndose en la primera persona abiertamente gay en ocupar un cargo público en la política usamericana.

Gus Van Sant deja atrás su cine experimental o menos enfocado a gustar a todo el mundo y nos presenta un biopic notable, con unas excelentes interpretaciones, alejado de lo que una biografía fílmica suele ser en Hollywood, mezclando imágenes de archivo con las de producción propia y todo bien asentado en un trabajado guión. Van Sant se aleja de sus propuestas más arriesgadas, como pueden ser Elephant o Last Days, y regresa al tono que tan buenos resultados le dio con El indomable Will Hunting, salvando las distancias, evidentemente. El director mezcla de manera notable el drama político (excelentes escenas de debate) y las imagenes documentales, pero sobre todo, se basa en las interpretaciones de sus actores.
Sean Penn vuelve a demostrar que es uno de los mejores intérpretes que trabajan hoy en día, logrando dar a su personaje toda la dignidad y fuerza que requiere. Junto a él podemos ver a un excelente James Franco, en su mejor interpretación hasta la fecha. La química entre ambos actores (que interpretan a una pareja) es tan natural y está tan bien llevada que nos creemos en todo momento su relación y cada vez que comparten plano uno puede pensar que hay verdadero amor, especialmente por sus miradas. Josh Brolin también consigue una buena actuación, a pesar de que su personaje quede bastante desaprovechado. Pero cuando sale en pantalla cumple correctamente, con un personaje, Dan White, que es todo lo contrario a Milk tanto en creencias como en estilo de vida.

Otro punto fuerte de Milk es su capacidad para mostrarnos la moral norteamericana. Esa donde sólo los más cristianos, castos y patriotas pueden aspirar a algo en la vida. Por supuesto, el contexto histórico de la cinta ayuda a que esa contraposición entre los ideales y pensamientos del protagonista choquen con los predominantes en los USA. Las escenas de debates o de mítines consiguen muy bien su objetivo, logrando que el espectador se llegue a emocionar. Todo eso, junto con el enorme logro de no caer en el morbo fácil y rodar todas las escenas íntimas con mano firme, hacen de Milk una interesante propuesta cinematográfica.
Pero la cinta no es perfecta, especialmente por unos primeros minutos lentos y algo descafeinados y, sobre todo, por la horrorosa actuación de Diego Luna. Aunque su personaje es el que peor parado sale en lo que a guión se refiere, una loca celosa y algo paranoica, Luna tampoco pone mucho de su parte y termina resultando algo ridículo, lo que es una pena teniendo en cuenta algunas de sus actuaciones anteriores.

En definitiva, una película notable, con muy buenos momentos (ojo a la escena cumbre del film, con una dolorosa cámara lenta) y unas interpretaciones muy buenas. Si a eso se le suma el retrato que se hace de la homosexualidad, mucho mas acertado que el de Brokebak Mountain por ejemplo, y las secuencias entre Penn y Franco, tenemos una muy interesante película.

Nota: 7.

3 días

2009-01-22T16:24:00.005+01:00

Los medios de comunicación de todo el mundo se hacen eco de la noticia. Un gigantesco meteorito se dirige a la Tierra irremediablemente y cuando llegué, en tres días, todo rastro de vida humana será borrado de la faz del planeta. Para Ale, vecino del pequeño pueblo de Laguna, esto no supone ningún problema ante su deprimente vida hasta que aparece en escena Lucio, que dice ser amigo de su difunto hermano y que esconde un peligroso secreto.

Esta crítica puede contener SPOILERS.
Con muchísimo retraso respecto al estreno en cines, he podido disfrutar de esta producción española, que me ha sorprendido gratamente. El debut en la dirección de largometrajes de F. Javier Gutiérrez no se podía saldar de una manera más efectiva y espectacular. Criado en el mundo del corto, Gutiérrez decidió rodar una historia que el vería como espectador y da un verdadero soplo de aire fresco en la cascadísima "industria" del cine español. Lo cual no significa que 3 días sea una obra maestra, porque tiene algunos fallos gordos, pero el simple hecho de intentar hacer algo diferente y de realizar una última hora de película que no deja respirar al espectador, hacen que vuelva a tener fe en la nueva generación de directores patrios, que están llamados a salvar el cine nacional. Los principales fallos que comete Gutiérrez en la cinta están relacionados con el guión, especialmente con el personaje de la madre (la excesiva teatralidad con que está interpretada y su extraño final) y la primera media hora, pero sobre su dirección sólo cabe el aplauso. Con una casi perfecta planificación y un excelente ritmo narrativo el director cordobés nos da un verdadero espectáculo, consiguiendo una película totalmente íntima, al dejar de lado la catástrofe que se avecina y saber centrarse en los personajes.
Porque si en el guión encontramos algunos errores, en la dirección de actores y en la composición de casi todos los personajes no hay ninguno. Ale, interpretado muy correctamente por Víctor Clavijo, es un hombre deprimido, sin preocupaciones por eso del fin del mundo, hasta que debe proteger a sus sobrinos. Unos sobrinos bien dibujados y no demasiado cargantes para ser niños, que suelen ensuciar este tipo de historia. Mención especial para el chavalín Juan Galván por su enorme naturalidad. Pero el verdadero punto neurálgico de la historia es la lucha entre Ale y Luciano, interpretado convincentemente por Eduard Fernández. Ambos comparten secuencias muy buenas donde pueden sacar lo mejor de sus personajes, uno decidido a proteger a su familia, el otro, un psicópata meticuloso y paciente.

Tecnicamente, 3 días es una gozada. Desde El laberinto del fauno no veía una cinta tan bien rodada como esta en España. Con una fotografía muy trabajada y brillante, obra de Miguel A. Mora y una excelente labor de producción que nos traslada a una época inconclusa llena de Renaults 4 latas y televesores Telefunken cascados, el equipo cae en el acierto de no definir claramente el lugar de la acción, lo que la dota de más naturalidad (y le da punto de cara el marecado extranjero). Si bien, como ya he mencionado, la primera media hora de película es un poco confusa, con escenas no muy bien cerradas y con un par de agujeros en el guión, la escena que abre la cinta, la del satélite golpeado por restos del meteorito (muy espectacular), puede hacer pensar que estamos ante una película "americanizada" pero, rápidamente, se gira hacia un mayor intismismo, hacia unos personajes que buscan pasar esos últimos días como mejor puedan.
Las escenas de efectos especiales están muy bien logradas y son vistas desde una perspectiva anti Hollywood, donde lo fácil es mostrar ciudades con grandes monumentos destruyéndose. Aquí es un yermo paraje el protagonista, el último escenario que vemos antes de la destrucción total.

En definitiva, 3 días será en poco tiempo una cinta de culto, sino lo es ya. Es una verdadera lástima que no se le diese la promoción adecuada, porque podría haber reventado taquillas, ya que tiene la suficiente calidad y ritmo como para eso. Cuando los usamericanos hagan el remake (que llegará tarde o temprano), seguro que triunfa. sin llegarle a la suela de los zapatos. Y es que, coincidiendo plenamente con José Luis Garci, ya es hora de que los jóvenes ocupen la silla de director y traigan algo nuevo. Ya es hora de dejar paso a la nueva generación. Eso y gastarse un poquito en publicidad, que esto es arte si, pero si un productor no amortiza no vuelve a invertir.

Nota: 7.

Revolver

2009-01-16T21:42:00.004+01:00

Jake Green sale de prisión tras siete años, cuando escogió no decir cual era el nombre de su jefe y tragarse la condena. Pero la buena intención del señor Green parece no importarle a su antiguo amo, que prefiere eliminarlo. Comienza el juego del engaño y la traición, donde hay cada vez más actores implicados.

Segunda película estrenada en cines de Guy Ritchie en este 2009, tras la aceptable RocknRolla. Revolver, estrenada en los USA en el año 2005 y convertida en una auténtica amenaza para cualquier distribuidor, es un despropósito como la copa de un pino. Una película que empieza de manera más o menos interesante y que hacia mitad de la historia se vuelve pretenciosa, absurda, inutilmente "inteligente" y llena de escenas interminables. Ritchie intenta con esta película convertirse en un autor serio, que juega con la capacidad de atención del espectador, intenta dejar de lado su parte gamberra y cachonda con la que se dio a conocer. Y no lo consigue. Cada minuto se hace más largo, cada diálogo más cansino y cada personaje más aburrido que el anterior. Y es una pena, porque la película empieza de manera que parece interesante, pero a medida que avanza la trama todo es mas enrevesado y tiene menos sentido.

Luego estan los actores. Jason Statham, sin ser un genio, consigue una interpretación digna, sólo por el esfuerzo que hace y por aguantar la ridícula escena del ascensor. Statham es un tío que conoce sus limitaciones, o debería conocerlas, y por eso no cae en el espanto absoluto. Sin duda, lo más pasable del film. Por otro lado esta Ray Liotta, que al principio solo gesticula un poco más de la cuenta pero que después se convierte en un autentico teleñeco. SI además le sumas cada escena que sale con albornoz abierto, su personaje es el malo más malo visto en mucho tiempo, una autentica lástima. También están por ahí André Benjamin, normalito, y Mark Strong, con cara de palo pero decente. El resto, ni los recuerdo.

Técnicamente, Revolver es un despelote, que diría Joaquín. Simplemente, el montaje es de broma. Lanzar las cintas al aire y montarlas segúna caigan no vale. Eso si, las escenas de acción, como siempre, muy notables. En eso Ritchie no falla en absoluto, nunca lo ha hecho. Con muy poco material entre las manos, el director británico consigue un par de escenas de acción muy bien pensadas y montadas (lo único bien montado), especialmente la escena del restaurante. La banda sonora, también pretendidamente seria, cuaja bien con las escenas, pero esa pretensión de seriedad y gapastismo la hacen aburrida. Si a todo le sumas la escena de los dibujos animados, más feos imposibles, y la del accidente de coche, que también sirve para reflexionar sobre la psicología del ser humano en su variante delictiva y dar aún más de pedantería gratuita, tenemos la peor película de Ritchie hasta el momento (teniendo en cuanta que no he visto Barridos por la marea, ni lo haré).
Otro punto positivo de la cinta es la fotografía. Sin ser perfecta, destaca entre el montón de mediocridad. Por suerte, y sin que sirva de precedente, el retraso de la cinta parece estar justificado. Nadie quería que viesemos este intento de Ritchie por ser intencionadamente serio y analista de la psique criminal. Quizás y, sólo quizás, Madonna sea la culpable de todo. Es mejor pensar que ella es la responsable del bajón del buenazo del británico. Por suerte, el divorcio llamó a su puerta y ambos son más felices. Y, como en toda separación, hay efectos colaterales. El más importante de ellos, que Ritchie está intentando volver a ser el de antes. Al menos, eso es positivo.

En definitiva, y a falta de una palabra mejor, un castañazo. Aburrida, sosa y pedante por momentos. Por supuesto, habrá a quien le guste, pero en esta ocasión me quedo en el bando de los detractores. Menos mal que Sherlock Holmes puede ser su resurgir definitivo porque si dependiera de Revolver ibamos apañados.

Nota: 3.

RocknRolla

2009-01-13T17:06:00.005+01:00

Londres. El magnate ruso Uri quiere comprar un terrenos en la ciudad para levantar su basto imperio inmobiliario y para agilizar los trámites y el papeleo no hay nada mejor que acuidar a Lenny Cole, un elegante mafiosillo de la Vieja Escuela. Lenny, además, tiene endeudados por dos millones de euros al "grupo salvaje", cantidad que deberán pagar en un mes para que la deuda quede olvidada. También deambulan por ahí rockeros, yonkis, atractivas contables, abogados gays, cangrejos y a, como no, un objeto codiciado por todos.

Tras convertirse en el esclavo sexual de Madonna durante unos años, rodar un bodrio de dimensiones cósmicas con su señora e intentar resucitar con Revolver (de inminente estreno en España, con unos añitos de retraso), Guy Ritchie ha vuelto a lo que mejor sabe hacer: contar historias de ladrones de tres al cuarto, con mucho humor, violencia y personajes carismáticos. El principal problema es que, aunque si bien todo el mundo, al menos sus fans más acerrimos, esperaban una nueva historia de criminales barrio bajeros, en esta ocasión el gamberro británico ha optado por ofrecer una historia de criminales más elegantes, más distinguidos, donde no están ni caben Vinnie Jones o Jason Statham, ni hay gitanos con la Santa Cena tatuada en la espalda. El principal problema es que los personajes se mueven esta vez por un mundo demasiado luminoso, sólo ensuciado por el "grupo salvaje" que lideran Gerald Butler e Idris Elba. Lo bueno, es que Ritchie sigue teniendo la capacidad de ofrecer excelentes escenas de acción, con un montaje muy rápido y con buena factura visual.
Junto a los mencionados Butler y Elba, correctos en sus papeles, tenemos a Tom Wilkinson, Thandie Newton y Karel Roden como principales intérpretes de la cinta, todos bien puestos en su sitio y ajustado a sus personajes, menos carismáticos que en anteriores cintas de Ritchie. También están por ahí Tobby Kebbel y Mark Strong, en unos personajes importantes para la trama, con algunas escenas notables y el toque especial de la voz en off del propio Strong. Por supuesto, todos con sus acentos británicos bien marcados, que para eso esto es una "Ritchiada".

Técnicamente, RocknRolla es una interesante muestra del renacer visual de su director, con un buen uso del montaje acelerado y rápido, de múltiples encuadres narrativos, notable banda sonora y varias secuencias que suceden de manera simultánea muy bien contadas. Destacar especialmente la de los matones rusos, otra constante en el cine del inglés, con su incansable presencia y pesadilla del bueno de Butler. Aunque no alcanza la brillantez de sus anteriores films como director, por la ya mencionada historia sobre ladrones de más nivel, la imagen sigue jugando un factor fundamental en el cine de Ritchie, que sigue moviendo la cámara con la misma fuerza de Lock & Stock.
Aunque no alcance los niveles de surrealismo y cachondeo que tuvieron sus dos primeras películas (sobre todo Snatch, un descojone tremendo, su mejor film sin duda), quizás por culpa del productor Joel Silver, lo cierto es que se nota la intención de Guy Ritchie de salir del pozo en el que se había metido hace unos años, de una manera u otro, por culpa de su matrimonio con Madonna. Sin ser perfecta, ni siquiera notable, RocknRolla sirve para dar un poco de luz a un filmografía que empezó con matrícula de honor y se convirtió en pura mediocridad. Sirve para que los amantes del cineasta británico sepamos que aún está vivo.

En definitiva, un buen intento por parte del director por salir del bache, aunque al final la sensación no sea la misma que con sus mejores trabajos. Pero si sigue así, puede que el Sherlock Holmes que el inglés está rodando estos días se convierta en una agradable sorpresa. De momento, RocknRolla sirve para echarse una risas con los colegas mientras nos tomamos una cerveza bien fría.

Nota: 6.

My blueberry nights

2008-12-28T01:24:00.004+01:00

Elizabeth acaba de descubrir que su novio está con otra chica y se refugia en una cafetería de Nueva York donde conoce a Jeremy, con el que entabla una estrecha relación en poco tiempo. Tras una noche de borrachera, Lizzie se queda dormida en la barra del bar y Jeremy aprovecha para besarla, sin saber que pasará casi un año hasta que vuelva a verla otra vez.

Estrenada en el Festival de Cannes del año pasado, la cinta supone el debut en tierras norteamericanas del cineasta chino Wong Kar-Wai, responsable de films tan recordados y admirados como In the mood for love o 2046. Como ya hiciera en sus trabajos asiáticos, Kar-Wai se rodea de un excelente grupo de actores, de una maravillosa fotografía y de una banda sonora sublime, que convierten a My blueberry nights en una cinta visualmente hermosa, algo floja en lo que se refiere a la historia, aunque sin resultar en absoluto una decepción. El director sabe crear la atmósfera perfecta para una sencilla historia romántica, muy colorida en sus escenas y con una interesante predilección por los bares como centros neurálgicos de la acción. Kar-Wai recorre en los 90 minutos de duración varios escenarios, desde Nueva York hasta Las Vegas, con una imagen muy cuidada y un personaje principal confiado y amable que no hace mal a nadie.
Personaje interpretado por la cantante Norah Jones, que realiza su primer trabajo como actriz con una envidiable naturalidad, bien acompañada por Rachel Weisz y por un sosete Jude Law, quizás el más flojo de los actores principales. Pero son David Strathairn y Natalie Portman los que mejor están en pantalla, con unos personajes que, aunque poco desarrollados, consiguen caer bien y atraernos con sus breves historias.

Y es que el último film del director chino es toda una delicia visual, que deja algo de lado el guión y que desarrolla la historia como va viniendo, sin prisas, con silencios y calma, hasta el final que todo el mundo quiere. Quizás sea la cinta más complaciente del director en ese sentido, ya que a pesar de la distancia, Jeremy y Lizzie están destinados a reencontrarse y Kar-Wai lo deja estar, sin dar rodeos o castigar a sus personajes con ninguna tragedia. Pero si algo destaca de My blueberry nights es el excelente uso de la música como elemento narrativo, de una colorida fotografía de Darius Khondji y del notable sentido estético tanto del montador como de la propia elección de los planos.
Quizás el elemento más molesto sean las repetidísimas cámaras lentas o la obsesión de usar trenes como si fueran fundidos a negro (aficción por los trenes que ya se vio en todo su esplendor en 2046), pero el caso es que la propuesta del director es, cuanto menos, interesante y significa un pequeño desahogo de historias duras que tanto abundan en los últimos tiempos. Un buen trabajo para estrenarse en los USA, con un film fuera de sus fronteras habituales, que cambia su Hong Kong natural por Nueva York.

En definitiva, una sencilla y bonita historia, para relajarse y olvidarse de los problemas. Un poco azucarada por momentos, pero visualmente atractiva y con un electo de secundarios en plena forma.

Nota: 8.

Gomorra

2008-12-24T01:15:00.006+01:00

Un chico que lleva la compra a las vecinas de su madre. Dos jóvenes demasiado influenciados por el Scarface de Pacino. Un señor que entrega dinero de puerta en puerta. Un empresario que entierra las deudas de la gente. Un modisto con peligrosas amistades... todos ellos viven el día a día de la Camorra italiana.

Adaptación de la novela homónima de Roberto Saviano, Gomorra es un valiente acercamiento al mundo mafioso que con tanto glamour nos ha querido vender siempre Hollywood. Aquí, Matteo Garrone, su director, se deja de preciosismos para contarnos una historia simple y de un realismo sobrecogedor, usando la cámara al hombro, un montaje sencillo y a un grupo de actores bastante convincente. Garrone rueda con estudiada sencillez todos y cada uno de sus planos, consiguiendo retratar de manera eficaz y efectiva el mundo mafioso que pretende mostrar. Aquí no hay estrellas interpretando a gangster atractivos a nivel de personaje, aquí hay actores mostrando la dura vida en las calles italianas.
Y es que la cinta se asienta en las interpretaciones de todos sus actores aunque cae en el error de tener demasiados personajes principales y no centrarse especialmente en ninguno, quizás por su estilo documental, que evita que el espectador llegue a sentir una verdadera atracción hacia los personajes, sólo hacia los hechos y la historia.

Gomorra está rodada con una sencillez apabullante y resulta muy interesante ver un film sobre mafiosos sin ningún tipo de artificio cinematográfico, seguramente ayudado por la novela original, que no he leido, pero que aseguran ahonda en datos y cifras escalofriantes, semejantes a los que la cinta ofrece al final. Con el ya mencionado uso de la cámara al hombro y de un montaje simple que ayuda a seguir las diferentes historias, cabe destacar la casi ausencia de banda sonora, exceptuando momentos puntuales, donde la música sale de los coches o de los equipos de música, algo similar a lo que ocurría en la obra maestra televisiva The wire. Y es que, salvando las distancias, ambas obras se asemejan en su modo de contar la vida en la calle, aunque Gomorra sólo presta atención a las actividades mafiosas.
La cinta es todo un mazazo a la Italia "moderna y cosmopolita" de Berlusconi, demostrando que la Camorra es una de las mayores empresas del país, que genera millones y millones de euros al año y, como aseguran en los datos finales, provoca un asesinato cada tres días. Quizás el mayor problema de la cinta, junto con el ya mencionado anteriormente, sea el basarse en una novela de tanto éxito que, indudablemente, abarcará mucho más en situaciones y en datos exactos que el film. A su favor cuenta con la fuerza de la imagen, que es lo que seguramente convierta a la cinta en un buen complemento del libro.

En definitiva, un ejemplo de humildad cinematográfica, un éxito del cine italiano capaz de desmitificar al capo hollywodiense, cuyo mayor pecado es basarse en un libro precedido de múltiples comentarios y famoso por la amenaza de muerte sobre su autor, Roberto Saviano.

Nota: 7.

JCVD

2008-12-16T16:31:00.004+01:00

Jean-Claude Van Damme está pasando por unos momentos difíciles tanto en su vida privada como pública. Su decadencia como estrella del cine de acción es cada vez más evidente, hasta el punto de perder papeles en películas directas a video que termina protagonizando Steven Seagal. Se enfrenta a la demanda por la custodia de su hija y todas sus tarjetas de crédito están canceladas. Cuando Jean-Claude vuelve a su Bélgica natal acude a una Oficina Postal para retirar el poco efectivo que le queda y pagar a sus abogados. Pero lo que nadie espera es que "Los músculos de Bruselas" se vean envueltos en una situación de robo y secuestro. Por desgracia para Jean-Claude, esto es la vida real.

Segunda incursión cinematográfica del hasta ahora desconocido Mabrouk El Mechri. Pero, ante todo, es la recuperación de Jean-Claude Van Damme como "estrella" de cine. Y es que esta película juega con muchísimos lenguajes narrativos, visuales y metafísicos, convirtiéndola en la más interesante de las cintas protagonizadas por el astro belga. El Mechri se atreve con una película inusual, totalmente distinta a lo que se puede esperar del amigo Juan Claudio (dicho con todo el cariño, de un fan de toda la vida), una más que interesante y pensada apuesta fílmica para mostrar a los espectadores el lado más humano del actor más elástico de la historia del cine. El director se atreve a jugar con los diferentes géneros cinematográficos y con todos sus lenguajes, con montajes en paralelo, repitiendo escenas desde diferentes puntos de vista y, lo más importante, dando todo el peso de la trama a un Jean-Claude Van Damme entregadísimo, viejuno, harto de la fama y de sus perrerías.
Y es que, al igual que otro gran mito apellidado Stallone, Van Damme tenía que demostrar sus dotes actorales. El que fuera protagonista de míticas películas de acción sin pretensiones como Blanco Humano o Soldado Universal. Van Damme siempre se caracterizó por enfatizar la parte humana de sus personajes (como él mismo recuerda en el juicio), frente a los más rudos del propio Sly, Seagal o Norris. Pero nunca había tenido la oportunidad de mostrar su capacidad como actor. Y, al igual que hico Stallone en Cop Land o Rocky Balboa, Jean Claude sabe mostrar sentimientos. No va a ganar premios por ello, pero demuestra que sabe llorar, que sabe hacer lo que un director le pida. Muchos seguirán sin comprender su talento como actor de cine de acción, pero ahora al menos podrán ver el duro monólogo de Van Damme en esta cinta para darse cuenta de que también es un actor, una persona. El resto de actores estan correctos en sus papeles, pero en esta cinta sólo cabe una estrella.

Técnicamente, JCVD utiliza una saturada fotografía de Pierre-Yves Bastard, con un exceso de iluminación que recuerda por momentos a Kill Bill o Casino. El uso de la cámara documental, la correcta elección de la banda sonora, la casi ausencia de verdadera acción... todo forma parte del plan de El Mechri para ofrecer un film que apuesta por entretener al espectador mostrando un hecho que podría ocurrir de verdad. Que nadie vaya al cine esperando ver un producto lleno de acción como los que protagoniza el belga, porque sólo disfrutará con la excelente secuencia inicial. Lo mejor es ir preparado para entrar en el juego que propone El Mechri y disfrutar del show.
Porque aquí no se deja nada al azar y Van Damme o, mejor dicho, el guión, muestran divertidos momentos como el da la patada al cigarrillo, la discusión de unos dependientes de videoclub sobre la proliferación de los musulmanes como enemigos a batir en el cine USA, la admiración incondicional de los fans o la discusión sobre como Jean-Claude llevo a John Woo a Hollywood y éste se olvidó de él.
Por su puesto, JCVD no es una película perfecta, pero desde mi posición de fan del actor, no puedo dejar de apreciar los aciertos de la cinta y olvidarme un poco de sus defectos, donde destaca, precisamente, el juego metafísico que propone el film. Porque si, como espectador, no entramos en la dinámica de la historia, nos vamos a aburrir bastante.

En definitiva, y aunque parezca mentira, una de las muestras cinematográficas más interesantes de la cartelera de este año, con Van Damme dando lo mejor de si mismo. Un reflejo mordaz y meticuloso de las desgracias de un actor especialista en pegar mamporros y patadas voladoras. Porque en JCVD, no estamos viendo una película, estamos viendo la vida fuera del set de rodaje, estamos acompañando a Van Damme en sus momentos más difíciles.

Nota: 7,5.

The fall. El sueño de Alexandria

2008-12-04T13:03:00.006+01:00

La niña Alexandria esta ingresada en un hospital de Los Ángeles con un brazo roto. Allí conoce al joven Roy, especialista de cine gravemente lesionado y con una fuerte depresión, con el que establecerá una relación amistosa gracias a las fantásticas historias que le cuenta a la niña. Así, ficción y realidad se mezclan creando la mayor aventura que nunca pudieron imaginar.

Estrenada en España dos años después de hacerlo en los USA, llega The fall, segunda película del director indio Tarsem Singh, cuyo debut en el largo fue la despreciable La celda. Aunque si algo tuvo aquella primera película digno de salvarse de la quema, fue su imaginativo poderío visual. Y en esta ocasión el director explorá al máximo su capacidad como artista de la imagen, con unas secuencias llenas de colores y fuerza, con la suerte de que en esta ocasión nos cuenta una historia algo más interesante. El perfecto uso de los colores y de los paisajes, hacen de esta película una verdadera obra de arte en el sentido visual, muy bien acompañada por unos actores desconocidos y por una historia algo triste pero muy efectiva.
La química entre los actores principales, la niña Catinca Untaru y el joven Lee Pace, es otro de los puntos fuertes de la función, ya que la historia se basa en su relación amistosa y en sus progresos. Interpretan, además, a los protagonistas de la historia que Roy cuenta a Alexandria, trasladando esa buena sensación a la parte imaginativa de la historia. Momentos como aquel en el que Roy se queda "dormido" y la niña le pide que despierte o cuando ella habla en rumano y él en ingles, con la consecuente falta de entendimiento, consiguen emocionar al espectador, sólo por su buen hacer en pantalla. El resto de actores, se ciñen perfectamente a sus papeles, tanto en el plano fantástico como en el "real".

Pero si algo sobresale especialmente en The fall es el ya mencionado apartado técnico. Con un impecable uso de la fotografía por parte de Colin Watkinson y una labor tanto en vestuario como en efectos especiales sobresaliente. Es como ver un colorido cuadro en movimiento. Desde la imagen de una duna recortada por el cielo o una enorme sábana blanca que se mancha de rojo sangre, es tal la fuerza de las imágenes que películas así no se suelen encontrar en los cines. Quizás el punto más flojo de la historia sea la banda sonora, que nunca llega a compaginar como debería con las imágenes. Eso y que, evidentemente, tiene momentos en los que el guión falla o en los que apenas pasa nada.
Pero con todo, se nota el esfuerzo de Tarsem por rodar una película poderosa visualmente y en esta ocasión intenta además ofrecernos una historia al menos atrayente, aunque al final tenga algunos puntos muertos. Sólo por eso es destacable su adelanto como director y más teniendo en cuenta que la cinta tardó en rodarse cuatro años y a lo largo de más de 18 países.

En definitiva, una agradable sorpresa en la aburridísima cartelera de este año 2008, que va camino de convertirse, sino lo es ya, en el más soso y feo de toda la década. Menos mal que aún tenemos bellezas visuales como esta para alegrarnos los sentidos, a pesar de los pequeños fallos comentados y de que haya llegado a nuestro país con dos añitos de retraso. Pero eso, a estas alturas, a nadie debería sorprender.

Nota: 7.

Tropic Thunder

2008-10-06T01:27:00.004+02:00

Un grupo de actores se encuentran en pleno rodaje de Tropic Thunder, adaptación de un best-seller literario que narra las terribles experiencias vividas por un grupo de soldados durante la guerra de Vietnam. El director, acostumbrado al teatro e incapaz de manejar a la estrella del cine de acción, al cómico pedorro y al actor de método decide meterlos en plena selva, donde serán atacados realmente por un grupo armado.

Ben Stiller vuelve a la dirección y lo hace con su película más redonda o, al menos, la que más éxito está teniendo en todos los niveles. Con un divertido guión escrito a pachas por él mismo, Justin Theroux y Ethan Coen, Stiller consigue reirse de toda la maquinaria hollywoodiense, aunque para ello se sirva de una gran superproducción, lo cual no deja de ser bastante irónico. Pero dejando a un lado ese temas lo cierto es que Stiller hace una buena comedia, muy burra, donde no deja títere con cabeza. Se mofa de todo, desde la super estrella de acción que quiere demostrar sus dotes interpretativas, pasando por el actor de método que se mete tanto en sus papeles que llega a creerse ellos y, por supuesto, el productor de la película, un magnífico personaje interpretado por un genial Tom Cruise.
Y es que algo que llama la atención es la cantidad de estrellas que salen en el film (nueva ironía). Con el trio Stiller, Black y Downey Jr. como notables protagonistas, también hacen acto de presencia Matthew McConaughey, Nick Nolte o el ya citado Tom Cruise, que resulta por primera vez en mucho tiempo cómico en pantalla y está realmente acertado en su personaje.

La película se abre con una impresionante secuencia que deja muy claro por donde van a ir los tiros. Se van a reir de Hollywood, al estilo Hollywood. Antes del inicio del film aparecen unos trailers falsos que son casi tan buenos como la película, en una nueva muestra de sátira burra que tanto le gusta hacer a Stiller. A nivel técnico la cinta esta muy conseguida, y en algunos momentos se centra tanto en la acción que nos olvidamos de que es una comedia, aunque para eso siempre meten una par de coñitas que nos lo recuerde.
La banda sonora es todo un acierto, con una luminosa fotografía y mas de una broma a costa de las grande películas que retrataron la guerra de Vietnam, desde Platoon a Apocalypse now. Y, aunque al final todos los espectadores sepan como va a terminar la cosa, no deja de ser interesante que alguien se arriesgue, aunque sea un poco, a rodar este tipo de películas, en la que algunos sólo verán comedia chorra y otros verán una divertida muestra de mala leche made in Hollywood.

En definitiva, una cinta entretenida y con guasa, bruta por momentos, que no debería ofender a nadie (salvo a los americanos, que se ofenden con todo) y capaz de hacernos pasar un buen rato en el cine.

Nota: 7.

Hellboy II: el ejército dorado

2008-09-04T19:33:00.003+02:00

El principe Nuada quiere el control del ejércio dorado para adueñarse del mundo mágico y de los humanos, rompiendo así una antigua tregua entre ambos mundos. La Agencia de Investigación Paranormal será la encargada de pararle los pies, con Hellboy, un diablo convertido en defensor de los hombres, como principal baza.

A Guillermo del Toro le han dado libertad absoluta. Y se nota mucho. El indiscutible éxito de El laberinto del fauno ha dado al director mexicano la oportunidad de mostrar toda su imaginería visual como nunca antes lo había hecho. Eso y, por supuesto, un presupuesto bastante amplio, consiguen que la fuerza visual de Hellboy II sea impresionante. Del Toro, con la ayuda de Mike Mignola, creador del cómic, ofrece al espectador todo aquello que no pudo ofrecer en la primera entrega del diablo rojo y, aunque en esta ocasión la acción tiene más importancia que el guión, el resultado es bastante aceptable. Como cinta de entretenimiento funciona a la perfección, sobre todo gracias a la increible labor y al empeño de todos los participantes de la película. Del Toro deja esta vez más lugar al espectáculo, aunque también consigue bueno momentos emotivos donde nos damos cuenta de quienes son los verdaderos monstruos.
Pero Hellboy no sería lo mismo sin la interpretación de Ron Perlman. El actor consigue deslumbrar otra vez bajo el maquillaje y nos da un personaje carismático y muy atrayente para el público, demostrando que es la elección perfecta y el único capaz de hacer este papel. Junto a Perlman tenemos a Doug Jones como Abe Sapiens, actor al que parece que nunca veremos en carne y hueso, Selma Blair en una actuación correcta y la excelente interpretación vocal de Seth MacFarlane como el nuevo fichaje, Johan Krauss. El único pero se encuentra en el malo de la función, un monstruito pálido y saltarín que no consigue convencer como enemigo de la función.

Técnicamente, Hellboy II es una gozada. Aunque cuando el ejército dorado hace su aparición en escena los efectos digitales se adueñan de la pantalla, antes hemos podido disfrutar de verdadera artesanía en la creación de decenas de monstruos, obra de un equipo de maquillaje en estado de gracia. Sólo al final a Del Toro se la va la mano con el ordenador y cuando lo usa anteriormente lo hace por necesidad, como en la escena del elemental, entretenida y muy bien rodada. La fotografía de Guillermo Navarro es competente como siempre y nos da la mezcla perfecta entre tonos claros y oscuros. Lastima que la banda sonora, sin ser mala, sea repetitiva y usada en exceso.
El punto fuerte de la función es el paseo por el mercado troll. En esa secuencia podemos apreciar con todo detalle la imaginación del director mexicano y la brutal labor de puesta en escena que tiene la cinta.

En definitva, una película de palomitas muy digna, superior a la media en cuanto a calidad se refiere, que no trata al espectador como un tonto y que ofrece entretenimiento y diversión a partes iguales. Puro cine de verano.

Nota: 7.

El caballero oscuro

2008-08-14T17:15:00.006+02:00

Batman sigue con su lucha implacable contra el crimen en Gotham. Junto con la abogada Rachel Dawes y el nuevo fiscal del distrito Harvey Dent, la mafia tiene los días contados. Hasta que aparece un nuevo criminal dispuesto a causar la anarquía y el caos por mero placer, el Joker, que con su falta de principios y sus extravagantes métodos causará el pánico haya por donde pase (SPOILERS leves).

Número uno en la taquilla americana cuatro semanas seguidas, críticas entusiastas de la mayoría de los especialistas en cine, el apoyo de la gran parte de la comunidad de Internet, un mes de retraso en España respecto al estreno en USA, la muerte de Heath Ledger, los problemas de Bale con la justicia inglesa y mil una chorradas han merecido la pena. La nueva aventura cinematográfica del señor de la noche llegaba precedida del aplauso casi unánime de todo aquel que la habia visto y las expectativas eran altísimas. Y, sin que sirva de precedente en Hollywood, la cosa cumple y más. Con un inicio espectacular (que algunos blasfemos han comparado con la magistral secuencia del robo en Heat,cinta con la guarda más de un parecido), El caballero oscuro nos devuelve al momento donde dejamos a Bruce Wayne en la anterior entrega. Un tal Joker se está dando a conocer y Batman sigue con su cruzada. El director Christopher Nolan es lo suficientemente listo como para darnos lo que queremos, bien mezclado con momentos inteligentes y con secuencias de acción brutales. En el momento que Batman cae sobre un coche en marcha sabemos que la cosa va a merecer la pena. Junto con su hermano y el guinista David S. Goyer (capaz de esto y también del pestiño Blade Trinity) Nolan nos ofrece la visión más humanista y realista que hayamos visto de cualquier superhéroe. Dilemas morales y sentimientos enfrentados ocupan buena parte del guión y se puede decir que las escenas dramáticas son incluso superiores a las de acción.
Y eso lo consigue Nolan con el mejor cast visto en mucho tiempo. Muchos han comparado esta cinta con Heat o Infiltrados y, aunque a mi me parezcan algo mejores, no se equivocan. Uno de sus grandes parecidos es el estupendo estado de forma de los actores. Bale como Batman está muy bien. Gary Oldman como el Teniente Gordon, aún mejor. Michael Caine y Morgan Freeman, hacen lo que quieren. Pero si alguien se lleva el premio gordo son Heath Ledger y Aaron Eckhart. Es cierto que Ledger hace una interpretación memorable, que roza la perfección en muchos momentos. Su Joker no tiene nada que envidiar al de Jack Nicholson, aunque las comparaciones son imposibles, por el diferente enfoque dado por los actores. Ledger y Joker son una misma persona y en ningún momento (a no ser que se sea un morboso) vemos a Ledger actuar. Simplemente, es el Joker. Pero la labor de Eckhart como Dos Caras también es digna de elogio. Cuando es Harvey Dent está fenomenal y cuando sufre su trágica transformación (con un aspecto visual BRUTAL) está aún mejor.

Se ha hablado mucho del trasfondo moral de la historia y hay que reconocerle el mérito a Nolan, aunque también es cierto que Batman y, en especial, los cómics que sobre él hizo Frank Miller han ayudado mucho. Batman es un hombre corriente que se viste de justiciero para acabar con la corrupción, algo que siempre tenemos presente cuando se hiere de gravedad y cuando se le presentan ciertas dudas respecto a su trabajo. Si en Batman Begins el protagonista absoluto era Bruce Wayne, aquí el hombre murciélago adquiere el papel principal y Wayne se convierte en el secundario. La historia de amor con Rachel se torná esencial para entender la historia y damos gracias por que Katie Holmes tuviera cosas mejores que hacer. Es cierto que Maggie Gyllenhaal no es la actriz perfecta, pero es mucho más creible que la señora Cruise.
Técnicamente, El caballero oscuro es mejor que su predecesora en ciertos aspectos. La fotografía vuelve a ser magistral y la casi ausencia de efectos digitales una bendición. La persecución por las calles de Gotham es antológica, con muy poca música y una planificación perfecta. Si lo más criticado de Batman begins fueron las peleas, de las cuales no se veía casi nada, posiblemente por la inexperiencia de Nolan con las mismas, aquí distinguimos muy bien lo que pasa y se solventa un problema arrastrado. Otro aspecto que podría haber sido negativo era el doblaje. Ante la imposibilidad que tengo de ver las películas en V.O. en mi ciudad, tengo que conformarme con las cintas dobladas y, al final, la cosa no ha salido tan mal. Sin duda alguna, la disfrutaré mil veces más en inglés, pero el doblaje no ha sido tan decepcionante como los trailers auguraban.
Los únicos peros que se le pueden poner a la cinta son algunas sobradas de este tipo de producciones, como la reconstrucción de una huella dactilar de una bala destrozada o la posibilidad de que todos los móviles de Gotham sean un escaner gigante.

En definitiva, El caballero oscuro es lo que todos esperabamos. Es al cine de superhéroes lo que Heat al cine de acción. Cuando se hable de segundas partes buenas, a las míticas El padrino: Parte 2 y El imperio contraataca habrá que sumar esta memorable aventura del señor de la noche. Gracias Nolan por demostrar que las grandes producciones también pueden ser grandes películas.

Nota: 9.

Doomsday

2008-08-09T01:25:00.004+02:00

Corre el año 2037 y un antiguo virus que provocó la cuarentena de toda Escocia vuelve a hacer acto de presencia en Londres. La ciudad, sumida en la pobreza, ve como sus habitantes comienza a morir rápidamente. El gobierno, tras descubrir supervivientes en la zona aislada, enviará a un grupo de soldados para encontrar una posible cura. Pero las cosas no son lo que parecen.

El anterior film de Neil Marshall, The descent, se convirtió tras su estreno en un film de culto dentro del género del terror. Su correcta dirección, su trabajada atmósfera, el plantel de chicas protagonistas y la capacidad para generar verdadero terror bien salpicado por buenos momentos sangrientos la posicionaron como una de las mejores muestra del género de los últimos años. Todo eso queda atrás con Doomsday. Con un guión que no hay por donde cogerlo, obra del propio Marshall, y un desarrollo de personajes tan plano como es inimaginable, lo único que queda es un rato de acción y visceras que prometían bastante más. El director inglés intenta, además, homenajear tantas películas y géneros (desde Mad Max a 28 días después, pasando por Braveheart...) que al final lo único que consigue es ofrecernos dos horas de secuencias de acción sin ton ni son, muy bien rodadas eso si, pero que no aportan nada nuevo al género ni a la película.
Sobre los actores poco se puede decir. Ninguno tiene un personaje especialmente carismático y ninguno parece esforzarse demasiado en la interpretación. Rhona Mitra se dedica a lucir palmito y machacar cabezas, Bob Hoskins parece que sólo pasabar por allí y Malcom McDowell...no ha vuelto a lucirse en una película desde La naranja mecánica.

Técnicamente, Doomsday tiene un descarado tono a serie B pero con el presupuesto de una gran superproducción. Si bien es cierto que la cinta no ofrece otra cosa que acción y sangre, cuando la ofrece lo hace en condiciones. Decapitaciones, amputaciones, disparos, churrascos, accidentes de tráfico...todas las muertes imaginables hacen su acto de presencia. El montaje nos permite ver con claridad las escenas de acción, aunque como ya dije anteriormente, no aportan nada nuevo al género. Con todo, la secuencia final en la carretera, clarísimo homenaje también, es muy divertida y entretenida tanto como las peleas a espada que, por la cara, nos cuelan en un repentino cambio de ambientación.
Es una pena que una película de estas características no haya dado más de si, porque el género de la ciencia ficción y el terror lleva estancado algunos añitos, especialmente el primero. Si Marshall hubiera optado más por el guión que por los homenajes variados, esta crítica sería muy diferente.

En definitiva, una cinta para ver sin ningún tipo de prejuicios, dejando a un lado el cerebro y la capacidad para pensar. Porque si uno lo piensa demasiado, Doomsday es un pufo. No un gran pufo, pero podía haber sido otra cosa.

Nota: 4.

Los cronocrímenes

2008-07-19T16:00:00.005+02:00

Héctor está instalándose en su nueva casa en medio del bosque cuando ve algo extraño a lo lejos. Nuestro protagonista se adentrará en una extraña trama cuando viaje accidentalmente al pasado. Asesinatos, hombres con la cara vendada, máquinas del tiempo y misteriosos acontecimientos marcarán el devenir de la vida de Héctor.

Primera película como director del cortometrajista y showman Nacho Vigalondo, que se dio a conocer en todo el país cuando su corto, 7:35 de la mañana, fue nominado a los Oscars. Que Vigalondo no es tipo que apueste por lo fácil es algo patente en todos sus trabajos, desde el mencionado corto hasta sus incursiones en el mundo chanante de Joaquín Reyes. Para su debut como director de largos apuesta por una historia muy arriesgada en nuestro cine y lo cierto es que la jugada le sale bastante bien. Nadie en su sano juicio rodaría un largo con trama similar al de este film para hacer su primera historia cinematográfica, pero Vigalondo apuesta fuerte y demuestra una valentía que pocas veces se ve en nuestro cine. Sin dejar de lado un humor negrísimo y cierto gusto por el autobombo (escribe, dirige e interpreta), Vigalondo consigue ofrecer una propuesta original y diferente en el cascado cine español. Lo hace de manera correcta, sin grandes presupuestos (más bien, con cuatro euros) y demostrando que cuando se quiere, se puede.
Pero Los cronocrímenes no sería lo mismo sin su protagonista, Karra Elejalde. Es el actor perfecto para el papel, con su barriguita cervecera y su planta de tipo común. Sin casi esfuerzo, crea un personaje bastante notable, que cae bien al espectador y que gusta de principio a fin. También tenemos a Bárbara Goenaga, excelente en todos los sentidos, Candela Fernández o al propio Vigalondo, que termina saturando un poco con su presencia en pantalla, aunque no deja de ser una excentricidad del director.

Técnicamente, y teniendo el cuenta el irrisorio presupuesto, el film es de una calidad notable, con un buen uso del montaje y una fotografía nocturna de lo más resultona. Pero lo más llamativo es el guión, que aunque a muchos les pueda parecer lioso y pedante, no deja de ser un instrumento para hacer encajar todos los mecanismos de la historia.
Eso, y la presencia del hombre vendado, figura bastante inquietante por otra parte, son los grandes alicientes de esta película, que sin ser la gran esperanza del cine español, si que da muestras de originalidad y valentía por parte de sus responsables.

En definitiva, una película con cierto aire de culto, bien rodada y planteada, valiente y original, que lo tuvo muy difícil para conseguir estrenarse en salas y que, ahora que lo ha conseguido, tampoco va a recaudar millones pero conseguirá que él que la vea, ya sea por uno motivo u otro, se cuerde de Vigalondo hasta su siguiente proyecto.

Nota: 7.

La niebla

2008-06-15T23:41:00.005+02:00

En un pequeño pueblo de los EEUU tiene lugar una violenta tormenta que deja destrozos y a los vecinos preocupados ante los posibles cortes de suministros. David Drayton irá con su hijo y su vecino al supermercado del pueblo, quedando encerrados allí cuando una extraña niebla se apodera del lugar y los vecinos huyen aterrorizados ante lo que oculta.

Frank Darabont vuelve con lo que mejor sabe hacer, adaptar historias de Stephen King. Si ya lo hizo de manera sublime con Cadena perpetua y La milla verde, ahora se atreve con una historia de terror clásico escrita por el llamado genio del terror. Y lo hace con una película de terror clásica, sin trucos absurdos y con un estilo muy de serie B. Con un presupuesto de risa, Darabont consigue crear escenas de verdadera tensión donde, como suele ocurrir en estas historias, el verdadero enemigo es el ser humano. Darabont crea un fresco de la sociedad rural norteamericana donde unos pocos son inteligentes y unos muchos se dejan llevar por el fanatismo y la tensión. Darabont recupera el espíritu del mejor John Carpenter para contar una interesante historia de monstruos con un único escenario, muy pocos recursos y la buena mano que lo caracteriza.
El papel principal está interpretado por Thomas Jane, que cuando tiene un buen guión entre manos o un director como Dios manda, cumple con su función. Lo acompañan Laurie Holden, Toby Jones y la siempre eficaz Marcia Gay Harden, con un papel de loca religiosa que hace a la perfección. El único pero que se puede achacar a los personajes es el creciente fanatismo religioso que se va apoderando de algunos de ellos, lo que al final termina por resultar estresante, aunque Darabont sabe darle el final que todos desean protagonizado por el personaje que todos desean.

Técnicamente, La niebla es una película de muy bajo presupuesto comparada con las grandes superproducciones de hoy en día. Ningún productor daba un dolar por un final como el que Darabont había escrito. Pero este buen hombre, en lugar de hecharse atrás, decidió que su final era perfecto y que si tenía que rodar la película con cuatro perras, así sería. Y eso se nota, sobre todo en los efectos especiales. Pero ese toque de bajo presupuesto es uno de los puntos fuerte de esta cinta, que recupera el sabor clásico del cine de monstruos y situaciones extremas que tanto gusta.
Y es el final, el INCREIBLE final, lo que cualquier espectador recordará el resto de su vida. Puede gustar o no, pero es uno de los finales más impactantes e inquietantes que se ha visto en años. Escenas como la del monstruo que ataca por detrás del super, la de la farmacia o la de la cuerda, están rodadas con excelente pulso, pero es el final lo que Darabont trabaja con más gana, donde quiere que el espectador quede atónito.

En definitiva, una buena película de terror. Situaciones extremas con protagonistas cotidianos, gore, aroma a serie B y un final impactante, son motivos suficientes para contemplar como Darabont se convierte en el único director capaz de sacar todo lo bueno de Stephen King (incluso la explicación del por qué de la niebla, siendo una tontada, nos la creemos).

Nota: 7.

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal

2008-05-29T19:22:00.006+02:00

1957. El mundo está en plena guerra fría y los soviéticos buscan en suelo americano un arma que los convierta en los amos del mundo. Sólo Indiana Jones y un joven rebelde serán capaces de anticiparse a la jugada. Comunistas, viejos amigos, pasados romances e, incluso, inteligencias superiores, se dan la mano en el regreso a las pantallas del amado Dr. Jones.

Insensato. Insensato fui cuando dudé de la capacidad de entretener de Steven Spielberg. Y es que si el trío maravillas, Spielberg, Lucas y Ford, se reunía a la vez para parir una nueva aventura de Indiana, algo bueno tenía que salir. Esto no es una secuela cualquiera, es el regreso (y despedida, al menos aparente) de uno de los personajes clave de la historia del cine, y no digamos ya del género de aventuras. Spielberg nos sorprende con un principio divertidísimo y entretenido al máximo, donde lo único que podemos hacer es gozar ante el espectáculo. No es El arca perdida. No es La última cruzada. Pero la pondría por encima de El templo maldito (quizás, las más incomprendida). Y es que el señor Spielberg no es un cualquiera, sabe dar espectáculo cuando el público se lo pide y sabe dar emociones puras cuando la historia lo necesita. Aunque si algo malo tiene la nueva entrega de Indi es el guión de David Koepp. En muchas ocasiones se le va la cabeza con alguna fantasmada y es una lástima que nunca podamos disfrutar del libreto escrito por Frank Darabont (de cuya última película, hablaré en breve), considerado por los propios Spielberg y Ford, el mejor de la saga (lástima que Lucas no lo aceptase). Pese a eso, Spielberg sabe sacarle el máximo a un personaje que conoce a la perfección.
Harrison Ford demuestra estar en plena forma a sus 67 añazos. Sigue haciendo la gran mayoría de las escenas de acción y, por supuesto, el personaje le sigue quedando como anillo al dedo. Como malvada de la función tenemos a la pin-up medium Irina Spalko, una espectacular Cate Blanchett que está a la altura de las circunstancias. Para rematar la faena, aparece Karen Allen, la siempre mítica Marion Ravenwood, con la misma intensidad y química (con el espectador y con Ford) que en El arca perdida. El resto de actores, Shia LaBeouf, John Hurt o Ray Winstone, cumple a la perfección con su interpretación y el joven LaBeouf se presenta como un personaje con carisma y presencia.

Técnicamente, la nueva entrega de Indiana Jones, es bastante interesante. Interesante en el sentido de que no se han colado con los efectos digitales tanto como cabía esperar. Spielberg quería una producción que no desentonara con la trilogía original en el plano técnico y lo consigue en cierto punto, hasta el final de la cinta. Es entonces cuando se le va un poco la mano con los efectos, pero tampoco importa mucho, porque antes nos ha ofrecido momentos de buena artesanía. La banda sonora de John Williams sigue sonando exactamente igual que hace 19 años (cuando digo igual, es igual, no ha aportado nada nuevo el tío) y la fotografía de Kaminiski es en ocasiones buenísima y a ratos algo dejada.
Pero lo que más importa es pasarlo bien y para eso Spielberg y su equipo consiguen crear algunas secuencias muy trabajadas y divertidas. La persecución inial en el Almacen 51 es uno de los inicios más espectaculares vistos últimamemte y la secuencia en el Amazonas deja con la boca abierta y sin un momento de descanso. Además, Spielberg se permite crear un final muy espectacular, aunque algo soso, donde da rienda suelta a sus más conocidas aficciones. Como escuché a alguien decir, "Spielberg ha creado a los frikis y lo sabe. Con el final de esta película lo deja muy claro".

En definitiva, una entretenida y divertida película, todo lo que se puede esperar de Indiana Jones, con cierto toque nostálgico, que por momentos se convierte en modernez, con secuencias espectaculares y un sentido del cine de aventuras que dejó de existir hace muchos años. Si momias, piratas y demás fauna actual aprendiera la lección, el cine de aventuras viviría su mejor momento y no sólo la recaudación del primer fin de semana sería lo más importante.

Nota: 6.

La noche es nuestra

2008-04-21T18:09:00.004+02:00

Bobby dirige uno de los locales de moda en el Nueva York de 1988, El Caribe. El dueño del local es un entrañable ruso que tiene una familia no tan simpática. Su nieto está buscado por el cuerpo de policía de la ciudad por tráfico de drogas. Y en ese cuerpo de policía trabajan el hermano y el padre de Bobby. Así, en medio de todo el marrón, Bobby tendrá que escoger el camino a seguir.

Sin esperarlo, me encuentro con que La noche es nuestra es una de las películas más aceptables que he visto en los últimos meses. James Gray se ha sacado de la manga una historia como las de antes, con violencia a cascoporro, diálogos llenos de "fucks" y un estilo que homenajea al cine setentero más arriesgado. La forma en que inicia la película es todo un acierto, con una secuencia que nos deja muy claro por donde van a ir los tiros. Además, escribe un guión más que decente y nos regala uno de los personajes más carismáticos de los últimos años en este tipo de cine, el gran Bobby Green.
Pero, además de la sorpresa que supone la dirección y el guión de Gray, nos encontramos con la magnífica interpretación de Joaquin Phoenix, que se ajusta al personaje a su medida y se convierte en el mejor protagonista imaginable. Junto a él, el siempre grande Robert Duvall (cuando no hace chorradas con la productora de Jerry Bruckheimer), un descafeinado Mark Whalberg y una sosilla Eva Mendes.

Técnicamente, La noche es nuestra escoge un acertado estilo directo y sin concesiones, que nos quiere recordar claramente a las producciones que se hacían similares en los años 70. El uso de la banda sonora es muy acertado y la gran fotografía de Joaquín Baca-Asay nos regala secuencias bajo la lluvia muy buenas y una escena final donde el humo de un incendio se adueña de la pantalla con total claridad.
Además, Gray nos regala algunas escenas de acción muy bien rodadas y una persecución en coche de lo más original visto en bastante tiempo. Junto con el montaje y la clara intención de ser un homenaje setentero, La noche es nuestra es un acierto tras otro.
En su contra juega el ser una película totalmente anticomercial en estos días y querer revitalizar un género que dejó de asombrar hace algunos años (aunque todavía salgan joyas como Infiltrados, por poner un ejemplo).

En definitiva, una muy agaradable sorpresa que gustará bastante a los amantes del cine policiaco y a todos aquellos que busquen una interpretación sobresaliente del siempre cojonudo Joaquin Phoenix.

Nota: 8.

There will be blood

2008-02-28T18:18:00.005+01:00

Daniel Plainview se define a sí mismo como un "hombre de familia" y un "hombre de petróleo". Sólo busca encontrar un lugar ideal para realizar sus escavaciones petrolíferas y embolsarse con ello la mayor cantidad de dinero posible. La avaricia, la religión, la ambición y su manera de entender el negocio y la vida harán que su fúturo sea más complicado de lo esperado en los inicios del negocio del petróleo a principios del siglo XX.

Con algo de retraso respecto a su fecha de estreno he visto esta película. Ya lo dije una vez, me negaba a ver la interpretación de Daniel Day-Lewis con ese espantoso doblaje que le han hecho al castellano (con todo mi respeto hacia esos profesionales del doblaje). Y, desde luego, la espera a merecido la pena. Paul Thomas Anderson ha dirigido una película impresionante. Desde su estreno en España había podido leer miles de críticas diferentes y muchos habían salido decepcionados del cine. Quizás ese miedo inicial a que el film no me gustara ha beneficiado mi positiva opinión sobre la obra de Thomas Anderson.
Basada libremente en la novela Oil! de Upton Sinclair, la cinta nos cuenta una compleja historia de ambición, avaricia, deseo y religión contada de una manera excepcional por Anderson, que maneja la cámara como quiere y que es capaz de ofrecernos unos primeros 15 minutos antológicos, sin diálogo alguno. Bien cierto es que Anderson trata demasiados temas en la película y que quizás algunos podrían haber dado más de sí y otros podrían haberse quedado en la mesa de montaje, pero sería una obra incompleta y Anderson no hubiera podido contarnos la historia como lo termina haciendo.
Junto con la gran labor de Paul Thomas Anderson dirigiendo el cotarro encontramos al alma de la cinta, el gran Daniel Day-Lewis. Su interpretación es, simplemente, sublime. Daniel Plainview hace que Bill "el carnicero" (si, el de Gangs of New York) sea un mero tendero de barrio. La composición del personaje es tan perfecta que en muchas ocasiones es imposible mirar a otro actor que no sea Day-Lewis. A pesar de todo, es justo reconocer que en la última media hora, cuando pasa lo que todo el mundo sabe que va a terminar pasando, Lewis cae en el histrionismo aunque, curiosamente, sigue convenciendo. También están por ahí Paul Dano, Ciarán Hinds o el jovencito Dillon Freasier, pero quedan totalmente eclipsados por el enorme trabajo actoral de Daniel Day-Lewis.

Lo bueno de There will be blood es que, técnicamente, es una grata joyita para los sentidos. La banda sonora, desconcertante y sencilla, llena y conjuga a la perfección con todas las imágenes. Imágenes llenas de fuerza gracias a la labor del director de fotografía, Robert Elswit, que sabe mostrarnos cada detalle y cada paisaje como está mandado. Gracias al montaje ágil y rítmico de la cinta disfrutamos de varias secuencias inolvidables aunque a mitad de metraje el film cambia bastante de tercio para mostrarnos de una manera muy particular y, en cierto modo, arriesgada, los peores momentos de Plainview.
La narración se vuelve enfermiza y oscura para contarnos y mostrarnos la locura que invade poco a poco al personaje y Anderson se arriesga con una final bastante inesperado y puede que para algunos confuso. Y, sin duda, es el final lo que mas desentona en el conjunto, aunque dependiendo de cada espectador gustará más o menos. Lo cierto es que tras dos horas y media disfrutando con Lewis y con la historia, el final no deja de ser más que otro escalón más para entender la avariciosa mente de Daniel Plainview, eje central de la trama, pesonaje para nada del gusto del público que consigue nuestra más absoluta atención.

En definitiva, There will be blood es una excelente película. Anderson se supera en cada film y Day-Lewis es el mejor actor que hay en la actualidad (para eso trabaja cuando le apetece). Es una película que no gustará a todo el mundo, tanto por su historia como por el modo de narrar los hechos, pero los que la disfruten como yo saldrán muy contentos del cine o de donde la vean.

Nota: 9.

John Rambo

2008-02-22T12:35:00.005+01:00

John J. Rambo vive alejado del mundanal ruido en Tailandia cazando cobras y recorriendo los ríos con su barquichuela disfrutando de la tranquilidad que busca. Un buena día, unos idealistas y voluntariosos cristianos norteamericanos piden al cascado Rambo que los lleve río arriba hasta Birmania, zona en guerra, para ayudar a un pueblo muy necesitado. Aunque Rambo al principio los intenta disuadir (más bien, pasar de ellos), un repentino lazo emocional con una de las misioneras lo lleva a realizar la tarea. Cuando Rambo cumple con su trabajo vuelve a sus quehaceres cotidianos...hasta que se entera de que el grupo de misioneros ha sido secuestrado y/o/u masacrado por unos guerrilleros. Y a John Rambo eso no le hace la menor gracia.

Antes de nada, una pequeña aclaración: esta es una de esas críticas en las que me dejo llevar por el delirio y la locura irracional. Por eso, más que nunca, puede que la opinión de un servidor os resulte exagerada y muy equivoca porque para mi...John Rambo es una película cojonuda. Desde el minuto tres o así, el señor Sylvester Stallone nos hace ver a gente explotando, literalmente. Decir que el guión de la película no vale más de cuatro perras gordas no es quedarse corto, pero es que en esta película el guión importa muy poco. Lo que un espectador busca en esta película no es un guión de campeonato, lo que busca es ver a Stallone con 61 añazos entre pecho y espalda matando a guerrilleros birmanos malvados a mansalva. En lo único que se centra el guión es en presentarnos a los malos de la peor manera posible, para que los odiemos y estemos deseando que Rambo imparta su ley, la de las tollinas y los descuartizamientos sin piedad. Además, y porque Stallone no es tonto, nos presenta a unos personajes de manera tan fugaz que nos fijamos en ellos en lo justo y necesario (la misionera buena, el misionero arrogante e iluso, los mercenarios chulopos, el malo bastardo...). Lo que si demuestra Stallone con esta película es que sabe dar a su público lo que se espera, como hizo con Rocky Balboa (donde si se cascaba un guión notable), y encima se atreve a retomar los patrones clásicos del cine de acción ochentero con una dirección más que acertada, mostrando lo que cualquier novato de tres al cuarto no se atrevería jamás.

Por supuesto, hablar de buenas interpretaciones en este film es absurdo. Todos se limitan a ser la sombra de Rambo y a ser meros testigos de sus capacidades destructivas. Bien cierto es que ninguno de los miembros del cast está mal, porque Julie Benz o Matthew Marsden cumplen con su función. Sobre Stallone...bueno, todos sabemos que no es precisamente la quintaesencia del actor perfecto, pero es que no lo necesita, su sóla presencia llena la pantalla (en todos los sentidos).

Tratados el guión, la dirección y los actores, sólo queda hablar de lo mejor de John Rambo. La violencia sin cuartel. Porque, seamos sinceros, el espectador al que le va a gustar esta producción busca eso, ver a Rambo haciendo de las suyas. Sino, es absurdo ver la película, es absurdo verla para luego decir que es una mierda, cuando cualquiera con dos dedos de frente sabe lo que a ver.
Resulta tremendamente valiente por parte de Stallone el hacer un film tan gráfico, tan violento. Rambo mata a los malos con sus propias manos, con machetes, con rifles y (la hecatombe) con armas antiaéreas posicionadas en la parte trasera de un jeep (antes de lo cual se carga a dos malos malosos con su magnífico machete casero). Eso, hoy en día, ningún director que busque el éxito de público haría. Más que nada, porque los estudios no apostarían por ello. Es tremendamente hipócrita pensar que es justo realizar un film bélico realista y luego despotricar contra John Rambo por mostrar las cosas con esa furia (exagerada, si, pero es lo que hay). Desde luego, Stallone ha sabido conjugar a la perfección todo aquello que lo convirtió en icono popular e idolo de mi generación (y de la anterior a la mia un poquito más) y se casca una película de tan sólo 90 minutos que ofrece lo que promete, con un ritmo muy bueno y sin un sólo segundo para el descanso.

En definitiva, John Rambo es la leche. Pero, si no soportas la sangre, no aguantas a Stallone y odías al personaje, mejor entra a otra sala. Esta película es para todos los demás y, especialmente, para los que no tienen problema en decir que ven este tipo de películas. Ojalá Stallone siga en plena forma (aunque se podía escribir un guión original, que ya toca) y nos siga dando cine como el de antaño, sin corrección política y donde lo único que importa es ver al malo muerto de la forma más violenta posible (lo de si son cintas fascitas y tal...me importa un bledo).

Nota: 7 (con dos narices, porque me lo pase pipa).

Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet

2008-02-19T13:03:00.004+01:00

Benjamin Barker fue un joven barbero londinense injustamente encarcelado por el Juez Turpin con el único propósito de quedarse con su bella esposa. Muchos años después, Barker vuelve a la ciudad inglesa bajo el nombre de Sweeney Todd con una única idea, llevar a cabo su venganza.

Tim Burton está como una cabra. Johnny Depp, aún más. Esas son las conclusiones principales que se sacan tras ver este film. Aunque, dicho sea de paso, quizás el estrambótico argumento sea culpa del escritor de la obra teatral original Stephen Sondheim, pero como no la he visto, culparé sólo a Burton de demente...de demente genial. Y es que sólo Tim Burton podía llevar a cabo esta adaptación y sólo él era capaz de crear un musical tan espectacular como este. Porque, no os dejéis engañar, Sweeney Todd es un musical puro y duro, donde el diálogo hablado no ocupa más de 20 minutos. Y lo bueno es que las canciones son pegadizas y los actores saben cantar con mucho estilo. Además, se mantiene todo el metraje cantado en su versión original, con lo cual la cinta gana muchos puntos. Y si, además, le añadimos el festival de sangre que comienza bien avanzada la historia, tenemos una película, cuanto menos, atrayente y extravagante.
Pero sin duda alguna, el gran protagonista del film no es la música ni las toneladas de sangre, es el gran Johnny Depp. Como excelente alter ego de Burton, Depp nos regala una interpretación memorable, de esas que siempre se recuerdan como una de las esenciales dentro de cualquier filmografía. Y para acompañar a Depp tenemos al gran Alan Rickman, recuperando el tiempo perdido con la saga Harry Potter, y a Helena Bonham Carter, con su cara de mal rollo pero cantando de manera increible. Aunque, personalmente, fue el niño Ed Sanders quien llamó mi atención casi al mismo nivel que Depp y es que su forma de cantar y de interpretar son sobresalientes.

Técnicamente, Sweeney Todd es puro espectáculo. La dirección artística de Dante Ferreti es, como siempre, una gozada. Crea el perfecto ambiente para ese Londres oscuro y macabro que Burton quiere mostrar y se saca de la manga unos increibles callejones que harían dudar al más valiente. También la fotografía de Dariusz Wolski es tétrica y triste a más no poder, algo con lo que Burton trabaja a la perfección. Y, claro está, la banda sonora es muy notable, con ritmos verdaderamente pegadizos. Pero, si dejamos de lado todos estos aspectos, como espectadores nos quedaremos con un sólo detalle: la sangre. Litros y litros de sangre inundan Sweeney Todd, algo que seguramente le reste mucho público y lleve a más de un padre despistado a las salas pensando que va a ver una cosa que no es lo que un espectador medio (o mal informado) espera.
Y, aunque me suelen gustar las pelis de Burton, siempre hay que recordar que Burton es hombre de patrones fijos. Y quizás ese sea el principal error de la cinta, que siempre estamos viendo lo mismo y nos cuesta un poco creernos ciertos puntos del guión o el desarrollo de ciertos personajes.

En definitiva, una película interesante, con un Depp en plena forma y un sentido del espectáculo bastante notable. Si le añadimos el festival gore que ocupa medio metraje, el sentido del humor negro en exceso y algunos puntos extraños en el guión, nos encontramos con un film que gustará a muchos y disgustará a otros tantos. Desde luego, con esta cinta aprendemos dos valiosas cuestiones: nunca hay que dejarse afeitar por otro y nunca hay que fiarse del relleno de los pasteles (ya entenderéis por qué).

Nota: 7´5

No es país para viejos

2008-02-16T02:12:00.004+01:00

Llewelyn Moss es un hombre normal y corriente, veterano de la guerra de Vietnam, que en una de sus cacerías va a dar con algo que nunca imaginó. Varios cadáveres, un importante alijo de drogas y, sobre todo, dos millones de dólares que harán que su vida cambie radicalmente.

Con bastante retraso desde que la película se diera por finalizada en todos su aspectos, la nueva cinta de los hermanos Coen llega a las carteleras españolas. Precedida por un enorme éxito de crítica, las espectativas eran altísimas y, en esta ocasión, casi se cumplen.
La dirección de los Coen es sin duda alguna uno de los tres platos fuertes que tiene el film. Rodada con una precisión asombrosa y con una calma meditada y muy acertada, los famosos y respetados hermanos parecen volver a sus mejores tiempos, aquellos en que nos daban joyas como Muerte entre las flores, Fargo o El gran Lebowski (muy distintas entre sí, pero todas geniales). La manera en que nos muestran las acciones de los personajes, la forma que tienen de llevar su propio guión a la pantalla y los detalles presentes en todos y cada uno de los planos, devuelven a los Coen a primera línea de fuego.
El segundo plato fuerte de la película son sus interpretaciones. Junto con la destacadísima y aplaudida de Javier Bardem (que, simplemente, lo borda en su papel de psicópata), encontramos a un más que acertado Josh Brolin y al enorme y siempre sobresaliente Tommy Lee Jones. Aunque el film parece cosa de dos personajes (los de Bardem y Brolin), Jones es el que pone la madurez y el sentido común. Con tan sólo unas palabras o una mirada es capaz de transmitir sensaciones e ideas que otro actor sería incapaz de ofrecer.

Técnicamente, No es país para viejos cuenta con una sobresaliente fotografía. Rogers Deakins muestra el color exacto en todos los paísajes y consigue una iluminación sublime en todas las secuencias. Pero es el montaje el tercer y último plato fuerte de la función. Increiblemente pausado, introduce un ritmo muy acertado durante buena parte del metraje y, a pesar de la tranquilidad con la que parece transcurrir todo, logra atraer al espectador y lo introduce en la historia de manera ejemplar.
Pero, y es que el pero tenía que aparecer en algún momento, en la última media hora del film la cosa se tuerce. Se tuerce tanto que cuando termina el espectador no se lo cree. Los Coen usan un final tan anticlimático que dejan al público confundido. Cierran los hilos argumentales de extrañas formas y no ofrecen un final realmente claro. Habrá quien encuentre el final sobresaliente, pero después de hora y media donde se conjugan a la perfección thriller, western, humor negro y mucha violencia, los últimos minutos son tan lentos que terminan jugando una mala pasada al resultado final.

En definitiva, una notable película, que nos devuelve a los Coen en plena forma y que nos da una muestra ejemplar de dirreción, interpretación y montaje. Lástima que el final no me termine de convencer.

Nota: 7.

30 días de oscuridad

2008-02-10T00:53:00.000+01:00

Barrow, Alaska. El pueblo situado más al norte de los EEUU sufre una vez al año una noche de 30 días de duración. Lo que nunca fueron capaces de imaginar los lugareños de tan alejado pueblo es que unos vampiros sedientos de sangre aprovecharían tal circunstancia para darse el festín de su vida.

Hace casi dos años, la sección de críticas de Ocio Noticias comenzó su andadura con la opinión que suscitó en un servidor Hard candy, del por aquel entonces debutante David Slade. Ahora se estrena en nuestro país su segunda película como director, la adaptación del cómic 30 días de noche (lo de cambiar títulos es algo muy castizo, se nos da muy bien...). Fiel al estilo inquietante y provocador de su opera prima, Slade nos ofrece un verdadero festival a los amantes del terror y, en especial, a los que disfrutamos viendo historias de vampiros. Con una puesta en escena brutal y un uso técnico casi perfecto de la cámara y el montaje, Slade nos trae una historia original dentro de un malgastado subgénero, logrando por momentos situarse a la altura del maestro John Carpenter, cuya Vampiros sigue siendo hoy día la mejor película donde aparecen estos seres. Pero claro, la obra de Carpenter es tan magistral que por mucho que Slade se esfuerce, 30 días de oscuridad sólo le llega a la suela de los zapatos (que, sinceramente, ya es bastante). Pero como las comparaciones son odiosas, Slade tiene que sentirse muy orgulloso por diferentes motivos. Por lograr crear uno de los mejores villanos de los últimos años (el mejor personaje de la función), por lograr esa increible puesta en escena, por llenarlo todo de violencia salvaje y por conseguir que todo (o casi) encaje bastante bien.
Con Josh Hartnett como protagonista, los amantes del terror podríamos haber temido lo peor. Pero el joven actor lleva unos años muy concienciado con no encasillarse y mostrar lo que sabe hacer sin ir de estrella, algo que consigue a la perfección en este film. Melissa George o Mark Boone Junior (memorable escena la suya en el camión) también están muy metidos en el papel pero es, sin duda alguna, Danny Huston como líder vampiro lo mejorcito de la función. Cada vez que abre la boca dice una vacilada y, a diferencia de muchos monstruos de este tipo, demuestra conseguir un personaje inteligente y de ideas claras.

Técnicamente, 30 días de oscuridad cuenta con innumerables aciertos. Desde la fotografía, hasta el montaje pasando especialmente por el maquillaje. Los efectos de maquillaje están tan logrados y bien hechos que los vampiros dan bastante miedo y las escenas gore son de una crudeza increible (decapitaciones por doquier y hasta una niña vampiro deambulando por ahí).
Si hubiera que sacarle algo negativo a la película sería, sin duda, el final. Y es que, aunque no he leído el cómic y no se si es igual, descoloca muchísimo. Sólo por el final, la cinta pierde mucho encanto y termina de mala manera SPOILER y con una escena calcada a la que Guillermo del Toro hizo para Blade 2 SPOILER. A pesar de este error, culpa seguramente del guión escrito por el propio autor del cómic, Steve Niles, el film de Slade consigue lo que quiere y da al espectador la oportunidad de disfrutar de buen cine de terror y con vampiros, algo que nunca sabemos cuando volverá a suceder.

En definitiva, una muy entretenida cinta para los aficcionados al gore, a los vampiros y al terror. Una oportunidad, rara en estos días, de disfrutar con una película brutal en cuanto a su puesta en escena, con grandes secuencias y un malo maloso digno de estar entre los mejores.

Nota: 7.

Juno

2008-02-07T02:45:00.000+01:00

La joven Juno MacGuff, con sólo 16 años, está embarazada. A pesar de la difícil situación, afrontará la realidad con su particular sentido del humor y decidirá dar el futuro bebé en adopción a una familia que lo quiera acoger.

Sensacional. Frescor y naturalidad por todos los poros. Juno supone un nuevo soplo de aire fresco al cine independiente norteamericano (al que cada vez menos se le puede llamar independiente, porque comienza a tener algunos ingredientes que lo hacen apto para su éxito en taquilla). La sencilla y efectiva dirección que realiza Jason Reitman eleva el film muy por encima de la media y consigue dar el tono perfecto entre humor ácido y realismo dramático que tanto necesita este tipo de historia. Pero el mérito del resultado final no es sólo de Reitman, influye muchísimo el sobresaliente guión de Diablo Cody. Con tan sólo un guión en su carrera, Cody ha creado uno de los mejores personajes femeninos de los últimos años dentro del mal gastado cine norteamericano. Pero, al igual que ocurre con la dirección de Reitman, el personaje de Juno y con ello la película, no sería lo mismo sin la actriz Ellen Page.
Page hace suyo el personaje, consigue transmitir todos y cada uno de los sentimiento que afectan a Juno y enamora al público con su manera de trabajar y de comportarse ante las camaras. Con sólo 20 años demuestra ser una actriz como la copa de un pino y con muchísimo futuro por delante. Respecto al resto del reparto, destacar la presencia de Jennifer Garner, completamente alejada de sus papeles de heroína, o a Jason Bateman, que al final terminar siendo el personaje que todo el mundo espera que sea.

Técnicamente, Juno disfruta de un montaje muy sencillo que le confiere el tono adecuado para contar la historia y su banda sonora es de las que quedan en la memoria por lo pegadizo de sus melodías. Pero sin duda, lo más destacado de la película es la capacidad para contar una historia tan dura desde un punto de vista más o menos humorístico, acierto sin duda de las tres personas anteriormente destacadas.
Muchos han comparado este film con Pequeña Miss Sunshine, pero desde mi punto de vista, es un craso error, porque ambas películas no tienen nada que ver en absoluto. Cada una es como es y aunque pueden tener en común la manera de mostrar la historia y los personajes, hay que reconocerles a las dos sus logros cinematográficos por separado y sin comparaciones absurdas.

En definitiva, una película "pequeñita pero grande", con un guión fantástico y la enorme presencia de Ellen Page, que hace lo que quiere, y más, delante de una cámara. En definitiva, una delicia.

Nota: 9.

Expiación

2008-02-02T19:35:00.000+01:00

Con la 2ª Guerra Mundial llamando a la puerta, la pasión oculta entre una joven aristócrata, Cecilia, y el hijo de su ama de llaves, Robbie, comenzará a tornarse en romance cuando él le exprese sus más bajos deseos en una carta subida de tono que nunca debió entregar. Serán los ojos infantiles de la hermana menor los primeros en leer la picante carta y el detonante de la trágica y épica historia de amor.

Tras la adaptación de Orgullo y prejucio de hace dos años, el director inglés Joe Wright vuelve para ofrecernos una nueva historia de corte intimista de alta sociedad británica, pero esta vez con el tercio totalmente cambiado y ofreciando una notable adaptación de la novela homonima de Ian McEwan. Si bien la primera mitad de la cinta se caracteriza por la austeridad de los escenarios, en la segunda parte Wright se rebela como un excelente narrador de historias románticas al más puro estilo El paciente inglés. Usando tan sólo tres personajes principales muy bien dibujados, Wright nos cuenta una buena historia de pasión y amor (en ese orden) sin caer en el infantilismo innecesario y ñoño que tanto se usa en estos días.
Para la interpretación de los tres personajes principales, Wright cuenta con actuaciones jóvenes y refrescantes. Si bien Keira Knightley (ojalá dejase de lado películas como Piratas del Caribe...y engordara unos kilitos) es la más "estrella", es la joven Saoirse Ronan quien se lleva el gato al agua con su intensa interpretación. Aunque es James McAvoy (que se dio a conocer como el fauno de Las crónicas de Narnia) la gran novedad del film, ya que consigue llenar de intensidad su personaje y presentarse como un actor de gran solvencia.

Técnicamente, Expiación nos ofrece un buen espectáculo. Visualmente la cinta está muy bien conseguida y para el recuerdo es ya el plano secuencia en la playa de Calais. Pero si algo destaca por encima de los otros apartados técnicos es la banda sonora, que usa el teclado de una máquina de escribir como instrumento musical y llena de ritmo todo el metraje. Además, la fotografía de Seamus McGarvey consigue transmitir y diferenciar perfectamente las dos partes propuestas por Wright.
Y son esas dos partes propuestas por Wright el principal defecto de la película. Porque quizás el paso de historia más o menos intimista en una casa de alta sociedad a los grandes espacios abiertos que muestra en la parte de la guerra jueguen en contra de la historia, aunque para nada supone la debacle del film, sólo una pequeña pérdida de ritmo.

En definitiva, Expiación es una notable muestra de cine romántico, que nos cuenta una historia bella y trágica a la vez, sin caer en la ñoñería más irritante que tanto abunda en este tipo de género. Si Wright sigue haciendo películas así, deberemos seguir sus pasos con lupa.

Nota: 8.

Michael Clayton

2008-01-27T23:28:00.000+01:00

Michael Clayton es un abogado atípico. Divorciado, adicto al juego, utilizado por sus compañeros...hasta que un buen dia, su amigo Arthur abandona un caso de fraudulencia corporativa que puede suponer el cierre de una gran corporación. Michael deberá decidir si es mejor ser fiel a las amistades o es preferible contar la verdad.

El debut en la dirección de Tony Gilroy cuenta con algunos aciertos y con algunos fallos. Gilroy empezó en esto del cine escribiendo guiones (suyo es el libreto de Pactar con el diablo) y el salto a la dirección ha sido arriesgado. Arriesgado por la historia que cuenta y arriesgado por el estilo narrativo que utiliza. Y es que el principal error del film es la extraña y equivoca estructura narrativa, que en muchas ocasiones nos pierde y no nos sabe volver a meter en la historia.
Pero como gran acierto, destaca la habilidad de Gilroy para dirigir a los actores. Las interpretaciones de Clooney, Swinton y Wilkinson son bastante sobresalientes, especialmente la de Clooney, que consigue momentos de verdadera maestría, como el inolvidable plano fijo final.

Técnicamente, Michael Clayton cuenta con un estilo muy depurado y eficaz, con un buen uso de la cámara y de los primeros planos. Y aunque no sea una película a destacar por su técnica cinematográfica, Gilroy consigue sacarse de la manga algunas secuencias bastante notables, especialmente los últimos 20 minutos, muy bien rodados y con la capacidad de crear una sensación de incomodidad e incertidumbre esencial para lo que se está viendo.

En definitiva, una película de abogados muy decente, esta vez desde la perspectiva del abogado gualtrapas y dejando de lado las concurridas salas de juicios norteamericanas. Sino fuera por su fallida estructura narrativa, estaríamos ante una gran película.

Nota: 7

American gangster

2007-12-30T01:50:00.000+01:00

Frank Lucas es el chófer de un importante mafioso de Hárlem. Tras la muerte de éste, Frank empieza a escalar puestos en el mundo de las drogas hasta terminar siendo el principal capo de Norteamerica. El detective Richie Roberts irá tras sus pasos con la Guerra de Vietnam como telón de fondo.

Gran película. Al fin. Todo es grande en ella. Duración, actores, dirección, montaje, fotografía, guión...todo. Tal y como prometían las críticas de aquellos que la habían podido disfrutar antes que yo, American Gangster es una de las películas del año. Sir Ridley Scott nos ofrece su mejor film en muchos años y una de sus más excelentes muestras de maestría como director. Se mueve con una soltura pasmosa en las 2 horas y media de duración, nos muestra todo sin olvidarse de nada, dirige a los actores de una manera genial y crea un ritmo tan acertado y continúo que en ningún momento la duración de la historia se nos hace pesada o cansina. El término "épica", del que tanto se abusa en estos días, se adapta perfectamente a los pesonajes y a los acontecimientos narrados.
Washington tiene momentos en los que se come la pantalla casi literalmente y Crowe nunca antes había estado tan cercano al público y había conseguido caer tan bien. Ambos personajes están estupendamente dibujados y la interpretación que hacen estos monstruos es bestial, justo lo que pedía la historia. Pero no sólo los dos actores principales están bien. Todos los secundarios, desde Carla Gugino a Josh Brolin, consiguen interpretaciones creíbles y siempre saben aparecer en el momento exacto.

Para redondear la faena, Scott nos vuelve a demostrar que sabe de que va esto del cine y, técnicamente, la película es una gozada. Un montaje lleno de vida y ritmo que nunca decae, escenas de acción y violencia directas, bien planificadas y rodadas, una fotografía y una ambientación que hacen que creamos estar viviendo en los años 60/70, cuando transcurre la historia. Al igual que ocurría en la genial Zodiac (que no pude ver en cine y por eso no tengo crítica disponible en el blog), el presupuesto no sólo se ha gastado en pagar a las caras y nombres conocidos, se ha usado en recrear una época, en reconstruir unos hechos con precisión y exactitud.
Si tuviera que destacar algo negativo de este film quizás sería el uso de alguna cámara lenta más o menos innecesaria o de un exceso de uso de la banda sonora. Pero, sinceramente, sería fijarse en una memez, que no resta puntos ni al desarrollo de la historia ni a ningún otro punto de la película.

En definitiva, American Gangster es el magnífico broche filmico a un año bastante escaso de buenas películas (o al menos estrenadas en nuestro país), un film adulto y serio que devuelve al mejor Scott en años y nos deja con ganas de seguir disfrutando con el septimo arte.

Nota: 9.

PD: ¡Feliz año nuevo!

Soy leyenda

2007-12-23T02:22:00.000+01:00

Un virús ha matado a la gran mayoría de la raza humana. Los que no han resultado muertos por la infección se han convertido en una especie de vampiros sedientos de sangre. Sólamente un hombre, Robert Neville, parece la última esperanza de la humanidad, ya que es el último hombre vivo en la tierra.

Basada en la genial novela homónima de Richard Matheson, Soy leyenda prometía, tras dos espectaculares trailers, ofrecernos un buen rato de cine fantástico. Pero nos han vuelto a vender la moto. Resulta que si eliminamos la excelente puesta en escena, el esfuerzo de Will Smith por llegar al espectador y ciertas secuencias muy logradas nos encontramos con un producto vacio, muy vacio.
Y en esta ocasión la culpa no es del director, el notable Francis Lawrence, ya que consigue crear una atmósfera y ofrecer una puesta en escena asombrosa, con Nueva York totalmente abandonada e, incluso, se permite el lujo de ofrecer escenas tan bien rodadas y pensadas como aquella en la que Smith entra en un edificio abandonado siguiendo a su perra o la trampa que los monstruos tienden a nuestro protagonista. En esta ocasión, casi toda la culpa recae en el guión. Porque si. Durante la primera hora de metraje estamos viendo una cinta bastante decente, pero es cuando empiezan a salir vampiritos e historias y los F/X se convierten en los totales protagonistas cuando la película pierde toda la chispa. Así, de un plumazo.
Y es una pena. Porque Will Smith se esfuerza, hace lo que puede, lo que el guión da de si, él lo aprovecha al máximo. Pero un espectador medianamente inteligente no puede aceptar que le tomen el pelo de esa manera. Y más aún si ha leido la novela original. Porque, de nuevo, el guión destroza el libro, como en tantas ocasiones. Lo que en la novela era un final ingenioso y desolador, aquí es un exceso de comercialidad que acaba matando la idea original del film o de la historia.

Técnicamente, Soy leyenda es excelente...hasta que aparecen los dichosos vampiros. Son como Gollum. Pero en lugar de parecer realistas o acojonar, parecen de plástico y son totalmente idiotas, culpa otra vez del guión. Parece que al señor Akiva Goldsman le gusta escribir mal a propósito y decide pasarse por el arco del triunfo el perfil que Matheson hacía en el libro de la nueva raza surgida a raiz del virus. Pero gracias a Lawrence, el resto de F/X ni se notan y son perfectos sobre todo aquellos que nos muestran NY totalmente devastada y abandonada de la mano del hombre. Lo cual habría sido perfecto convinado con la notable fotografía y la casi ausencia de banda sonora. Pero, de nuevo, esto se queda en suposición. ¿Y si el guión lo hubiera escrito otro? Quizás estaríamos hablando de un cipote de película.
Aunque en un principio parece que todos los trucos técnicos se van a usar en beneficio de la historia, pronto se les olvidó a los responsables del film este principio tan básico en el cine y decidieron usar F/X por un tubo hasta para hacer una rata infectada.

En resumen, una muy gran decepción. Nos prometieron la luna y nos han dado una pedrada. Y es una lastima, porque Will Smith me cae bien, porque la puesta en escena es sobresaliente y porque la idea y novela original de Matheson daban para hacer una película cumbre dentro del maltratado genero de la ciencia ficción o del terror. Sólo cabe esperar que Goldsman olvide como coger un lapiz y deje de escribir. Eso si sería beneficioso para la humanidad.

Nota: 5.

[REC]

2007-12-15T21:03:00.000+01:00

Una reportera y el cámara que la acompaña están pasando una noche con el cuerpo de bomberos de Barcelona para el programa Mientras usted duerme. Cuando la velada transcurría sin ningún tipo de incidentes, los bomberos reciben una llamada y deben acudir de urgencia a un edificio donde una anciana vecina parece estar enferma. Cuando los bomberos y el equipo de TV llegan al edificio descubren que no todo marcha bien y sin quererlo ni beberlo están encerrados y en cuarenta por motivos médicos.

Otra vez ha pasado bastante tiempo desde que vi la película hasta que me he decidido a escribir la crítica. Y eso que [REC] me pareció muy entretenida. Acojonar, acojona, eso está claro. Aunque no deja de ser una simple atracción de feria muy bien montada y planificada para ganar dinero. Con todo hay que reconocer el mérito de Balagueró y Plaza, porque han demostrado que en España también podemos ser originales respecto al cine de género y hacer que la gente lo vea y confie en él como producto de entretenimiendo. Porque uno no ve estás películas esperando ver una de George A. Romero.
Sobre los actores hay que destacar su esfuerzo, porque una actuación tan espontánea es dificil de conseguir y más aún que el público se la crea y disfrute con ella. Aunque a veces pequen muchísimo de histeria y de griterio, la sensación de realidad que transmiten al espectador es bastante notable y en muchos momentos nos tenemos que agarrar a la butaca con fuerza.

Técnicamente, [REC] es muy muy buena. Está muy bien montada y planificada y la buena mano del cámara, que en algún lado he leído que es un profesional, es acertadísima. El agobio que transmite la camara en mano al estilo reportaje hace que muchos espectadores lo pasen verdaderamente mal. Incluso, los hay que a los 10 minutos de película preguntan si ha empezado, porque el estilo televisivo rompe bastante los esquemas de la gente.
Pero aún con esto aciertos, [REC] tiene sus fallos. El primero, tener que buscar un culpable a la infección. Parece ser que no quedaba bien el rollo del virus y pensaron que culpar a los de siempre sería más acertado. Y segundo, el final. Vale que la "niña Medeiros" está muy bien conseguida y acojona mucho pero...¿era necesario ese plano final? Es que rompen la estética realista para darnos en todo el gepeto con un plano ultra comercial, que descoloca muchísimo.

En resumen, [REC] puede ser un ejemplo más del buen estado del cine de terror en nuestro país, a pesar de sus fallos. Lástima que en Hollywood crean que mola hacer remakes y que en poco tiempo tengamos que tragarnos el de la historia que nos ocupa.

Nota: 7.

El orfanato

2007-11-10T20:20:00.000+01:00

Cuando Laura era una niña huérfana se crió en un pequeño orfanato hasta que fue adoptada por una buena familia. Cuando Laura vuelve años más tarde al orfanato con la intención de abrir un hogar de acogida para niños con problemas no sabe que un misterio la estará esperando y que su propio hijo adoptivo tiene mucho que ver.

Debút esperadísimo del joven director J.A. Bayona, con preselección para los Oscar incluida. Era tanta la espectación creada por esta cinta que algunos contaban con los dedos los días que faltaban para su estreno. Yo la vi una semana después de sus estreno y ha sido ahora cuando me he acordado de ella. Y es que, El orfanato tiene una factura técnica cojonuda (para estar hecha aquí, claro) pero es de esas películas destinadas a caer en el olvido. Nada más empezar tenemos que soportar la treta publicitaria de "director famoso" presenta, en este caso, Gillermo del Toro. El público, aún flipando un año después con El labertino del fauno (a mi me encantó), sabe que no va a ver lo mismo, pero que ese nombre este presente en el cartel es una evidente ayudita para la taquilla (como podría serlo el "Tarantino presenta" o el "Spielberg produce"). El problema es que este tipo de cosas nunca aseguran nada (Tarantino pagó Hostel y es una basura y Spielberg produjo Transformer...de la que no diré nada por respeto) y en este caso nos da buena factura, pero poco mas. Bayona hace un trabajo muy digno, más aún teniendo en cuenta que es un debút, pero le falta poner de su parte ideas propias y "homenajear" menos ciertos clásicos del género. Sobre los actores destaca Belén Rueda, que recordemos empezó en la tele haciendo el moñas más abosulto. Rueda demuestra ser una actriz de notable calidad y seguro que el futuro le aguarda grandes ofertas.

Como ya he mencionado antes, técnicamente la peli está a un nivel muy bueno y da el pego perfectamente como producción destinada a romper taquillas. Y ese es su principal problema. ¿De que sirve hacer una peli española para que luego quede en pantalla como una de los USA? Hay buenas pelis españolas y con mucho presupuesto que al menos mantienen cierto toque cultural español (y que conste que eso no significa "tetas y coños", algo muy de aquí por otra parte). Por supuesto, sería absurdo arremeter con el apartado técnico del film pero algo más de "suciedad" no le hubiera venido mal.
Y, como todos lo que la han visto saben, El orfanato tiene algunas escenas dignas de recordar, como la mítica secuencia del atropello, por todo lo que sucede y la hilaridad de la situación.

En resumen, espero que El orfanato reviente taquillas aunque sólo sea por ver la estadística un poco mejorada aunque para otra ocasión me gustaría ver algo mas arriesgado (al estilo de Los cronocrímenes de Vigalondo, de la que hablaré pronto).

Nota: 6

Promesas del este

2007-10-07T20:04:00.000+02:00

Una joven muere mientras da a luz a su bebé en un hospital de Londres. Anna, la matrona que asiste el parto, recoge el diario de la muchacha y busca algún dato que situe a familiares del recién nacido para que no tenga que ser entregado en adopción. Su sorpresa es mayor cuando descubre que el diario está escrito en ruso y en su interior encuentra una tarjeta de visita para un restaurante. Problema: el restaurante es de la mafia rusa y Anna se está metiendo en terreno pantanoso.

El canadiense David Cronenberg vuelve a formar equipo con el actor Viggo Mortensen tras la sobresaliente Una historia de violencia. Como en aquella ocasión, vuelven a ofrecernos una obra magistral, puede que incluso mejor. Con un guión estupendo, obra de Steven Knight, Cronenberg nos deslumbra con hora y media de excelente cine. Hay quien critica a Cronenberg por su cambio de registro, acusándolo de buscar el éxito fácil, hay quien lo critica porque ya no hace las películas que hacia antes y eso es un error. Si se presta atención se pueden apreciar miles de detalles que nos indican que estamos viendo una cinta del canadiense. No es que Cronenberg haya cambiado, simplemente, ha madurado y rueda historias igual de interesantes que las de antes pero con un estilo algo más realista y sosegado. ¿Se parecen El almuerzo desnudo y Una historia de violencia? Lo mismo que una mosca a una vaca. ¿Son buenas películas? Pues si (según gustos, claro).
Junto con la dirección o el guión, los actores son los que llevan el peso de la trama. Todos están sensacionales, en especial Mortensen, al que es imprescindible ver y escuchar en versión original. Su acento ruso y todo lo que hace a lo largo del montaje nos haría pensarnos pedirle un autógrafo si alguna vez lo viéramos por la calle, en serio, acojona. Junto con él encontramos a Naomi Watts, sensacional como siempre, a Vicent Cassel, que es una buen actor cuando lo dirigen en condiciones, y al veterano Armin Mueller-Stahl, que está serio y perfecto en su papel de jefe mafioso.

Técnicamente, Promesas del este se caracteriza por lo mismo que Una historia de violencia, buena fotografía, mejor montaje, excelentes escenas y cero por ciento de efectos digitales. Esto último puede parecer una chorrada, pero en los tiempos que corren se agradecen este tipo de producciones en las que todo es pura magia y técnica. Sobre las excelentes escenas, me gustaría destacar algunas, como aquella en la que Mortensen se somete al visto bueno de los rusos o la brutal pelea en los baños turcos, una de las mejores escenas del año, que duele y hace que uno sienta lo mismo que el protagonista (o casi).
Si tuviera que poner una pega a esta joya sería, y por decir algo, que quizás hubiera sido un mayor acierto dar más profundidad al personaje de Anna. Repito, es sólo un mínimo detalle que puede que incluso sea cosa mia, porque el personaje esta bien dibujado y bien interpretado.

En definitiva, Promesas del este es una magistral muestra de que todavía se pueden hacer buenas películas. Posiblemente sea la mejor película del año. Posiblemente, sólo la veamos unos pocos.

Nota: 9.

La jungla 4.0

2007-09-10T16:52:00.000+02:00

Un nuevo tipo de amenaza terrorista asola los EEUU, la informática. Servicios, transportes, luz, gas...todo se encuentra patas arriba y sólo un policía plantará cara al asunto, John McClane, que tiene que proteger a un informático mientras salva el país y a su propia hija.

Dicho así, la verdad, suena a gilipollez extrema. De hecho, lo es. Pero amigos/as, estamos hablando de John McClane y todo lo demás importa un rábano. Lo cierto es que vi la película con algo de temor, no quería que uno de mis personajes favoritos del cine acción se amoñara y terminará protagonizando un basura (cosa que los trailers prometían). Pero tras unos minutos en la sala descubrí que:
1. Bruce Willis sigue siendo el único e inigualable John McClane, que en esta ocasión es poco menos que un Dios. Mata, conduce, casi vuela, insulta, se ríe del malo...a pesar de los años, sigue siendo el mismo.
2. Len Wiseman no es buen director pero sabe poner la cámara en su sitio para que veamos todo a la perfección e incluso es capaz de sacarse de la manga un par de escenas buenas, de esas que, incluso, duran en la memoría.
4. El malo es el malo más penoso de la historia. Timothy Olyphant sabe interpretar lo mismo que una castaña y encima el personaje no tiene la chispa ni la miga que los anteriores malos.
5. El compañero de McClane también es bastante penoso. Justin Long se ajusta a su papel pero en la memoria colectiva por siempre estará el Zeus del gran Samuel L. Jackson en La jungla 3.
6. La hija de Willis en la ficción, Mary Elizabeth Winstead, está de buen ver y encima, actúa de manera decente.
7. La jungla de cristal es La jungla de cristal, da igual que pase, siempre nos gustará en mayor o menor grado.

Es cierto que el guión es algo tosco e infantil, pero es que el cine de acción de hoy en día es así, los años 80 ya pasaron así que debemos dejar para la nostalgia aquellas producciones hiperviolentas que llenaban nuestras pantallas. Hoy en día el cine de acción serio no existe (honrosa excepción, la saga Bourne) y tenemos que adaptar nuestra mente a lo que hay. Con eso, La jungla 4.0 es una entretenidísima producción, llena de acción imposible y con algunos tópicos de la saga ya vistos anteriormente. Es cierto que fallan muchos factores, como los antes mencionados, pero tampoco podemos pedirle que sea una obra maestra.
Flaquea en ocasiones por las cosas y situaciones que vemos, Kevin Smith sale poco y debemos dar gracias a Dios o a los productores y encima tiene clichés con patas como la novia china del malo y encima karateca o el francesito chulapo que luego es un mierda y muere de la forma más triste. Pero aún con todos estos fallos, se pasa un rato muy divertido en el cine, que a fin de cuentas, es lo que uno busca por el precio cada vez más alto de una entrada.

Resumiendo, que puede gustar más o menos, pero lo que está claro es una cosa, es divertida y entretenida como pocas pelis de verano y encima nos devuelve a la gran pantalla a uno de esos personajes que pasarán a la historia del cine sin ser dramáticos ni melancólicos, solo por llevar el apellido McClane, soltar tacos y matar malos a diestro y siniestro.

Nota: 6´5.

Grindhouse: Death proof

2007-09-01T02:49:00.000+02:00

El especialista Mike, con su preparadísimo y potente coche, se divierte de una manera un tanto peculiar, asustando y matando atrozmente a las chicas guapas que se cruzan en su camino (si, esto es, a grandes rasgos, el argumento principal).

La segunda parte del conjunto Grindhouse llega a las carteleras y lo hace con el nombre de Quentin Tarantino pegado hasta en el culo. Y lo cierto es que, aunque le pese a muchos, este hombre hace lo que le apetece, cuando le apetece y como le apetece. Así, Death proof, sin ser una gran película, se muestra como un homenaje cachondo y, en ocasiones divertido, al cine de persecuciones de coches y al subgenero slasher de los años 70 (ahí esta el mítico Kurt Russell y sus míticas colaboraciones con John Carpenter para demostrarlo). Tarantino nos ofrece una película muy densa en cuanto a diálogos (por desgracia, no todos buenos y si aburridos) y situaciones de tranquilidad pero que sabe pisar el acelerador a fondo para dejar al espectador que se atreve con este tipo de productos con la boca abierta en su tramo final. Quizás sea la peor peli de Tarantino, si, pero eso no quita méritos al director y ni muchos menos quiere decir que sea un mal film.
Tarantino siempre tiene suerte con sus actores y, aunque en esta ocasión cuenta con un grupo de chicas que no se esfuerzan mucho, la presencia de la auténtica especialista Zoe Bell resulta más que gratificante. Además de actuar como una veterana, realiza sus escenas de acción, lo que le da un toque de distinción a su papel. Kurt Russell realiza una buena interpretación, por desgracia, algo diferente a lo que cabía esperar (en los últimos momentos de "asesino que se caga cuando le plantan cara" el señor Russell sale un poco mal parado).

En cuanto a la técnica de la película poco se puede decir, salvo que en esta ocasión se abusa mucho menos del desgaste de rollo fílmico o de los errores de sonido que en Planet terror y todo se queda en unos cuantos fallos intencionados y bien logrados (aunque hacerlo a posta no tenga la misma gracia). En cuanto a la música, elemento imprescindible en el cine de Tarantino, sólo puede usarse un calificativo, soberbia. Como es habitual en el cine de este señor, lo guiños a otras películas suyas se suceden, desde el sheriff ya visto en Kill Bill: Vol. 1 o Abierto hasta el amenecer, pasando por un politono de móvil muy conocido y terminando con su fetichismo por los pies femeninos (que aquí alcanza cuotas exageradas).
Las escenas de persecución están muy logradas y consiguen crear una sensación de velocidad brutal, sobre todo en la que Zoe se encuentra sobre el capó de un coche "jugando" con Mike a más de 120 por hora. Sin duda alguna, una degenerada y violenta persecución que dará un giro radical para terminar con un repentino "The end" escrito en pantalla.

Death proof es, en definitiva, el guiñó al cine setentero que un tío como Quentin Tarantino podría hacer, lleno de sus típicos diálogos, su magnífica música y sus solventes planos secuencia, con un interesante descubrimiento como Zoe Bell y algunos momento currados protagonizados por Kurt Russell. Eso y, claro está, una persecución que dura unos 15 minutos donde todo es posible y cuyo final, personalmente, me dejo bastante sorprendido.

Nota: al igual que con Planet terror, no voy a dar una nota a Death proof hasta que vea Grindhouse tal y como fue diseñada. Death proof es más aburrida, si, pero desde luego (y para tarantinianos de pura cepa) una excelente oferta para disfrutar en pantalla grande.

P.D: Amo y adoro a Rosario Dawson (sino lo digo reviento)

El ultimatum de Bourne

2007-08-30T16:17:00.000+02:00

Jason Bourne vuelve a casa después de 3 años huyendo de aquellos que lo entrenaron para matar y vuelve dispuesto a dejar las cosas claras y en su sitio. Tras su huida por las calles de Moscú, Bourne tendrá que seguir limpiando su nombre de falsas acusaciones y aclarar su verdadera identidad en un viaje frenético y trepidante, desde Europa hasta Nueva York.

Paul Greengrass lo ha vuelto a conseguir, nos vuelve a ofrecer casi dos horas de pura emoción, pura acción, siempre tratando al espectador con respeto y consiguiendo que no apartemos la mirada de la pantalla en todo el metraje. Si con El mito de Bourne ya consiguió filmar la mejor película de acción en lo que llevamos de siglo XXI, aquí nos vuelve a demostrar que lo mismo dirige un drama hiperrealista como United 93 o un espectáculo palomitero e inteligente (adjetivos que en contadas ocasiones coinciden) como la presente última parte de la trilogia del señor Jason Bourne. Y es que Bourne es, desde que se estrenó la estupenda primera parte, un icono del cine de acción. En estos tiempos, donde lo fácil es ganar dinero haciendo películas con miles de F/X digitales, a unos notas se les ocurrió iniciar una saga de espionaje al más puro estilo setentero (adaptado a los tiempos que corren, claro) y dar a conocer al personaje creado por el novelista Robert Ludlum.
Matt Damon se convierte en el actor perfecto para el papel protagonista por su cara de niño bueno pero con mala hostia si le tocan las narices y encima está acompañado por un elenco de aupa. Joan Allen, David Strathairn, Scott Glen, Albert Finney e, incluso, Daniel Brühl y Paddy Considine en pequeño papelitos. Quizas todos esten demasiado serios pero es que en la saga Bourne pocas veces se ha visto un momento de tranquilidad o que permita relajarse.

Técnicamente, y siendo Greengrass el responsable de todo, no cabía esperar otra cosa mas que maestría en el montaje, en el uso de la música, en los movimientos de cámara y en las increibles secuencias de persecución (a pie, en moto, en coche...no importa, todas se salen). El uso de la camara en mano se muestra igual de acertado que en la primera parte y nos mete de lleno en las escenas de acción, sobre todo en la espectacular (por su capacidad para crear incertidumbre) secuencia en la estación de trenes de Waterloo o en la brillante persecución por las calles de Nueva York (no tan perfecta como la de Moscú, pero casi).
Aunque muchos acusen a Greengrass de usar la música en exceso, cosa cierta por otra parte, siempre resulta muy importante su uso, por su capacidad para crear dinamismo y porque es una música que en nada desentona con el resutado final de la historia.

En definitiva, una estupenda película de acción, de hecho, de las pocas que no nos toman el pelo y que trata al espectador con inteligencia y respeto, un estupendo final a la trilogía Bourne y sin duda y hasta el momento, la mejor película pensada para sacar algo de pasta en todo lo que llevamos de verano.

Nota: 9.

Grindhouse: Planet terror

2007-08-07T14:20:00.000+02:00

Una fuga de gas tóxico provoca que los ciudadanos de un pueblucho de Texas se conviertan en zombies y anden con ganas de comer y matar a todos sus vecinos. Un grupo de supervivientes , entre los que encontramos a Cherry Darling y a su ex El Wray, intentarán sobrevevivir.

La primera parte del díptico Grindhouse (maldigo a los hermanos Weinstein por decir que en Europa no conocemos este término y obligarnos a ver las películas por separado) llega por fin a España. El segmento de Robert Rodríguez es un claro homenaje en plan cachondo al cine de zombies de serie B de los años 60 y 70, con detalles que recuerdan a La noche de los muertos vivientes del maestro George A. Romero, salvando las distancias claro. Planet terror se presenta como una gamberra y sangrienta historia de terror con un ritmo vertiginoso, divertido, con casquería a granel y con unos personajes a cada cual más caricaturesteco y cachondo. Robert Rodríguez sigue siendo un autentico "Juan Palomo", capaz de dirigir, escribir, fotografiar y componer la banda sonora para el gozo y disfrute de los espectadores. Me resulta imposible decir algo malo de un hombre que se hace toda una película él solito (aunque tiene pelis realmente malas). Planet terror se parece en cierto modo a Abierto hasta el amanecer y eso resulta todo un acierto, teniendo en cuenta que es lo mejor de su director/creador (que conste que a mi si me gustó Sin city, y mucho), desde unos primero minutos de desarrollo de personajes hasta el baile sensual de su protagonista femenina y la posterior defensa a tiros del refugio.
Rose McGowan encaja a la perfección en el mundo Grindhouse con su curvilíneo físico (primeros minutos de película no aptos para cardiacos) y su notable interpretación. El resto de actores están perfectos en sus papeles, sobre todo el mítico Michael Biehn (Terminator y Aliens) y Michael Parks (el incombustible sheriff visto en Abierto hasta el amanecer y Kill Bill). El protagonista masculino, Freddy Rodríguez, consigue un personaje divertido y que conecta con el espectador a la perfección.

Tecnicamente...bueno, tecnicamente Planet terror adolece de la experiencia Grindhouse. Rollos perdidos, imagenes quemadas, perdida de color, sonido chusco; todo ello intencionado para crear esa sensación de cine cutre y casposo de los años 70. Lo cierto es que la idea resulta cuanto menos original por lo que todos estos detalles no molestan y son bastante llamativos. Los efectos especiales de maquillaje, hay pocos digitales, corren a cargo del experto y maestro Greg Nicotero, con momentos realmente asquerosos, sanguinolentos y poco aptos para gente de estómago sensible, aunque en ningún momento pretenden ser realistas, sólo exagerados y (repito) cachondos.
Sobre el resto de elementos del film poco se puede decir, porque corren al cargo del propio Robert Rodríguez, un tipo que pago su primer éxito, El mariachi, vendiendo su cuerpo como conejillo de indias.

Planet terror es un divertido film para ver en el cine, aunque sufre por culpa de su distribución la perdida de esa oportunidad de ver 2 pelis por el precio de 1 y de disfrutar durante 3 horas y cuarto de una autentica sesión Grindhouse (31 de agosto: estreno de Death proof, segmento de Tarantino). Eso si, sólo por ver el falso trailer de Machete, merece la pena gastasre la pasta.

Nota: Como película independiente, Planet terror funciona bien, pero como fue creada para su distribución junto con Death proof y cinco trailers falsos, me resulta muy difícil darle una nota que corresponda a su calidad artística, así que me guardo la nota para cuando haya podido disfrutar de la experiencia Grindhouse (que será en DVD, espero).

Los Simpsons. La película

2007-07-31T22:27:00.000+02:00

La ciudad de Springfield está alcanzando cuotas exageradas de contaminación y los poderes locales deciden actuar (gracias a la ecologista Lisa, por supuesto) y evitar que la polución termine destruyendo la ciudad. Pero Homer es Homer y al final terminará chafándolo todo, destruyendo la ciudad, huyendo con su familia a Alaska mientras todos sus vecinos lo buscan para darle un castigo bastante merecido.

Esta es una crítica un tanto especial. No se puede hablar de interpretacion, ni de efectos, ni de tecnicismos ni, incluso, de dirección. ¿Por qué? Pues porque son Los Simpsons, esa familia que lleva divirtiendo a generaciones desde hace 20 años. Matt Groening era consciente de que se jugaba el respeto de los fans de la serie de por vida y por ello quiso contar con los mejores guionistas de la serie, esos que trabajaron durante las sobresalientes temporadas del flameado de Moe, de las aventuras del abuelo con El pez volador, Homer más estúpido que nunca, Bart de mensaka en China...y un largo etcétera que podría no acabar nunca. Un total de 17 guionistas que han trabajo lo suyo y se nota que se han esforzado por ofrecer al público algo que el propio Homer reconoce en los primeros 5 minutos de metraje: que estamos viendo algo pagando cuando podríamos verlo gratis por televisión.
Como fan de la serie desde tiempos ancestrales (o más) reconozco que me lo pase pipa viendo a Homer en pantalla grande, sobre todo en la primera media hora inicial, que es un verdadero descojone y un torrente de ideas (más o menos originales). Después la cosa decae, algo que se veía venir, sobre todo por la costumbre de sus responsables a escribir para capítulos de unos 22 minutos.

Lo importante de esta película es que dura poco, entretiene y diverte a casi todos los públicos (que tiempos en que Los Simpsons se burlaban de todo sin caer en el absurdo más innecesario). Veremos un desnudo integral, una muerte innecesaria, famosetes, unos créditos cachondos y lo más importante, a la familia amarilla favorita del mundo repartiendo risas a diestro y siniestro. Aunque la cinta decaiga un poco tras los primeros 30 minutos, sabe remontar el vuelo y dar escenas a los personajes que todos queremos (Moe, Lenny, Carl, Wiggun...) y ofrecer un final bastante currado (irreal, pero currado) que sin duda nos hace olvidar las últimas temporadas televisivas.

A pesar de Padre de familia, Padre Made in Usa, Kevin Spencer o South park, Los simpsons ya han pasado a la historia por ser unos de los primeros dibujos animados para adultos (repito, adultos, los niños no deberían ver estas series, pero cada padre que haga lo que quiera) en cosechar un éxito tan monumental y capaces de reirse de todo y criticar lo mejor y lo peor de su país. En definitiva, la película es como un capítulo más. Más largo, más grande y sin cortes (sic) y que nos da la posibilidad de reir en este caluroso verano.

Nota: 7.

28 semanas después

2007-07-11T15:57:00.000+02:00

El terrible virus que asoló Inglaterra se encuentra aparentemente bajo control. Los infectados por la Ira han muerto de inanición y las tropas de la OTAN lideradas por EEUU creen que es el momento oportuno para repoblar el país y que todo vuelva a la normalidad. Entre los refugiados que vuelven a Gran Bretaña se encuentran una pareja de hermanos que tras largo tiempo se reencuentran con su padre, superviviente de la temible hepidemia. Cuando todo marcha aparentemente bien, el virus vuelve con más fuerza que nunca para causar el pánico y volver a ponerlo todo patas arriba.

Primera incursión de Juan Carlos Fresnadillo en el cine extranjero y primera incursión superada, aunque no de la manera que podía esperarse del director de Intacto. Y es que tener como precedente la magnífica cinta de Danny Boyle, 28 días después, era una misión difícil de superar. Muchos se empeñan en decir que esta secuela es mejor que la anterior entrega, cuando no deja de ser una segunda parte resultona y divertidamente terrorífica. Porque una cosa es cierta, como secuela, merece mucho la pena. Fresnadillo crea una atmósfera bastante buena durante el metraje y consigue escenas de verdadero maestro del suspense y el susto aunque cae en el error de asemejarse demasiado a la peli de Boyle en muchos momentos. Si a eso le sumamos la manía de mover la cámara como un loco cada vez que un infectado aparece en pantalla, tenemos dos grandes lastres para el canario que, a pesar de todo, lográ una factura técnica notable y desarrollar los personajes lo justo y necesario para este tipo de producciones.
Los actores, entre los que encontramos a un sobresaliente Robert Carlyle, cumplen su función con buen hacer. Los hermanos protagonistas no lograr empatizar de todo con el público, sobre todo el crío, interpretado por el novato Mackintosh Muggleton, pero es por culpa del guión que los convierte en causantes de la desgracia. Ojo a Imogen Poots, la hermana, que capta la atención cada vez que aparece en pantalla con su carismático rostro. El resto de miembros del cast están bien, sin acaparar mucho la atención y con una función clarísima dentro de la desenfrenada acción.

Como suele ser habitual en los últimos meses, el acabado técnico de la cinta es impecable, cosa de la que me alegro muchísimo ya que nos demuestra que un cineasta español puede usar efectos especiales cuando se lo proponga (y cuando tenga la pasta para ello). Sonido, fotografia y, sobre todo, banda sonora, encajan a la perfección en el montaje final. Desgraciadamente, la cámara de Fresnadillo no se queda quieta ni un segundo y produce tal sensación de mareo que en muchos momentos tenemos que imaginarnos lo que está pasando porque la acción está totalmente desenfocada o fuera de plano.
Con todo, Fresnadillo crea escenas de gran tensión, como la del metro, con la única iluminación que consigue una mirilla de visión nocturna o la del código rojo, cuando no se distingue entre infectados y sanos. Mención aparte para la brutal escena del helicoptero con Harol Perrineau (¡¡¡¡Walt!!!!) usando las helices para...bueno, imaginad.

En resumen, una aceptable cinta de terror, digna sucesora de 28 días después, aunque para mi en ningún momento superior a la cinta de Boyle. Con momentos de terror, de suspense y con la envidiable capacidad de mantenernos pegados a la butaca durante un buen rato, algo que la mayoría de las cintas de terror de los úlitmos años no consiguen. Esperemos que Fresnadillo de pronto con otro proyecto interesante y la próxima vez sea capaz de dejar la cámara un poco más quieta.

Nota: 6´5.

La fuente de la vida

2007-05-05T22:46:00.000+02:00

En la España del siglo XVI, un conquistador viaja hasta el nuevo continente para encontrar la fuente de la vida. En la actualidad, un científico busca una cura efectiva contra el cáncer. En el siglo XXVI, un hombre asciende en el infinito universo para alcanzar una estrella a punto de morir. Todos tienen el mismo objetivo, poder salvar la vida de la mujer a la que aman, así sea a través de los siglos.

En lugar de acudir como un borreguito a ver Spiderman 3 (y después del “no cometas ese error” por parte de mi colega Manolo), he optado por La fuente de la vida, cinta de Darren Aronofsky que levantó odios y pasiones a partes iguales en el pasado festival de Venecia. Estrenada hace tropecientos meses en el resto del mundo, al fin llegó a España la susodicha, aunque con un estreno bastante escaso en número de copias, cosa que tampoco es de extrañar teniendo en cuenta lo poco usual de la propuesta.
Reconozco que Pi, opera prima de Aronofsky me resultó muy original, pero no he podido ver Réquiem por un sueño. Tengo estómago de acero, pero hay cosas superiores a mis fuerzas. Con todo, esta nueva película del realizador se presenta como una original historia llena de romanticismo y de escenas espectacularmente emotivas, así como de muchas otras que el espectador no termina de entender muy bien. Aronofsky se desenvuelve bien con los actores y los efectos especiales, creando algunos momentos sobresalientes a lo largo del montaje.
Y es que, hay que reconocerlo, a este hombre se le da bien dirigir a los intérpretes. Hugh Jackman lo hace de maravilla en su triple papel, incluso nos convence como conquistador español aún sabiendo que el hombre es más australiano que un boomerang (la de cosas que enseñan Los Simpsons). Este hombre está destinado a ser uno de los grandes, y sino tiempo al tiempo. La chica de la cinta, Rachel Weisz, está tan sobresaliente como casi siempre y el personaje le viene como anillo al dedo. La química entre la pareja protagonista es muy buena y nos logran convencer y emocionar en todo momento.

Junto con la originalidad de la historia, el apartado técnico es el otro motor principal de la cinta. Aronofsky se defiende de maravilla con un presupuesto no muy elevado (en comparación con el inicialmente previsto) y saca jugo de todas las escenas que podemos considerar espectaculares. En especial, todas las imágenes que acompañan a la historia del futuro son impresionantes, en especial las de la supernova y las del espacio exterior.
La fotografía, excelente, ayuda a que nos creamos lo que estamos viendo y crea una atmósfera genial en el tramo de los mayas. La otra joya es la banda sonora, que emociona con sólo unas notas y que tiene momentos de verdadera maestría.
Pero no todo iba a ser bueno y bonito y es que, al final de la cinta, a Aronofsky se le pira la pinza y quiere unir si o si las tres tramas principales, con unos últimos minutos que confunden al espectador y crean sensaciones contradictorias (como en Venecia, unos aplaudirán y otros abuchearán).

En definitiva, una muy original propuesta que los más cinéfilos no deberían dejar de ver, aprovechando que hemos tenido la suerte de que se estrene en los cines. Además, puede ser la última vez que veamos una paja mental de Aronofsky (dicho con cariño) en pantalla grande, ya que sus próximos trabajos parecer ir en una dirección más normalita. Así que aprovechad, que en hora y media viajaremos a lo largo de diez siglos y veremos una muy bonita historia de amor (y para que a mí me guste una historia romántica…).

Nota: 8

Sunshine

2007-04-22T19:51:00.000+02:00

Mediados del siglo XXI. El sol se está apagando y ha dejado a la Tierra sumida en un invierno interminable que amenaza con exterminar a la humanidad. Tras un intento fallido, protagonizado por la nave Icarus, de "reiniciar" el sol hace algunos años, un grupo de astronautas y científicos deben viajar hasta el astro rey para lanzar una bomba que lo reactive. Pero en su largo viaje, la Icarus II, recibirá una extraña señal de auxilio que creará la confusión entre los tripulantes.

Mal rollito. Mucho mal rollito es lo que desprende la nueva peli del interesante director Danny Boyle. Si hace unos años el británico fue capaz de acongojarnos con 28 días después, ahora consigue que el espectador pase un buen mal rato con Sunshine. La capacidad de Boyle para meter la cámara en sitios insospechados y de crear tension y agobio, queda patente desde los primeros minutos. Las sensaciones de claustrofobia y agorafobia nunca habían sido mostradas en tan poco espacio de tiempo a la vez. Lo mismo estamos dentro de un casco de astronauta que nos vemos perdidos en la inmensidad del espacio.
Pero a pesar de estos aciertos, Boyle cae en el error de emular cintas de culto de la ciencia ficción como 2001 y Alien, el octavo pasajero. Aunque de la cinta de Kubrick si consigue sacar buenas ideas (el mal rollo, la filosofía...), es de la cinta de Scott la parte homenajeada que sale peor parada. Sin querer desvelar giros argumentales, hay ciertos puntos del guión que sobran un poquito, quizás culpa de Alex Garland, buen guionista que en esta ocasión quiere abarcar demasiado en una cinta que tampoco daba para reflexiones morales ni dilemas existenciales tan grandes como los que nos muestran.
Sobre los actores, destacar la presencia de Cillian Murphy, un actorazo como la copa de un pino que sabe anteponerse a su físico (el pobre tiene una cara de psiquiátrico que no puede con ella) y logra empatizar bastante con el sufrido espectador. Una gran sorpresa es la de Chris Evans, actor al que vimos en Los 4 fantasticos haciendo el idiota y que aquí demuestra ser buen actor cuando la situación lo requiere.

Técnicamente, Sunshine es una delicia para la vista y para los oídos. Los efectos especiales, sin ser los mejores de la historia, consiguen mostrar a la perfección lo que pretenden mostrar, más teniendo en cuenta que no estamos viendo una superproducción hollywoodiense. Pero lo que más destaca del conjunto técnico son los estupendos efectos de sonido (aunque a estas alturas todos sabemos que una explosión no hace ruido en el espacio, veasé determinada secuencia de 2001 que pone los pelos de punta).
Como ya he destacado anteriormente, la cámara de Boyle consigue introducirse en lugares pocos comunes (algunos tacharán al director de efectista), aunque también hay que reconocer que en ciertos momentos al inglés se le va la mano con eso de las innovaciones.
Además, la banda sonora es bastante interesante (marca, por otra parte, habitual de la casa) y mezcla a la perfección temas musicales de esos que quedan tan bien (lo siento, pero soy pésimo asignando estilos, mejor no decir pop o rock para no cagarla) con otros orquestales usados en los momentos de más tensión.

En definitiva, una interesante propuesta fílmica dentro del maltratado género de la ciencia ficción, con un Danny Boyle capaz de dirigir cualquier cosa a estas alturas y con una enorme capacidad para generar mal rollo y tensión en menos de dos horas de metraje, con momentos olvidables y pequeños recovecos en el guión, pero una buena opción dentro de la (sosísima) cartelera actual.

Nota: 7.

300

2007-03-23T20:51:00.001+01:00

Las tropas del todopoderoso Jerjes pretenden dominar la antigua Grecia. Pero en su camino se toparán con los espartanos, un pueblo liderado por el rey Leónidas, que con tan sólo 300 hombres de su guardia personal hará frente al millar de soldados persas en la conocida como batalla de Las termópilas, llamada así por situarse en una angosta zona cercana al mar que los espartanos utilizarán en su beneficio para plantar cara a las hordas invasoras.

Antes de comenzar con la crítica, destacar algunas cosillas. Es esencial leerse el cómic de Frank Miller en el que se basa la película, por la simple razón de que es una obra maestra de la novela gráfica. Es esencial ir al cine con la certeza de que se va a ver un espectáculo grandioso, violento, sin concesiones, con sexo y para nada, repito, para nada, realista. Esta película, al igual que el cómic, no es un fiel retrato histórico como intentan ser otras producciones del tipo Gladiator o Troya, no, esta película es puro espectáculo, pura emoción y, sobre todo, puro gozo. Además, recomiendo fervientemente el visionado de Amanecer de los muertos, la anterior película de Zack Snyder, que a este paso se va a convertir en el nuevo David Fincher (por eso de que ambos vienen del mundo del videoclip). Dicho esto, vamos al tema.
300 es ni más ni menos que una absoluta maravilla visual, una obra maestra desde los primeros minutos, donde la música atruena nuestros oídos y lás imágenes junto con la voz en off (el doblaje ha resultado ser muy notable al final, aunque quien pueda verla en versión original, mejor, que dicen que la voz de Butler acojona) nos causan una impresión pocas veces vivida en el cine. De hecho 300 es, hoy por hoy, una de mis mejores experiencias en una sala de cine. Zack Snyder ha dirigido la mejor película palomitera en lo que va de siglo (si, palomitera, que este menda no quiere ganar premios y tonterias, al menos de momento), con una labor detrás de las cámaras y de adaptación de guión excelente. El aparentemente poco denso tomo de Miller da para una película de dos horas justitas, llenas de todo, desde acción sin freno aderezada con música electrónica (que no chirría en ningún momento) hasta primerísimos planos de sus actores, pasando por escenas de sexo muy raras en estas épocas tan puritanas o bellísimos planos creados digitalmente. Snyder le saca el jugo al rodaje en pantalla verde, con una postproducción tan excelente que nadie podrá decir que lo que está viendo pega el cante.
Pero lo mejor de Snyder es su capacidad para dirigir a los actores. Gerard Butler se transforma en el perfecto rey Leónidas, con una interpretación muy notable en la que demuestra lo buen actor que es, siendo esta su gran lanzadera para convertirse en una estrella. El resto del equipo masculino (desde David Wenham hasta Vincent Regan) está a la altura y más teniendo en cuenta lo físico de todas las interpretaciones. Sobre la única chica con papel importante en la cinta, Lena Headey, destaca su buen hacer y su capacidad para atraer la mirada del espectador con una simple mirada.

Dejando a un lado la dirección de Snyder y las interpretaciones de los actores, 300 destaca sobre todo porque muestra las cosas como las tiene que mostrar, dejándose de chorradas. Mutilaciones, cercenamientos a cámara lenta (que las hay en cantidad, pero no molestan), sangre a granel, grandes panorámicas e, incluso, escenas repletas de erotismo gay (es de sobra conocido que los griegos no tenían problemas con la homosexualidad, ya que consideraban el cuerpo masculino una obra de arte, muy modernos ellos). La secuencia entre Leónidas y Jerjes, un Rodrigo Santoro que no reconoce ni su madre, es bastante arriesgada para mostrar ante el gran público, aunque todo queda en una simple insinuación...o lo que cada cual quiera ver. Pero si hay que hablar de secuencias memorables, hablemos de los combates.
300 es desde ya, la película épica más bestia de la historia del cine. Ni Gladiator, ni El retorno del rey (la batalla de Minas Tirith es una cagada de paloma comparada con cualquier escena de este film), ni Troya ni nada similar es capaz de igualar las bestialidades que vemos en tan poco tiempo. Si hace poco comenté Apocalypto y destaqué el modo en que Gibson rueda lo que quiere, Snyder es un verdadero as como autor, ya que consigue que sus productores le den libertad absoluta para hacer lo que quiera. De hecho, la película de mister Zack comparte ciertos parecidos con la de mister Mel, o al menos produce cierta sensación de semejanza, una sensación de que nos están contando las cosas de tal forma que nos divirtamos y entretengamos, que es lo que cuenta en el cine (mencionar también que las escenas en el parlamento me recordarón mucho a las de Roma, esa sobresaliente serie de televisión que merece un hueco en los libros).Escenas como la de la montaña de cadáveres, la del ataque con bestias o los sublimes últimos 20 minutos convierten a este film en un verdadero éxito cinematográfico, que seguramente termine considerándose una película de culto (si acaso no lo es ya).

Para terminar (me he colado escribiendo esta vez), sólo decir que 300 es, al igual que por ejemplo Sin city (curiosamente también basada en novelas gráficas de Miller...), una película extrema. Extrema en el sentido de que o te gusta o no te gusta, no hay término medio. O la amas o la odias.

En definitiva y acabando de verdad, recomendar 300 a todos/as aquellos/as amantes del séptimo y el noveno arte, porque nunca antes se había conseguido hacer una adaptación tan buena como ésta. Visualmente poderosa, técnicamente hermosa y muy, pero que muy bien dirigida, merece la pena verla en una pantalla grande (en digital a ser posible...como hice yo), gigante si es posible y con los altavoces al lado de las orejas. Porque, quién sabe cuanto tiempo puede pasar hasta que volvamos a disfrutar de una hazaña fílmica tan grande como ésta.

Nota: 10 (vale, quiza me he pasado, un 8 o incluso un 7 sería más objetivo y realista,pero he disfrutado tanto que considero que este film merece ser el primero en obtener la máxima puntuación en este blog).